CARTA DEL FLACO

Buenos Aires Diciembre 23, 2011

Mi nombre es Luis Alberto Spinetta. Tengo 61 años y soy músico. Desde el mes de Julio sé que tengo cáncer de pulmón. Estoy muy cuidado por una familia amorosa, por los amigos del alma, y por los mejores médicos que tenemos en el país. Ante el aluvión de información inexacta, quiero aclarar públicamente las condiciones de mi estado de salud. Me encuentro muy bien, en pleno tratamiento hacia una curación definitiva. Quiero agradecer a todos por la buena onda que he recibido, y pedirles que no paniqueen, y no tomen en cuenta las noticias que han generado los buitres de turno. No tengo ninguna red social, ni Twitter, ni Facebook, etc, por lo tanto todo lo que lean al respecto es falso. Pertenezco a Conduciendo a Conciencia, y les recuerdo que ahora en las fiestas, si van a conducir no deben beber. Gracias. Los quiero mucho. Felices Fiestas. Luis

FLACO QUERIDO, QUE TE RECUPERES PRONTO!
Alma del Rock.

FELIZ NAVIDAD!!!

Fuente: http://www.youtube.com/watch?v=LHA-DB4Pjz8

NO A 'SOPA'

TANGUITO

Tanguito, leyenda, santo sin aureola, anti-héroe. Este material lo hemos tomado de rock.com.ar, fuente invaluable de quienes deseamos saber de donde vino la movida...


Tanguito se volvió una figura de popularidad masiva 21 años después de su muerte, acontecida en el otoño de 1972. Pero lo que llegó de su historia y su leyenda, gracias al film Tango Feroz, megaéxito en la Argentina y en varios países hispanoparlantes en 1993, fueron apenas retazos de su vida agitada, turbulenta, algunas veces hermosa pero también triste y terriblemente dramática.

La vida del verdadero Tanguito, la del negrito José Alberto Iglesias de Caseros, no fue nada fácil. Y de ese duro paso de apenas 26 años y unos meses por Buenos Aires, quedó el mito que sobrevivió al paso del tiempo. Pero por qué se instaló tan firmemente su figura en el inconsciente colectivo de una ciudad, mucho antes de que Marcelo Piñeyro reparara en su figura, es un misterio que seguramente nunca se podrá develar. Lo que sí puede hacerse, en todo caso, es una recorrida por su vida para hacer un intento de desentrañar qué misterios se conjugaron para crear una leyenda como pocas otras tiene el rock argentino.

En esta instancia aparecen datos por lo menos llamativos. Por ejemplo, que los hechos más trascendentes de su vida artística, que fueron finalmente los que lo hicieron perdurar, acontecieron en un lapso de menos de un año y medio. De diciembre de 1966 a abril de 1968 soplaron vientos a favor para su figura de morocho suburbial: en ese tiempo participó de un espectáculo en cierta forma antológico junto a varios de sus amigos músicos de La Cueva, compuso "La Balsa" con Litto Nebbia, vio cómo ese tema fue grabado y poco después se convirtió en un éxito de proporciones, ganó un buen dinero como autor, tuvo un papel protagónico en la irrupción en la ciudad de los hippies, actuó en la televisión, y consiguió grabar como solista y con producción por única vez en su vida. Todo, en sólo 15 meses. Entonces está claro que la gran incógnita de esta historia es cómo quedó tanto de tan poco.


Todo el día me pregunto

José Alberto Iglesias nació el 16 de setiembre de 1945 en San Martín, hijo de José Iglesias, vendedor ambulante de artículos de mercería en las ferias de Caseros y Santos Lugares, y Juana Correa, empleada doméstica y ama de casa. Tuvo una sola hermana, Carmen, cinco años menor que él.

En la escuela no le fue bien. Terminó a duras penas el primario, desertó temprano del secundario y su intento de estudiar jardinería en la escuela del Jardín Botánico quedó en eso, en intento. Pero lo suyo no eran los libros sino la guitarra, el divague y el canto rolling stone, de canto rodado.

La oportunidad le llegó en 1963, cuando consiguió convertirse en el grupo Los Dukers de Mataderos, que por entonces ya habían conseguido grabar en el sello Music Hall. Por entonces, sus amigos del barrio habían empezado a llamarlo Tanguito porque bailaba muy bien el rock'n'roll y le decían, en broma, "bailate algo, Tanguito".

En medio de una intensa actividad con actuaciones en clubes de barrio, en las que llegó a compartir programaciones con Sandro y Los de Fuego, los Pick Ups y los Bobby Cats -conjunto en el que cantaba Giuliano Canterini (Billy Bond)- entre varios más, Tanguito debutó discográficamente como voz líder de Los Dukes en la primavera de 1963, con 18 años, grabando un tema de Palito Ortega y Dino Ramos, Decí por qué no querés, y uno propio (aunque firmado por todo el grupo), Mi pancha. A fines de enero de 1964, apareció el segundo y último simple grabado por Tanguito con Los Dukes. El disquito incluyó Carnaval carnaval de Ball y Roger, en versión en español de Santos Lipesker, y Maquillada de Freddie Cora.

Promediando el otoño de ese año, Tanguito se entusiasmó con una posibilidad de hacer una grabación como solista, a partir de un contacto que un nuevo amigo suyo, Horacio Martínez, había logrado en el sello RCA Víctor. Entonces renunció a Los Dukes. Pero no llegó a grabar en ese momento en RCA con el nombre artístico que ya había escogido, Ramsés VII. Lo que sí consiguió, por su amistad con Martinez, fue llegar a un lugar en el comenzaba a cocinarse la música que después se llamaría rock nacional: La Cueva de Pueyrredón.


La Cueva

Originalmente llamado La Cueva de Pasarotus -antes habia sido un cabaret, conocido como Jamaica por un tiempo y luego como El Caimán-, el sótano de Pueyrredón 1723 casi Juncal albergaba en el invierno de 1964 a un buen número de músicos de jazz que empezaba a mezclarse con jóvenes de menor edad que traían otra música en sus oídos, el rock'n'roll.

Desde ese momento y hasta el cierre del local, en 1967, Tanguito compartió muchas noches con personajes como Moris, Javier Martínez, Alejandro Medina, Pipo Lernoud, Sandro, Billy Bond, Litto Nebbia, Miguel Abuelo, Horacio Martínez, Charly Camino, Carlos Mellino. En rigor, La Cueva pasó por distintas etapas. En la última, el grupo fijo que amenizaba el lugar era uno liderado por los rosarinos Litto Nebbia y Ciro Fogliatta, que luego se dio a conocer como Los Gatos.

Los días 7, 12 y 14 de diciembre de 1966, algunos músicos que frecuentaban La Cueva como Moris, Tanguito y Los Seasons (grupo del que formaban parte Alejandro Medina y Carlos Mellino), se unieron a otros como Bob Vincent y Susana, ante la iniciativa del periodista y poeta Miguel Grinberg, para celebrar una serie de conciertos titulados Aquí, allá y en todas partes, que tuvieron lugar en el Teatro de La Fábula de Agüero 444. En ese espectáculo, Tanguito cantaba, en un inglés sanateado, dos temas ya clásicos del primer rock'n'roll, Tutti frutti de Little Richard, y Perro feroz de Leiber y Stoller, ambos popularizados por Elvis Presley. Grinberg recuerda que Tanguito participó de esta experiencia con interés y responsabilidad, concurriendo a todos los ensayos.

Aquí podría ubicarse el comienzo de la más feliz etapa de su vida relacionada con la música. Poco después de estos conciertos, en una de las innumerables noches de naufragio del grupo de amigos de La Cueva que terminaban inevitablemente en el bar La Perla de Once, ubicado en Jujuy y Rivadavia, frente a la plaza Miserere, Tanguito comenzó la composición de "La Balsa", tarea que completó Litto Nebbia.


La balsa

El 19 de junio de 1967, Los Gatos grabaron "La Balsa" en una sesión tomada en carácter de prueba por el sello RCA. Anteriormente, el grupo había rendido un primer examen el 27 de abril, con el tema Ayer nomás de Moris y Pipo Lernoud (con letra modificada por Nebbia). El 3 de julio, el sello Vik, subsidiario de RCA, publicó el primer simple de Los Gatos con "La Balsa" y Ayer nomás. Veinte días después se cerró La Cueva, que venía siendo víctima de un despiadado acoso policial, con allanamientos cotidianos.

El 21 de setiembre, por iniciativa de Pipo Lernoud, se concretó la presentación formal de los hippies de Buenos Aires, en una reunión celebrada en Plaza San Martín. En rigor, se trató de un intento de oficializar de alguna forma la existencia de los pelos largos, para detener la persecución de que ya eran objeto los jóvenes que lo usaban. Esa tarde, Tanguito cantó en el centro de una ronda. Interesados por la colorida novedad, algunos medios periodísticos se dieron por enterados de la existencia de los melenudos porteños. El programa Sábados Circulares que conducía Nicolás Mancera invitó a los hippies alestudio de Canal 13, y así Tanguito pudo cantar varios temas ante las cámaras. Entre ellos, La balsa.

La princesa dorada

El 18 de enero de 1968, en días en que "La Balsa" era la canción más difundida y vendida del verano, Tanguito grabó dos temas propios en los estudios RCA, acompañado por la orquesta de Horacio Malvicino. Esos registros -La princesa dorada, escrito en colaboración con Pipo Lernoud, y "El hombre restante", coautoría con Javier Martínez- fueron los únicos que realizó profesionalmente como solista. El 4 de abril fue editado el simple de Ramsés VII por el sello RCA Víctor con los dos temas que Tanguito había grabado en enero. Pero sin apoyo de difusión de la compañía, y sin interés visible de su responsable porque se conociese suficientemente, la edición tuvo poco vuelo y fue un fracaso comercial. En ese momento podría ubicarse el final de sus días buenos.


La caída

A mediados de 1968, Tanguito tomó contacto con las jeringas y las anfetaminas inyectables. Hasta ese momento sólo había probado pastillas para no dormir y ocasionalmente marihuana. A esa altura de su vida, había cambiado sus amistades. Si bien mantenía cierto contacto con sus viejos compañeros de La Cueva, sus relaciones más estrechas las mantenía con gente que había conocido en el divague en las plazas y en los bares.

Con los brazos perforados por tantos pinchazos, Tanguito grabó algunas canciones entre 1969 y 1970, en los estudios TNT donde Manal, Moris y Vox Dei, entre otros, estaban registrando sus primeros trabajos para el sello Mandioca conducido por Jorge Alvarez, Pedro Pujó, Rafael López Sánchez y Javier Arroyuelo. Tanguito era parte del staff artistíco de Mandioca en forma tácita. Esos registros fueron hechos sin mayor cuidado con el único acompañamiento de su guitarra acústica, al parecer como boceto para que se pusiera en marcha la producción de un álbum. Pero ese trabajo elaborado nunca se pudo hacer.

En verdad, Mandioca publicó una canción de aquellas grabadas en TNT por Tanguito, Natural, posiblemente la más lograda en cuanto a la interpretación, que fue incluida en el compilado Pidamos peras a Mandioca que salió a la venta a fines de la primavera de 1970. Este LP también presentaba temas como Elena de Manal, Muchacho de Moris, Niño de color cariño de Alma y Vida, Verdes prados de Billy Bond y Nunca sabrás de Pappo, entre otros.

Poco significó para Tanguito aquella inclusión en el disco. El vagabundeo y las detenciones fueron cada vez más continuos. La persecución policial fue despiadada con él, y por eso muchas veces sus huesos fueron a dar a la cárcel de Devoto, acusado de contravenir edictos Policiales como los de ebriedad, mendicidad y vagancia, y disturbios en la vía pública.

Después de una de esas numerosas detenciones, en febrero de 1971, llegó a ser presentado por la división Seguridad Personal de la Policia Federal como cabecilla de una banda de narcotraficantes. En aquellos días comenzó una serie de periódicas reclusiones en la Unidad Penitenciaria del Hospital Borda, donde por otro lado se había puesto en marcha un servicio de atención a drogadictos. Luego de un período de meses tras las rejas, en el que fue sometido a tratamientos con electroshocks y shocks insulínicos que prometían cortar de cuajo el síndrome de abstinencia a las anfetaminas, en mayo de 1972 fue trasladado a la Unidad 13 del mismo centro asistencial, destinada a la internación de enfermos mentales.

De aquel siniestro lugar, Tanguito se escapó una madrugada. Unas horas después, a las 10.50 de ese día, el 19 de mayo de 1972, murió bajo las ruedas del tren del Ferrocarril San Martín, pocas cuadras antes de la estación Palermo. Era el tren que podría haberlo llevado de regreso a su casa en Caseros City. Ningún diario publicó su muerte.

En 1973, el sello Talent conducido por Jorge Alvarez y que actuaba como heredero directo de Mandioca, lanzó a la calle el álbum Tango con las desprolijas grabaciones que había hecho Tanguito en TNT.

En el verano de 1993, junto a otros discos históricos del rock nacional como 30 minutos de vida de Moris, el doble Manal de Manal, Desatormentándonos de Pescado Rabioso y Películas de La Máquina de Hacer Pájaros, apareció Tango en compact disc. La tirada de dos mil emplares se agotó de inmediato.

En 1987, Marcelo Pineyro se interesó por la leyenda de Tanguito para la que sería su ópera prima, y luego de marchas y contramarchas, consiguió hacer su película. Se llamó Tango Feroz, fue estrenada en el invierno de 1993, y esa es ya una historia conocida.

"Yo soy Ramsés"

A fines de 2009, con 42 años de retraso, finalmente vio la luz una grabación del 20 de octubre de 1967 en el Estudio TNT. Bajo el nombre "Yo soy Ramsés", este disco incluye tres canciones totalmente inéditas y otros temas en versiones desconocidas.

Fuente: http://www.rock.com.ar

Fotos: http://www.rock.com.ar/bios/0/213.shtml

THE ROLLING STONES

No queríamos dejar de compartir esta completísima bio de una de las bandas mas grandes de todos los tiempos.. 

TODO EL MATERIAL ES TOMADO DE http://www.alohacriticon.com/alohapoprock/article264.html
CON EL FIN DE DIFUNDIR ESTE TRABAJO.

Legendaria formación británica, uno de los conjuntos imprescindibles en la historia de la música moderna. En su extenso desarrollo artístico ha ofrecido sonidos rock, R&B, pop, psicodelia, country rock, hard rock, blues rock, coqueteando también con el funk, el reggae, el folk, el soul o la música disco en heterogéneas expresiones líricas con tonos y enfoques reivindicativos, sardónicos, contemplativos, cínicos, sentimentales... Su incidencia comercial y artística se expande en su inmensa influencia dentro del universo rock, con notoria ascendencia en las bandas estadounidenses garage-rock 60's, el proto-punk, el hard-rock 70's o las clásicas formas del rock'n'roll, base fundamental de sus composiciones.
La capacidad vocal y escénica de su frontman, Mick Jagger (nacido el 26 de julio de 1943 en Dartford, Kent), su trabajo compositivo al lado del guitarrista, el hombre-riff Keith Richards (nacido el 18 de diciembre de 1943 en Dartford, Kent), el talento multi-instrumental del primer líder de la banda, Brian Jones (nacido el 22 de febrero de 1943 en Cheltenham), la óptima funcionalidad rítmica del bajista Bill Wyman (nacido el 24 de octubre de 1936 en Plumstead) y el batería Charlie Watts (nacido el 2 de junio de 1941 en Islington), junto a Mick Taylor (nacido el 17 de enero de 1948 en Hereford) y Ron Wood (nacido el 1 de junio de 1947 en Hillingdon), grandes profesionales de las seis cuerdas que llegaron, respectivamente, a la formación tras la muerte de Jones y la marcha de Taylor, convierten a los Rolling Stones en más que una simple agrupación musical, una longeva institución que ha concedido a la historia del rock momentos de gloria tanto en sus vinilos como encima de los escenarios con sudorosas e indelebles actuaciones en directo.
Cuando dos jóvenes amigos de la infancia se encontraron de nuevo tras tres años de hiato en un vagón de tren que hacía el trayecto entre Londres y Dartford, no podían sospechar que iban a entablar una de las grandes asociaciones dentro de la música popular.

Esos jóvenes eran Mick Jagger y Keith Richards, quien por aquellos momentos se hacía llamar Richard ya que, enfadado con su padre, había suprimido en señal de rebeldía la "s" de su verdadero apellido.

La pareja comenzó a intercambiar gustos musicales, coincidiendo en su pasión por la música negra americana, con principal predilección por el blues y el rock'n'roll, idolatrando a mitos como Chuck Berry (la máxima influencia para Richards), Bo Diddley, Jimmy Reed o Muddy Waters.

Jagger, hijo de Eva y Joe, profesor de gimnasia, y Richards, hijo único de Doris y Bert, ingeniero electricista, retomaron su amistad escolar en el momento en que Mick estaba estudiando Económicas y Contabilidad y Richards acudía a la Escuela de Arte y ocupaba su tiempo libre tocando su guitarra, compartiendo afición con un compañero de la escuela llamado Dick Taylor.

Los tres, que convivían juntos en la casa londinense de Jagger, formaron en 1960 el combo de blues Little Boy Blue & The Blue Boys.

En una de sus salidas conjuntas fueron a parar al Ealing Blues Club para disfrutar con la Alexis Korner Blues Incorporated, grupo en el que se encontraban integrados dos instrumentistas llamados Ian Stewart y Brian Jones, un excelente músico que tanto tocaba la guitarra como el saxo o el piano. Jones procedía de una acomodada familia, siendo su padre Lewis ingeniero aeronáutico y su madre Louisa profesora de piano, ambos amantes de la música jazz.

Unos años antes, Brian viajó por Europa de forma bohemia, antes de regresar a Inglaterra y formar parte del grupo The Ramrods, en donde tocaba el saxo influenciado por Charlie Parker.

Interesados en formar parte del grupo, el terceto consiguió la aceptación de Korner para unirse a los Blues Incorporated.

Cuando la banda fue contratada para actuar en la BBC, Alexis Korner solamente podía acudir con un número limitado de miembros, lo que provocó que algunos de ellos no asistiesen.

Entre los que fueron a la sesión de la BBC no se encontraba ninguno de los futuros miembros de los Rolling Stones, que actuaron el 12 de julio de 1962 en el Marquee bajo ese nombre, sugerido por Brian Jones, tomado de un tema de un ídolo común, Muddy Watters, "Rollin' Stone Blues".
Los seis integrantes de esta banda fueron el cantante Mick Jagger, los guitarristas Brian Jones y Keith Richard, el bajista Dick Taylor, el batería Mick Avory y el pianista Ian Stewart.
Los temas que interpretaron fueron veriones de maestros como Jimmy Reed (ocho temas, entre ellos "Bright Light, Big City"), Robert Johnson, Elmore James (uno de los bluesman favoritos de Jones), Chuck Berry o Willie Dixon.


El concierto fue todo un éxito con un público entregado al sexteto y a su rendición blues.

Poco después causaron baja Dick Taylor, que se marchó para formar los Pretty Things, y Mick Avory, que acabó como batería de los Kinks.

Avory fue reemplazado por Tony Chapman, que en breve cedió las baquetas a Charlie Watts, un batería de jazz que a pesar de ciertas reticencias para incorporarse a un grupo de R&B, terminó accediendo, al igual que el bajista Bill Wyman, antiguo componente The Cliftons.

Esta nueva encarnación tocó con gran seguimiento en famosos clubes ingleses, como el Marquee o el Crawdaddy, un local de Richmond regido por Giorgio Gomelsky, íntimo amigo de Ian Stewart.

Brian Jones se consideraba el líder del grupo, no sólo por bautizar a la formación, sino porque era el músico más dotado y con más talento del sexteto, además poseía, junto a Mick Jagger, la imagen más llamativa para los fans de la banda.
Jones conoció a un publicista llamado Andrew Loog Oldham, personaje fundamental para los Rolling Stones.

Entusiasmado con su personalidad, Brian le convenció para que acudiese a presenciar una actuación de la banda con la intención de que se convertiera en el representante del grupo.

Oldham asistió con su socio Eric Easton, quedando prendados ambos inmediatamente del potencial comercial y artístico del conjunto.

Su primera idea fue presentar a los Rolling Stones como la antítesis de los Beatles. Si los Beatles aparecían en la prensa como los "chicos buenos", los Rolling Stones serían "los malos".
Su primera decisión fue dolorosa, apartar a Ian Stewart de la formación oficial, ya que su estética no era la idónea para ofertar al público esa parte maligna que el hábil Oldham quería mostrar.

Stewart, "el sexto Stone", continuó colaborando en estudio y en los directos hasta su muerte en el año 1985.

Gracias a Oldham consiguieron un contrato con la Decca en 1963, publicando su primer sencillo "Come on", tema de Chuch Berry que contenía en su cara B una adaptación de la canción de Willie Dixon "I want to be loved". El vinilo llegó al puesto 21 en listas de singles.

Este buen comienzo fue superado con su siguiente sencillo, un tema escrito por John Lennon y Paul McCartney que estos "regalaron" a los Rolling Stones después de que Andrew L. Oldham les invitase a ver a su banda actuar en el Ken Colyer Club.

El tema, aparecido el 1 de noviembre de 1963, era "I wanna be your man" (número 12), una canción que confirmó la popularidad de los Rolling Stones.

Su escalada en ventas prosiguió con "Not fade away" (número 3), versión de Buddy Holly & The Crickets que logró entrar en listas americanas.
Esta popularidad creciente de los Stones les llevó a apariciones estelares en revistas y televisiones, quienes centraban la atención del grupo en el sexy Mick Jagger, hecho que disgustaba a Brian Jones, quien como líder del grupo y sin conocimiento de los demás miembros hasta 1965, cobraba en esos momentos un suplemento extra por parte de la Decca.
En esta primera etapa los discos de los Rolling Stones ejecutaban básicamente nervudas versiones, aunque ya en 1964 la pareja Jagger/Richards compusieron el tema "That girl belongs to yesterday", canción que cedieron al vocalista Gene Pitney.
Mientras tanto la astuta campaña de demonización de la banda por parte de Oldham continuaba en marcha y con inmejorables resultados.

Lemas como "¿Dejaría que su hija se casara con un Rolling Stone?" provocaron que la juventud fuese atraída por sus majestades satánicas, mientras que sus padres sentían el peligro de que el quinteto atrapase con su imagen de rebeldes a sus pobres criaturas.

También Oldham presentaba al grupo como rivales de los Beatles, cuando en realidad se llevaban a las mil maravillas, intentando incluso no coincidir en los lanzamientos de nuevos discos.

La publicación de su primer Lp, "The Rolling Stones" (1964), incluyó, además de un buen número de versions, la primera composición de Jagger/Richards interpretada por ellos mismos, "Tell me", una balada de corte acústico y apreciable melodía.

También algunos cortes firmados como Phelge (Nanker/Phelge), uno de ellos compartido con Phil Spector, quien aparece en el disco para solaz de su gran admirador Andrew L.Oldham.

Ante el éxito británico del Lp, que llegó al número 1, los Stones fueron a probar fortuna en los Estados Unidos.

La gira resultó un fracaso, con broma famosa de Dean Martin incluída, al comentar antes de una actuación telesiviva que los miembros de los Stones no tenían el pelo largo sino que su frente era pequeña y sus cejas muy espesas.

Tras esta primera visita con locales vacíos y cachondeos varios, los Rolling Stones retornaron a Inglaterra, en donde ya eran auténticas estrellas. El regreso al país del Tío Sam ya sería otro cantar.
Con "It's all over now", una versión de los Valentinos, los Rolling Stones lograron su primer número 1 en single, obteniendo también un gran éxito con su segundo Lp, "The Rolling Stones nº 2" (1965).

En 1965 grabaron el Ep "Five by five" (1965) y volvieron a girar por los Estados Unidos, ahora recibidos con mayor entusiasmo tras la publicación de los discos grandes "The Rolling Stones (England's Newest Hitmakers)" (1964) y "12 x 5" (1964), alcanzando en el Billboard los puestos número 11 y el número 3, respectivamente.
Un tema blues de Willie Dixon, "Little Red Rooster" (con la cara b escrita por Jagger/Richards "Off the hook"), consiguió repetir el número 1 en el Reino Unido.

En 1964, Charlie Watts publicó el libro "Ode to a high flying bird", dedicado a Charlie Parker.

Aunque los Stones estaba en lo más alto de su popularidad, Oldham deseaba que el grupo emulara a los Beatles y compusiera sus propios temas con mayor profusión.

Encerró al grupo en una habitación con la intención de que no salieran de allí sin construir buenas canciones propias, que sirvieran como cara A de su siguiente single.

La respuesta de la pareja Jagger/Richards sería "The last time/Play with fire", glorioso sencillo con hipnótico riff de Jones que llegó al número 1 en 1965, grabado en Los Angeles con la ayuda en la producción de Phil Spector, quien introduce el zoom bass en "Play with fire", mientras que Jack Nitzsche toca el clavicordio, la guitarra eléctrica y la percusión. Jones se ocupó de la pandereta y Richards de la acústica.

En 1965 publican su tercer Lp en los Estados Unidos, "The Rolling Stones Now" (1965), un disco que incluía temas como "What a shame", "Off the hook", "Surprise, Surprise" o "Little Red Rooster".
A partir de "The Last Time" todos los singles llevaron la firma autoral de Jagger/Richards.

El 20 de agosto publican una de sus canciones mas emblemáticas, "(I can't get no) Satisfaction", pieza significada por la influyente fuzz guitar de Richards que logró el número 1 en todo el mundo.

A finales de agosto, Andrew L. Oldham se asoció con Allen Klein, quien sustituyó a Easton en la representación de los Rolling Stones.

El 17 de octubre de 1965 apareció "Out of our heads" (1965), quien no pudo desbancar al "Help" de los Beatles del número 1, consiguiendo el puesto 2 en las listas británicas.

El album, en su versión inglesa, no es de sus mejores obras, pero cuenta con conseguidas versiones y temas propios de cierto interés, como "Heart of stone", "I'm free" o "Gotta get away". En cambio, la version americana, con temas como "Satisfaction" o "The Last Time", alcanzó su segundo número 1 en Lps, mientras que el single "Get off of my cloud/The singer not the song" llegaría a lo más alto en las listas de singles de buena parte del mundo.

Tras el single "19th nervous breakdown/As tears go by" (número 2), los Stones publicaron "Aftermath" (1966), un álbum en el que alcanzarían su madurez como compositores escribiendo por primera vez todos los cortes del album y presentado uno de los mejores Lps de los años 60 gracias a temas como "Mother's little helper", "Under my thumb", "Out of time" o "Think". El disco llegó al número 1 en el Reino Unido.

En mayo de 1966 apareció "Paint it black", un nuevo número 1 que presentaba a Brian Jones tocando el sitar y la tamboura. Jack Nitzsche interviene interpretando las partes de piano.
A nivel sentimental, Mick Jagger estaba entablando relaciones con Chrissie Shrimpton desde 1963 para en 1966 comenzar a salir con Marianne Faithfull, con quien estuvo hasta 1970, año en el que también mantenía relaciones con Marsha Hunt para terminar casándos con Bianca Pérez Moreno de Macías, con quien permaneció hasta 1978, año en el que comenzó relaciones con la modelo Jerry Hall, ex novia de Bryan Ferry (Roxy Music).

Keith Richards era pareja de Linda Keith desde 1964 y Brian Jones de Anita Pallenberg desde 1965 tras dejar a Linda Lawrence.

Posteriormente Richards le quitó la novia a Jones en 1967 y tras romper con Pallenberg en 1979, se casó con Patti Hansen.
Bill Wyman había contraido matrimonio en 1959 con Diane Perks (su nombre real era William Perks), de quien se divorció en 1969. Dos años antes ya había iniciado relaciones con Astrid Lundstrom. En los años 80 se casó con Mandy Smith.

Por su parte, el fiel Charlie Watts contrajo matrimonio en 1964 con Shirley Watts, de quien nunca se separaría.

A mediados de década los conciertos de los Rolling Stones eran continuamente interrumpidos por sus fans, que invadían los escenarios abrazándose a sus componentes.

Su capacidad de interpretación en directo fue atrapada en el disco "Got live if you want" (1966).

En formato sencillo publicaron "Have you seen your mother, baby, standing in the shadow" (número 5), mientras que Marianne Faithfull adaptó con éxito bajo producción y arreglos de Andrew L. Oldham el tema de Jagger/Richards "As tears go by".

1967 lo iniciarían con su estupendo e infravalorado "Between the buttons" (1967), criticado en la época por su distanciamiento del R&B sin apreciar el magistral tacto melódico de gemas como "Let't spend the night together" (número 3), "Ruby tuesday", "Connection", "All sold out" o "Back street girl".

Esta subestimada obra maestra del pop (número 3), el último album producido por Andrew L. Oldham, también se acompañaba con unos dibujos realizados por Charlie Watts.

El consumo de drogas provocó los primeros conflictos legales para la banda en 1967. Mick Jagger, Keith Richards y un amigo de los Stones, el galerista Robert Fraser, pasaron a disposición judicial, aunque pronto les fue concedida la libertad provisional.

El que estaba totalmente inmerso en el mundo de los estupefacientes era Brian Jones, quien poco a poco iban minando peligrosamente su salud.

Su desequilibrio emocional y la perdida de liderazgo y peso ante la fortaleza compositiva de la pareja Jagger/Richards acabó por alienarle del conjunto.

Tras un ataque agudo de asma, Brian tuvo que ser internado, momento en el que Anita Pallenberg, en esos momentos novia de Jones, inició relaciones con Keith Richards.

Este lance, unido a la desazón por el control del grupo por parte de Jagger y Richards (aunque la importancia de Brian como músico en la sonoridad de los Stones en los años 60 es incalculable), provocaron que el guitarrista se intentara evadir de su situación mediante la fácil ayuda de las drogas, siendo también detenido con posteiroridad a causa de su adicción.

El juicio contra Jagger, Richards y Fraser se llevó a cabo con una gran publicidad en los mass media. La sentencia definitiva fue de condena a tres meses de cárcel para Jagger, un año para Richards y seis meses para Fraser.

Las protestas fueron tremendas, los fans se manifestaron ante la corte judicial y los Who versionaron dos temas de los Stones, "Under my thumb" y "The last time", en símbolo de apoyo a sus compañeros de profesión.

Con el dinero recaudado con las ventas de estos singles pagaron las costas del juicio.
Finalmente, el recurso de apelación dio sus frutos y tanto Jagger como Richards quedarían en libertad, mientras que Fraser tuvo que cumplir la condena.

Brian, que fue condenado a nueve meses de prisión, terminó también en libertad tras un recurso de apelación, manifestando los jueces que la libertad venía condicionada por su padecimiento de problemas psíquicos.

Tras sufrir estos avatares legales, los Rolling Stones, en correspondencia por el apoyo mostrado por su público, publicaron el single "We love you" (número 8), tema que incluía sonidos carcelarios y coros de John Lennon y Paul McCartney.


La influencia de los Beatles y su "Sgt. Peppers" se hizo latente en el siguiente disco grande de la banda londinense. "Their Satanic Majesties Request" (1967) fue su disco psicodélico (número 3), primer trabajo producido por ellos mismos tras la ruptura de relaciones con Oldham en septiembre del mismo año.

A pesar de no ser uno de sus mejores Lps, "Their Satanic Majesties Request" incluye canciones extraordinarias como "She's a rainbow", arreglada por John Paul Jones, o "2000 light years from home", con una letárgica guitarra de Richards y el mellotron de Jones.

Bill Wyman destapó sus esencias con la estimable "In another land", tema en el que colaboraron Steve Marriott al piano, guitarra y coros y Nicky Hopkins al clavicordio.

Tras este disco experimental buscaron el apoyo de un nuevo productor, el estadounidense Jimmy Miller, colaborador de la Spencer Davis Group y Traffic, quien insufló a la banda una resonancia mucho más potente, directa y rockera que la predecesora de Oldham, más preocupado por el refinamiento y la sofisticación sonora, deudora de su devoción por Phil Spector.

El primer y sensacional sencillo producido por Miller fue "Jumpin' Jack Flash", tema que volvió a colocar a los Stones en lo más alto de las listas mundiales.

El Lp "Beggar's Banquet" (1968), número 3 en listas británicas, es una de sus grandes obras maestras con temas como "Street Fighting Man" o "Sympathy for the devil".

Brian Jones, disgustado con el rumbo musical de los Stones e incapacitado por su estado físico para actuar con regularidad (aunque había participado en el proyecto Rock'n'Roll Circus, rodado a finales de año).

En junio Brian declaró que no estaba a gusto en la banda y que quería marcharse para formar un nuevo grupo con Steve Marriott (Small Faces). El 9 de junio, sus propios compañeros, ante la decadencia del gran multinstrumentista, decidieron expulsarlo del grupo.

En menos de un mes, el 3 de julio de 1969, Brian Jones, fue encontrado muerto en la piscina de su mansión. Con su desaparición y la anterior marcha de Oldham terminó un ciclo en la banda, que recordaría a su antiguo compañero en un concierto celebrado en el Hyde Park el 5 de julio, previsto antes de la muerte del rubio stoniano, que fue reemplazado por Mick Taylor, ex miembro de los Bluesbreakers de John Mayall.

Tras el single, "Honky Tonk Women" (número 1), Taylor debutó en Lp con "Let it bleed" (1969), un magistral album que contenía temas como "Gimme Shelter", "Midnight Rambler" (con Brian Jones a la percusión) o la balada "You can't always get what you want".
Los conciertos de los Rolling Stones continuaban siendo multitudinarios y espectáculos de primer orden.

En uno de ellos, celebrado el 6 de diciembre de 1969 en el Festival de Altamont, en California, ocurrió un terrible incidente. Los Angeles del Infierno, contratados como seguridad del acontecimiento musical en el cual también actuaban leyendas del rock como The Grateful Dead, Crosby, Stills, Nash & Young, Jefferson Airplane, Santana o The Flying Burrito Brothers, mataron a un joven de raza negra llamado Meredith Hunter, que según parecía iba portando un arma en su mano mientras Jagger cantaba "Sympathy for the devil".
Con el disco en directo "Get yer ya-ya's out" (1970), los Stones cancelaban su compromiso contractual con la Decca y con Allen Klein, creando su propio sello, Rolling Stones Records, que fue incorporado dentro de Atlantic.

Las aventuras cinematográficas de Jagger ("Performance" o "Ned Kelly") y su aparición en festejos de la alta sociedad, provocaron su encuentro con la nicaraguense Bianca Pérez Moreno de Macías, con quien terminó casándose en 1971.

El mismo año publicaron uno de sus discos esenciales, "Sticky Fingers" (1971), LP en el que aparecía por primera vez la famosa lengua diseñada por Ruby Mazur (erróneamente acreditada a Andy Warhol).

El disco exhibía progresiva tendencia a sonoridades americanas con extraordinarios cortes como "Brown Sugar", "Wild Horses", "Bitch" o "Sister Morphine".

Mientras Mick se perdía entre la gente pudiente con Bianca, Richards compartía vivienda con el gran compositor country Gram Parsons, quien había grabado antes de los propios Rolling Stones el tema "Wild Horses" con los Flying Burrito Brothers.

Parsons se hizo íntimo amigo de Richards, y éste quedó fascinado con la pasión de Parsons por la música tradicional estadounidense, como el country y el folk, que influyó notablemente al guitarrista y compositor británico, hecho apreciable en "Exile on main street" (1972), un Lp doble grabado en Francia, país al que los Stones se habían marchado por cuestiones fiscales.
Este magistral trabajo, no demasiado bien recibido en su momento, incluye temas como "Tumbling Dice", "Sweet Virginia" o "Let it loose".

La gran balada "Angie", dedicada por Jagger a la mujer de David Bowie (aunque últimamente Richards afirma que fue escrita por él para su hija) fue el preludio de otro excelente y subestimado album, "Goat's head soup" (1973), con canciones como "100 years ago", "Coming down again", "Doo doo doo doo doo (heartbreaker)", "Dancing with Mr. D" o "Star Star (Starfucker)".
En la década de los 70 los problemas con el alcohol y las drogas de Keith Richards, quien introdujo a Parsons en su vorágine adictiva, se fueron acrecentado año tras año.

"It's only rock'n'roll" (1974) cosechó buenas ventas y volvió a mostrar a la banda británica en plena forma.

El single homónimo es todo un himno de afirmación rockera y composiciones como "Luxury", "If you can't rock me" o "Time waits for no one" convierten a este disco en una cita ineludible para los seguidores de los Stones.

Cuando finalizaron las grabaciones de "It's only rock'n'roll", Mick Taylor decidió abandonar la banda, ya que no terminaba por sentirse cómodo con el ritmo de vida del grupo. Otra importante época se cerró con la marcha del talentoso guitarrista.

Varios nombres fueron barajados para sustituir a Taylor, entre ellos Steve Marriott, Jeff Beck o Mick Ronson, pero el elegido fue el antiguo miembro de The Birds, The Creation, Jeff Beck Group y Faces, Ron Wood, quien ya participó en "Black and blue" (1976), notable disco con temas de tanta valía como "Hot Stuff", "Fool to cry", "Hey, Negrita" o "Hand of fate", experimentando con sonidos reggae y soul.

En esta época se sucedieron los acontecimientos más allá de lo estrictamente musical. El matrimonio entre Bianca y Mick se vino abajo cuando el cantante se fue a vivir con la modelo Jerry Hall.

Keith Richards y Anita Pallenberg fueron arrestados por posesión de drogas en Canadá. La pareja se sometió a una cura de desintoxicación volutaria tras pagar una multa. Keith también volvió a adoptar su apellido Richards al reconciliarse con su padre.

Bill Wyman y Ron Wood publicaron discos en solitario, mientras que los Rolling Stones sacaban al mercado el directo "Love you live" (1977).
En plena explosión punk, la banda londinense publicó uno de sus mejores discos, "Some Girls" (1978). El álbum llegó al número 1, al igual que el sencillo de influencia disco, "Miss You".

A lo largo del Lp podemos disfrutar con sobresalientes piezas como "Faraway eyes", "Before they make me run", "Shattered", "Beast of burden" o "Respectable".

El siguiente trabajo fue "Emotional Rescue" (1980). El disco se convirtió en un gran éxito comercial pero su calidad resultó inferior a obras pasadas.

Con "Tattoo You" (1981), otro número 1 en Lps, y el single "Start me up", los Stones volvieron a demostrar que no habían perdido su talento para la escritura. Sus conciertos seguían siendo memorables.
Los años ochenta prosiguieron con una serie de discos menores, como "Undercover" (1983) o "Dirty Work" (1986), que se iban espaciando cada vez más.

Al mismo tiempo, publicaban discos en solitario que no fueron excesivamente bien recibidos por la crítica.

Los conflictos personales entre los dos principales protagonistas de la banda parecía significar que el punto y final de la banda sería inminente.

"Steel Wheels" (1989) destrozó las profecías de separación y recuperó en algunos de sus cortes algún retazo de los mejores Rolling Stones, aunque sin compararse con sus obras maestras de los 60 y 70.

En los años 90 y tras el directo "Flashpoint" (1991), el bajista Bill Wyman abandonó la banda, siendo reemplazado en los conciertos y en las grabaciones por Darryl Jones, aunque éste no apareció como miembro oficial del grupo.

Cinco años después de "Steel Wheels", apareció su nuevo trabajo en estudio, el estupendo "Voodoo Lounge" (1994), con temas como "Love is strong", "You got me rocking", "Moon is up", "Out of tears", "I go wild" o "Baby break it down".

Tras el acústico en directo "Stripped" (1995), que recuperaba temas poco manidos de su etapa sesentera, como "The Spider and the Fly", "Not fade away" o "I'm free", publicaron "Bridges to Babylon" (1997), un Lp que decepcionó en referencia a "Voodoo Lounge", pero aún así contenía momentos de cierta valía, como "Saint of me" o "Out of control".
Más tarde editaron el intrascendente directo "No security" (1998) y el recopilatorio "Forty Licks" (2002), cuyas actuaciones en directo continuaban demostrando porque era una de las bandas en vivo más grande del rock'n'roll.

En el año 2005 volvieron a girar por todo el mundo y editaron un nuevo disco en el sello Virgin titulado "A Bigger Bang" (2005).

AGRADECEREMOS NOS HAGAN LLEGAR DATOS A LA FECHA Y COMENTARIOS.
Fuente (valiosísima): http://www.alohacriticon.com/alohapoprock/article264.html
Fotos: 
http://biristones-blog.blogspot.com/2009/03/fotos-ineditas-de-rolling-stones.html
http://www.alohacriticon.com/alohapoprock/article264.html
Google imagenes.

AMY WINEHOUSE

Qué hermosa voz, cúanto talento Amy...

14 de septiembre de 1983 - 23 de julio de 2011

JOAN ARMATRADING

Toda la biografía ha sido extraída de http://culturalesbiana.blogsome.com/2007/06/17/joan-armatrading/
 
Joan Armatrading

Por B.


La cantante, compositora y guitarrista Joan Anita Barbara Armatrading nació el 9 de diciembre de 1950 en Basseterre, Saint Kitts (en el Caribe). En 1958 se mudó con su familia a Birmingham, Inglaterra y a principios de la década de 1970 se trasladó a Londres para participar en el musical Hair.

Ahí conoció a Pam Nestor, con quien comenzaría a escribir canciones. Trabajaron juntas en el disco Whatever’s for Us, publicado por el sello Cube Records en 1972, sin embargo Cube creía que Armatrading tenía mayor potencial de estrella, por lo que sólo ella recibió crédito por el trabajo de ambas. Esto produjo mucha tensión entre las dos y finalmente el dúo se separó. Armatrading pasó por un periodo de inactividad mientras se deshacía del contrato con Cube Records.


En 1975 quedó libre para firmar con A&M y publicó Back to the Night. Al año siguiente su próximo album, Joan Armatrading, fue uno de los más vendidos. El disco, producido por Glyn Johns, tiene una influencia jazzística que se mantiene hasta su siguiente disco, también producido por Johns, Show some Emotion.

En 1976 ganó una nueva audiencia escribiendo y tocando The Flight of the Wild Geese, canción que fué usada para los créditos de apertura y cierre de la película de guerra The Wild Geese.

En 1980, Armatrading revisó y cambió radicalmente su estilo y lanzó Me, Myself, I, un disco algo más pesado y pop, producido por Richard Gottehrer. El mismo estilo pop se mantuvo en sus discos posteriores, Walk under Ladders y The Key, disco al que pertenece el exitoso single Drop the Pilot.

En 1998 se lanzó el disco Lullabies With A Difference, destinado a ayudar a PACES, una organización de caridad para niños con parálisis cerebral. Para grabar el disco, Armatrading pidió a amig@s y músic@s que admiraba (como Mark Knopfler, Jools Holland, Midge Ure, Tina Turner, The Cranberries, Melissa Etheridge, Brian May, Sarah Randle y Lewis Taylor) que aportaran con una canción.



En 1999, después de haber cantado para el cumpleaños número 70 de Nelson Mandela, se le encargó componer una canción como tributo al ex-presidente sudafricano. Joan escribió la canción The Messenger.



Durante su carrera ha mezclado distintos estilos de música. Generalmente su música podría clasificarse como pop con influencias rock, folk, jazz e incluso reggae. Ha sido positivamente comentada por la crítica y ganado numerosos discos de platino, plata y oro.


Su último disco, Into the Blues, fue lanzado en Estados Unidos el 1 de Mayo de 2007 y tiene una fuerte influencia de blues y rock. Armatrading lo describe como “el disco que me he estado prometiendo escribir desde hace mucho tiempo”.

Sitio oficial:

http://www.joanarmatrading.com/

Discografía:

1972 - Whatever’s for Us
1974 - Back to the Night
1976 - Joan Armatrading
1977 - Show Some Emotion
1978 - To the Limit
1980 - Me, Myself, I
1982 - Walk Under Ladders
1983 - The Key
1985 - Secret Secrets
1986 - Sleight of Hand
1988 - The Shouting Stage
1990 - Hearts and Flowers
1992 - Square the Circle
1995 - What’s Inside
1998 - Lullabies With A Difference
1999 - ‘The Messenger’ A tribute song for Nelson Mandela
2003 - Lovers Speak
2005 - Live: All The Way From America (DVD)
2007 - Into the Blues

Fuente:
http://culturalesbiana.blogsome.com/2007/06/17/joan-armatrading/

Fotos: Imágenes Google

JOURNEY

LA SIGUIENTE BIO DE JOURNEY HA SIDO TOMADA DE WOPVIDEOS.COM - RECOMENDAMOS FUERTEMENTE QUE VISITES WOPVIDEOS.COM

http://www.wopvideos.com/Journey/biografia/

Para remontarnos a los orígenes de JOURNEY tendríamos que ir a San Francisco, el año 1966, cuando el joven HERBIE HERBERT se vio envuelto en la creciente escena musical de aquella época. El que iba a ser el manager de JOURNEY, empezó con una joven banda llamada FRUMIOUS BANDERSNATCH, en la que ROSS VALORY tocaba el bajo. Desafortunadamente, el grupo no consiguió lo que se esperaba de él. Pero Herbert consiguió trabajo como manager de producción de una joven banda emergente llamada SANTANA, donde conoció al teclista y cantante GREGG ROLIE. Tras la grabación de su segundo álbum "ABRAXAS", Santana añadió a su formación a un joven guitarrista de 15 años de nombre NEAL SCHON. Entonces la popularidad de la banda subió como la espuma, pero a causa de la espiritualidad que Carlos Santana quiso incluir en su música, la mayoría de su banda se disgregó. Herbie Herbert no quería abandonar, particularmente conociendo el talento de los músicos que habían trabajado con él. En junio de 1973 llamó a Valory, Schon, a un guitarrista llamado GEORGE TICHNER y al batería de THE TUBES, PRAIRIE PRINCE. Pero aún necesitaban a un cantante, entonces Herbert llamó a Gregg Rolie, desde entonces la formación se completó. Aunque el nombre inicial de la banda fue GOLDEN GATE RHYTHM SECTION, fue cambiado a JOURNEY tras un concurso radiofónico en la emisora de San Francisco KSAN-FM. La primera actuación oficial de la banda fue en la noche de fin de año de 1973, pero debido a que Prairie Prince se debía a The Tubes, se vieron en la obligación de buscar a un nuevo batería. El ex-batería de DAVID BOWIE, AYNSLEY DUNBAR escuchó el trabajo de JOURNEY y quedó asombrado por su sonido, así que se unió a la banda en enero de 1974. El grupo grabó una demo en la que se incluía gran parte del material mostrado en su álbum debut: "JOURNEY", para Columbia Records en el año 1974. La dirección musical de la banda era claramente experimental e instrumental. Tras la edición de "Journey", George Tichner dejó la banda y su puesto no fue reemplazado. Esa dirección claramente instrumental continuó en su siguiente álbum: "LOOK INTO THE FUTURE", editado en 1976. En aquella época un cantante de nombre STEVE PERRY solicitó ser el cantante de la banda, pero la idea fue rechazada. Sin embargo, para la grabación del tercer álbum, "NEXT" (1977), Herbert contrató al cantante ROBERT FLEISCHMAN. Pero su actitud no fue óptima, ya que tras quejarse ante Herbert de que tenía muy poco protagonismo en el grupo, dejó la banda. Entonces se pidió a Steve Perry que se uniese a la banda para la grabación del álbum "INFINITY" en 1978.

La entrada de Steve Perry supuso un cambio en la dirección musical de la banda, ya que esta se vió más orientada hacía las capacidades vocales del propio Perry. Además ocho de las diez canciones del álbum "Infinity" fueron co-escritas por el cantante. El álbum entró en las listas del Top 20 y llegó a vender más de DOS MILLONES de copias. De este álbum podemos encontrar magníficos momentos en: "LIGHTS", "FEELING THAT WAY", "ANYTIME" o "WHEEL IN THE SKY"

Tras la edición del álbum Anysley Dunbar se quejó de la nueva dirección musical de la banda y no estaba dispuesto a continuar en ella, su última actuación con JOURNEY fue el 2 de septiembre de 1978. Entonces, el grupo se vio de nuevo en la coyuntura de buscar a un nuevo batería. STEVE SMITH, que había tocado con formaciones de jazz como las de JEAN LUC PONTI o ERIC MONTROSE, no parecía la opción obvia para un grupo de rock como JOURNEY. Con Steve Smith en la formación, el álbum "EVOLUTION", fue grabado en 1979. "LOVIN' TOUCHIN' SQUEEZIN'" fue el primer single en alcanzar el Top 20, llevando al grupo como cabezas de cartel. La popularidad del grupo subió como la espuma, e incluso hicieron cinco conciertos con el aforo completo en Tokio y Osaka. Tras esos espectáculos, la banda pasó dos semanas en los ESTUDIOS SHINONOMACHI grabando la banda sonora de "DREAM AFTER DREAM", la película que supuso el debut del director japonés KENZO TAKADA. A su vuelta a los Estados Unidos, Columbia Records decide editar una compilación con el nombre "IN THE BEGINNING", con los tres primeros álbumes de la banda. Entonces comenzaron los ensayos para la grabación del siguiente álbum: "DEPARTURE", que fue editado en 1980, y en él podremos encontrar canciones como: "ANY WAY YOU WANT IT" y "WHERE WERE YOU". Durante el Tour de 1980 se hizo la grabación en directo del álbum "CAPTURED", que trajo canciones inéditas como "DIXIE HIGHWAY" y "THE PARTY IS OVER". Tras las grabaciones para este álbum, Gregg Rolie decidió dejar la banda. Entonces el teclista de THE BABYS, la banda telonera durante el tour de 1980, tuvo la oportunidad de unirse a JOURNEY. La unión de JONATHAN CAIN fue realmente provechosa, ya que fue co-autor de todas las canciones del álbum "ESCAPE" (1981), un disco que significó un salto impresionante para la banda. Las ventas sobrepasaron los SEIS MILLONES de copias. De este álbum, grandes canciones como: "OPEN ARMS", "WHO'S CRYING NOW" y "DON'T STOP BELIEVIN". Con este disco el sonido de JOURNEY se centra claramente en el mal denominado AOR (Adult Oriented Rock - rock orientado a adultos), aunque yo prefiero llamarlo rock melódico. Desde este momento JOURNEY se convierte en un grupo de una popularidad gigantesca, y los ensayos del próximo álbum tuvieron una importancia absoluta, ya que se buscaba endurecer un poco el sonido del grupo. Así que "FRONTIERS" fue editado en 1983 y en el que se pueden escuchar grandes canciones como "FAITHFULLY" y "AFTER THE FALL". La popularidad del grupo siguió creciendo y prueba de ello fue la creación de una máquina recreativa llamada JOURNEY'S FRONIERS. Este álbum supuso un gran éxito tanto para el público como para la crítica, ya que la paleta de sonidos del grupo se amplió. Tras el tour de "Frontiers", los distintos miembros de la banda empezaron a tomar caminos separados. El primero de ellos fue Neal Schon que ya había colaborado con el teclista JAN HAMMER, editando dos álbumes: "UNTOLD PASSION" y "HERE TO STAY". En 1984 Schon se unió a SAMMY HAGAR, al batería MICHAEL SHRIEVE, y al bajista KENNY AARONSON, formando HSAS BAND, grabando un álbum llamado "THROUGH THE FIRE". Steve Smith sacó su propio grupo: VITAL INFORMATION, con el que continua en la actualidad, centrado en el jazz-rock. Tras estos caminos separados, en 1986 el grupo queda reducido a trió con Neal Schon, Steve Perry y Jonathan Cain, editando el álbum "RAISED ON RADIO", un gran disco con grandes canciones como: "ONCE YOU LOVE SOMEBODY" o "I'LL BE ALRIGHT WITHOUT YOU". Tras este álbum el grupo se separa. Neal Schon se dedica a participar en gran cantidad de colaboraciones en álbumes de artistas como MICHAEL BOLTON, JIMMY BARNES, etc. En 1988 graba su primer disco en solitario: "LATE NITE". En 1989 junto a Jonathan Cain, JOHN WAITE, RICKY PHILLIPS y DEEN CASTRONOVO, forman el grupo BAD ENGLISH, editando dos discos: "BAD ENGLISH" y "BADLASH". En 1992 forma una nueva banda llamada HARDLINE, que editan un único disco llamado "DOUBLE ECLIPSE". Desde entonces Neal Schon se ha dedicado a sus propias grabaciones: "BEYOND THE THUNDER", "ELECTRIC WORLD" y "PIRANHA BLUES". Steve Smith se dedica a su banda VITAL INFORMATION y a participar en gran cantidad de grabaciones, casi siempre dentro del jazz y la fusión. Steve Perry graba un disco de gran éxito: "STREET TALK" (1984) y continua con una exitosa carrera en solitario con un nuevo álbum: "FOR THE LOVE OF STRANGE MEDICINE" (1994) y colaboraciones en grabaciones de otros artistas. Tras diez años de la separación del grupo, Schon, Perry, Valory, Smith y Cain se vuelven a unir para editar un nuevo álbum: "TRIAL BY FIRE", editado en 1996, en el que se encuentran de nuevo los componentes con grandes canciones como: "MESSAGE OF LOVE" o "FOREVER IN BLUE". Asentándose como uno de los grupos más considerados dentro del rock melódico actual. A causa de serios problemas de salud, Perry deja el grupo y es sustituido por un cantante llamado STEVE AUGIERI. A su vez Steve Smith es sustituido por el cada vez más reclamado batería DEEN CASTRONOVO. A principios de 2000 JOURNEY empieza la grabación de su siguiente álbum: "ARRIVAL"...

Fuente: http://www.wopvideos.com/Journey/biografia/

Fotos: Google imágenes

Videos: http://www.youtube.com/watch?v=2NQIPVqLMUg

http://www.youtube.com/watch?v=i5pUOVC50Y8

http://www.youtube.com/watch?v=D9ia4x1ohgE

STYX

Excelente bio de radiodos.com:

Las letras optimistas y esperanzadoras combinadas con melodías cargadas de rock progresivo son la combinación que ineludiblemente le confirió el éxito a esta banda que bautizó una nueva era en la música en la década de los 80. Al participar en el debut de MTV, se presentaron como aire fresco a toda una nueva generación en una época en que la Guerra Fría y la crisis económica mundial ponían un velo de pesimismo en los ojos de millones de jóvenes alrededor del mundo.

Los inicios de Styx tienen sus raíces en una banda del Chicago de finales de los 60´s, los “Tradewinds”, que tenían tras sus líneas a los hermanos Chuck y John Panozzo, a cargo del bajo y la batería respectivamente, así como a su amigo, Dennis DeYoung, en la voz y los teclados.

En el ocaso de la década de los 70, la banda había cambiado su nombre a "TW4” tras acoger en el grupo a James “JY” Young y John Curulewski ambos guitarristas y vocalistas, enriquecieron el formato de la banda de manera que lograron un contrato con la disquera Wooden Nickel Records (subsidiaria de RCA).

Poco después, la banda cambia su nombre a Styx; en alusión al río que según la mitología griega, llevaba los muertos al más allá. Esta decisión se tomó en 1968 tras el paso de Chuck Panozzo por la universidad, a quien en algún curso se le asignó la lectura de la Divina Comedia de Dante Allighieri que habla de este río . Para Panozzo, el nombre sugería un simbolismo interesante ante el renacimiento de la banda.

En los inicios de la carrera de esta banda, se evidencia la influencia de bandas de rock progresivo como Emmerson, Lake and Palmer y The Moody Blues. Pero evolucionan a crear un estilo propio con el paso de los años.

El comienzo de esta banda tuvo un ritmo bastante encabritado, después de su disco debut “Styx” en 1972, sacaron discos cada año; “Styx 2” en 1973, “The Serpent is Rising” en 1974 y “Man of Miracles” en 1975. Además de presentarse continuamente en escenarios a lo largo y ancho de los Estados Unidos lo que les permitió fundar una base de seguidores bastante leales, algunos de ellos han seguido su carrera hasta hoy.

La canción “Lady” del disco “Styx 2” fue el tiquete hacia el éxito de la banda, en 1974, el sencillo empezó a tener gran acogida en las estaciones de radio alrededor del país, atrajo la atención de miles de adolescentes que se sintieron inspirados por las letras esperanzadoras y llenas de optimismo presentes e la canción y que resultaron ser una bocanada de aire fresco para la juventud tras la tensión que la guerra de Vietnam había dejado en la sociedad estadounidense.

Para esta época, comenzaron los roces con la casa disquera, el incipiente éxito de la banda no había sido bien manejado por Wooden Nickel Records, y la banda decide cambiarse al sello A&M para el lanzamiento de su quinto disco “Equinox” en 1975.

Días antes de salir de gira para promocionar “Equinox”, el guitarrista John Curulewski dejó la banda abruptamente, y dio paso a Tommy Shaw, quien tomó su lugar .

Oriundo de Alabama, Shaw comenzó sus estudios en música a la edad de nueve años, se inició con la guitarra y a los 14 años su interés en la música se hacía más evidente. Al terminar el colegio probó suerte en Nashville Tenesee, donde pasó 3 años en los escenarios como miembro de la banda M.S. Funk antes de unirse a Styx.

Shaw confirmó ser la pieza que balanceó la ecuación para la banda, pues todos los discos que se sacaron después de su llegada a Styx alcanzaron estatus de platino como mínimo.

“Cristal Ball” en 1976, “The Grand Illusion” en el 77, “Pieces of Eight” en el 78 y “Cornerstone” en el 79 produjeron enormes éxitos que se convertirían en clásicos como "Come Sail Away," "Renegade," "Blue Collar Man," "Fooling Yourself," y la balada "Babe" que logró posicionarse como número 1 en las listas alrededor del mundo.

A pesar del éxito que lograron con “Babe”, éste se convirtió en objeto de discordia entre Shaw y DeYoung. Mientras el primero quería seguir un estilo más basado en el rock, el otro quería tomar un camino diferente, un estilo más melódico en el sonido y más teatral en el escenario.

Finalmente, las asperezas se limaron y la reconciliación dio origen al primer lanzamiento para la década de los 80, que resultó ser un álbum conceptual; es decir, una compilación de canciones que giran alrededor de un tema y cuentan una historia. “Paradise Theater” trataba acerca del levantamiento y declive de un teatro, que según se cuenta, representa una metáfora del gobierno de los Estados Unidos; en una época en que la gloria de una nación, tan venerada por la banda, estaba opacada por la Guerra Fría, la crisis de prisioneros iraníes y el desempeño de Reagan.

Este disco representó el mayor éxito comercial en la carrera de Styx vendiendo más de tres millones de copias en un periodo de tres años. De “Paradise Theater” se desprenden sencillos como "Too Much Time on My Hands" y "The Best of Times" los cuales dieron paso a algunas de las presentaciones en vivo más exitosas de la época en los Estados Unidos.

Sin embargo, a pesar de la reconciliación, las discusiones tras bastidores no se erradicaron y parecían intensificarse. DeYoung seguía convencido de la necesidad de cambiar de rumbo hacia un enfoque más teatral.

El resto de la banda por fin cedió, lo

que resultó en el álbum de 1983 basado en la ciencia ficción, “Kilroy was Here” que contaba la historia de una sociedad futurista donde el rock & roll estaba prohibido. De este disco se desprende el sencillo “Mr. Roboto” que alcanzó el triple platino ese año y volvió a escucharse en 1997, después de que Volkswagen la empleara en una exitosa campaña publicitaria .

Posteriormente, Styx lanzó su álbum “Caught In The Act” en 1984, que marcó el final de una etapa en la carrera de Styx, la banda se disolvió y sus integrantes se dedicaron a emprender proyectos individuales.

Styx se volvió a reunir en 1990, aunque Shaw , vocalista de la banda, se rehusó a volver pues ya había formado otra banda; “Damn Yankees”. Por ello, se reclutó al vocalista Glen Burtnik para que tomara el lugar de Shaw en Styx para grabar el disco “Edge of the Century”, que produjo otro éxito, la balada "Show Me the Way" que alcanzó el número tres en las listas de popularidad en 1990.

La reunión no duró mucho, Styx se volvió a separar; pero después de la compilación de su disco “Greatest Hits” volvió a reunir a los miembros de la banda; incluyendo a Shaw, de forma definitiva en 1996. Lamentablemente,

John Panozzo presentó complicaciones en su salud a raíz de su problema de alcoholismo. Panozzo falleció en julio de ese año.

Con Todd Sucherman en el lugar de Panozzo, Styx realizó una serie de conciertos para publicitar su reciente reunión y; para sorpresa de todos, la gira resultó ser un rotundo éxito.

En 1997 se lanzó el álbum "Return to Paradise" que tuvo cierto atractivo para las nuevas generaciones, en parte por la aparición de la música de Styx en anuncios publicitarios, así como en programas de televisión como South Park y Freaks & Geeks, de un público predominantemente juvenil.

En 1999, salió el nuevo álbum de Styx “Brave New World”, inspirado en el libro de Aldous Huxley, Un Mundo Feliz. Pero las tensiones en la banda volvieron a surgir, y DeYoung dejó Styx definitivamente. Más tarde ese año, se confirmaron los rumores de que Chuck Panozzo era ceropositivo.

Para el 2003, Styx sacó un nuevo album: “Cyclorama” que incluía apariciones de invitados del calibre de John Waite, Brian Wilson, y el actor Billy Bob Thornton.

Styx parece haber desarrollado una fórmula infalible para seguir vigente, y después de más de 30 años de carrera musical encuentra formas variadas para volver, como el cover de “I Am The Walrus” original de los Beatles que llegó al puesto 2 en las listas de popularidad en Estados Unidos en el 2004. Y la aparición de su tema “Renegade” en un anuncio con Bradd Pitt, lanzado durante el Super Bowl del 2005 que desató otra oleada de programación radial para la banda.

Fuente: http://www.radiodos.com/paginas/archivo/artistas/styx.php

Video: http://www.youtube.com/watch?v=H-TQWFqWqsc&feature=artistob&playnext=1&list=TLagvkklJX1Zw

Fotos: Goggle imágenes

DREAM THEATRE

Dream Theater es una banda estadounidense de metal progresivo, iniciada por tres estudiantes de Berklee en 1985. En sus veinte años, se ha convertido en una de las bandas de metal progresivo comercialmente más exitosas después la época de oro del rock progresivo a mediados de los 70, a pesar de ser relativamente desconocidos en los círculos mainstream del pop y del rock. Sus dos álbumes con más ventas son Images and Words de 1992, que les mereció un disco de oro y es consistentemente reconocido como un lanzamiento germinatorio del metal progresivo a pesar de que sólo alcanzó el número 61 en la cartelera Billboard 200; y Octavarium de 2005, que alcanzó el número 36 en la cartelera Billboard 200.

La banda es bien conocida por la capacidad técnica de cada instrumentista, y ha recibido numerosos premios de revistas especializadas. Los músicos son altamente respetados por muchos de los nombres más grandes del rock y del metal, lo que ha propiciado colaboraciones entre los miembros de Dream Theater y muchos otros músicos bien conocidos. En un famoso ejemplo, Portnoy ha recibido 23 premios de la revista Modern Drummer y John Petrucci fue nombrado el tercer guitarrista en la gira G3 con Steve Vai y Joe Satriani, y su compañero Mike Portnoy fue invitado especial como baterista. Petrucci sigue así los pasos de Eric Johnson, Robert Fripp, Yngwie Malmsteen y otros guitarristas influyentes.

Dream Theater también es notable por su versatilidad musical y los muchos géneros diferentes que su propia música incorpora, lo que ha hecho posible para ellos realizar espectáculos con un rango de actos muy diverso. Algunos de sus más notables compañeros de gira incluyen a Deep Purple, Emerson, Lake & Palmer, Iron Maiden, Joe Satriani, King's X, Marillion, Megadeth, In Flames, Pain of Salvation, Porcupine Tree, Queensrÿche, Spock's Beard, Fear Factory, Enchant, Symphony X, y Yes. En el 2005, Dream Theater hizo gira por Estados Unidos con el festival Gigantour, junto a Megadeth. 1985 - 1990 Dream Theater fue formado en septiembre de 1985. La alineación inicial contaba con el guitarrista John Petrucci, el bajista John Myung, el baterista Mike Portnoy, Kevin Moore en los teclados y el vocalista Chris Collins. El nombre de la banda proviene de un teatro en la ciudad natal de Mike Portnoy llamado así. El padre de Portnoy sugirió bautizar al grupo de esta manera luego de algunos problemas legales con el nombre original del grupo, Majesty. En noviembre de 1986, después de algunos meses escribiendo y tocando juntos, Chris Collins dejó la banda por diferencias creativas con los otros miembros. Después de un año intentando encontrar un reemplazo, Charlie Dominici, quien era mucho mayor y más experimentado que cualquiera en la banda, superó la audición para entrar en el grupo. En 1988 Dream Theater firmó su primer contrato de grabación con Mechanic Records, una división de MCA. En 1989 lanzarían su primer álbum, When Dream and Day Unite, con Charlie Dominici como vocalista. Temas a destacar de este disco son A Fortune in Lies, la instrumental The Ytse Jam y Only a Matter of Time. 1991 - 1994 Dos años más tarde, se unió el vocalista canadiense Kevin James LaBrie quien, para evitar confusión con el teclista Kevin Moore, empezó a utilizar su segundo nombre, James. En 1992 lanzaron su segundo álbum Images and Words, que les catapultó a la fama debido a la gran acogida del público japonés (siempre muy implicado con la banda) y a la emisión en la cadena MTV del videoclip promocional de Pull me Under. Algunos temas destacados en este disco son Pull me Under, Take the Time y Metropolis part 1: The Miracle and the Sleeper. Como curiosidad cabe señalar que en el momento de grabar Metropolis la banda la nombró como "parte 1" a manera de chiste, pero tuvo una gran recepción por parte de los fans, quienes no paraban de preguntar por la segunda parte. Parte que no llegó hasta 1999 con el disco Metropolis part 2: Scenes from a Memory. En 1993 la banda grabó el directo Live at the Marquee, primer álbum en directo de la banda, grabado en el Marquee club de Londres. Posiblemente el título sea un homenaje a Live at the Marquee de la banda King Crimson. En 1994 saldría Awake, álbum en el que la banda experimenta con un sonido algo más fuerte con respecto a los anteriores y que es considerado por muchos como uno de los mejores discos de Dream Theater. Muchos fans y parte de la crítica destacan la entrega del vocalista James LaBrie en esta producción. Temas a destacar de este disco son el ciclo A Mind Beside Itself formado por Erotomania, Voices y The Silent Man; Lie y la psicodélica Space-Dye Vest, compuesta por Kevin Moore. En esta época, Kevin Moore dejaría la banda por diferencias musicales con sus compañeros, y sería sustituido por Derek Sherinian. [editar] 1995 - 1998 En 1995 la banda grabaría A Change of Seasons, lanzado en Estados Unidos como EP, con algo menos de una hora de música. Esta grabación contiene una canción original de 23 minutos que la banda por razones comerciales no pudo incluir en Images and Words y algunas canciones versionadas de artistas como Elton John, Deep Purple, Led Zeppelin, Queen, Journey y Pink Floyd. Algunos cambios sucedieron en EastWest, y el contacto principal de Dream Theater con la disquera fue despedido. Como resultado, la nueva gente en la compañía no estaba totalmente acostumbrada a la relación que Dream Theater tenía previamente con EastWest, y presionaron a la banda para escribir un álbum que fuese accesible a las personas más allá de su base de fans de metal progresivo. En 1997 se publicaría Falling into Infinity, álbum de tinte más comercial que refleja las presiones a las que la banda estaba siendo sometida por la discográfica, y por la cual la banda estuvo a punto de romperse. Los temas You Not Me y Hollow Years, los que la discográfica deseaba lanzar como sencillos, no lograron fuerte impacto en la radio o en las carteleras. A pesar de todo, el álbum contiene sonidos más progresivos como Hell's Kitchen. En esta época Mike Portnoy y John Petrucci participaron en el proyecto Liquid Tension Experiment, durante el cual mantuvieron conversaciones con el teclista Jordan Rudess, a quién lograron convertir en el nuevo teclista de la banda, aportando su enorme creatividad y estilo propio a la formación. 1999 - 2001 En 1999 la banda lanzó Metropolis, Pt. 2: Scenes From A Memory, disco que fue considerado por la crítica como "una de las obras maestras del rock progresivo" y que según Mike Portnoy es el trabajo del que está "más orgulloso". Es un disco conceptual. Una gira mundial masiva fue lo siguiente, con más de un año de duración, y presentándose en más países de los que habían visitado jamás. Los conciertos, que eran mucho más grandes que cualquier cosa que la banda había intentado antes, reflejaban el aspecto teatral del álbum. Interpretaron Scenes From a Memory de principio a fin, con una pantalla de vídeo que la pared de fondo del escenario mostrando un acompañante narrativo de la historia del álbum. Aparte de interpretar el álbum entero, la banda también interpretó un segundo set con otros temas Dream Theater, y algunas nuevas interpretaciones de material más viejo de Dream Theater. La banda atrajo la atención de los medios con su álbum en vivo Live Scenes From New York (3 CD). Anteriormente, Dream Theater había utilizado en la carátula de Live at the Marquee un corazón en llamas. Para hacer referencia al lugar del concierto, la carátula original utilizaba una manzana con el paisaje neoyorquino, incluido el World Trade Center, en llamas. El álbum fue lanzado el 11 de septiembre de 2001, una escalofriante coincidencia con los tristemente célebres ataques terroristas ocurridos ese día. Las copias que habían salido al mercado tuvieron que ser recogidas para cambiar el diseño, así que la carátula original se volvió un artículo de coleccionistas. 2002 en adelante Mike Portnoy en la gira promocional del álbum Train of Thought.En 2002 se lanza Six Degrees of Inner Turbulence, disco que marca el comienzo de una nueva etapa en la banda en lo que al aspecto musical se refiere. Este álbum contiene 2 CDs; el primero de ellos con canciones como The Glass Prison, con una línea musical similar a Metallica en ...And Justice For All y Misunderstood, un tema de corte psicodélico. El segundo CD contiene la obra conceptual Six Degrees of Inner Turbulence de 42 minutos de duración que trata acerca de las perturbaciones de la mente humana, tales como la depresión y la locura. Para muchos fans el segundo CD es uno de los más destacados trabajos de la banda. En 2003 llegó Train of Thought, con un sonido mucho más pesado que el de los trabajos anteriores de la banda, pero sin alejarse de su virtuosismo característico. Temas destacables de este trabajo son This Dying Soul, Endless Sacrifice y el doble tema instrumental formado por Vacant y Stream of Conciousness. Este CD creó una especie de "cisma" entre los seguidores de la banda más "pesados" y los más "progresivos", aunque según palabras de Mike Portnoy el estilo de Dream Theater es una mezcla de ambos componentes. En 2005 se lanza Octavarium, octavo disco en estudio de la banda, que incluye 8 temas. En él la banda toma un estilo mucho menos instrumental, realzando la composición de las letras. El sonido del disco es bastante "pesado", pero no tanto como Train Of Thought. El estilo de las canciones es bastante variado; desde baladas como The Answer Lies Within hasta canciones con un estilo quizá más cercano al anterior trabajo como Panic Attack. Destaca el recuerdo de la banda a las víctimas del 11 de septiembre con Sacrificed Sons y la fantástica composición de la canción que da título al disco, con 24 minutos de duración. En 2006 la banda lanza el trabajo en directo SCORE, grabado el 1 de abril de ese mismo año en el Radio City Music Hall de Nueva York. Es un álbum conmemorativo del aniversario número 20 de la banda, editado en formato DVD doble y CD triple. En el concierto la banda compartió tarima por primera vez con una orquesta sinfónica completa para la interpretación de más de 90 minutos de música de Dream Theater.

Fuente: http://cursosmusicales.com/banddreamtb.htm

Fotos: http://www.dreamtheater.net/info_biography.php

http://tanakamusic.com/wp-content/uploads/2009/06/Dream-Theater.jpg

VIDEO: http://www.youtube.com/watch?v=w4ids4rOegI

Feliz Navidad... solo este link. Miralo, es para vos.

http://www.youtube.com/watch?v=x1ZNB0P7UPw

SE MIRAN LOS PIES: Tangible/Virtual

Tangible/Virtual es el primer EP de SE MIRAN LOS PIES. Es el resumen de casi cinco años de formación, experimentación y búsqueda sonora. El mismo cuenta con tres canciones que invitan a conocer el mundo de la banda, la visión, el sonido…

EL QUE TRIPLE DOBLE V: Es el corte de difusión y el tema que abre el disco. Habla de manera irónica del fin del mundo en manos del mal uso de la tecnología.

TE SALUDO: Es el más profundo y oscuro de los temas. Este track da un pincelazo sobre el miedo, la muerte y la desolación.

EL HIJO DEL PODER: Habla de la argentina del 2001, de la violencia, de las masas Tinellisadas y de la lucha eterna entre el bien y el mal.

Grabado entre 2009 y 2010 en Night Rider a cargo de Julio Soñez.

Fotos: Fabricio Heyda.

Arte de tapa: Insano producciones.

www.semiranlospies.com.ar

Se Miran Los Pies:

Maxi Peralta (voz)

Pipo Sabbatini (guitarra-coros)

Milton Soñez (batería-coros)

Toto Sabbatini (bajo-coros)

FECHAS :Tangible/Virtual 2010:

22/9---Motoencuentro Internacional Diamante E.R.

8/10---"Tribus Bar" Santa Fe

Maxi Peralta - Voz

Pipo Sabbatini - Guitarra y coros

Milton Soñez - Batería

Toto Sabbatini - Bajo

S.M.L.P

CONTACTOS:

email:semiranlospies@yahoo.com.ar

tel:(0343)154058547

www.semiranlospies.com.ar

NOTA DE ALMA DEL ROCK: Gracias Pipo por el dato. Exitos!!!

THE COPPERTONE

http://www.myspace.com/thecoppertone

Amanda Zelina es The Coppertone.

Le dijeron una vez a Zelina, mientras tocaba con el icono del Blues Billy Gibbons de la banda ZZTOP en un añejo depósito de guitarras local en Hollywood California “… tocas la guitarra de forma magnífica, lo lograrás… te veré de nuevo algún día, estoy seguro de esto.” Con una risa, Amanda explica, “Haya sido honesto o no, o simplemente tratando de afectarme, no importa, la casualidad es algo en lo que no creo, confiar es algo primario en mi.” Y con esta mentalidad nació “The Coppertone”.

Esta es la historia…

Al despertarse en la décima mañana de un sueño atormentador que se repite, Zelina sabía que el álbum estaba camino... En él, ella estaba cara a cara con un Toro; una criatura que exuda la fuerza, la confianza, la fuerza, y quizás el peligro. En el sueño ella fue matada por el toro y volvió como una reencarnación del animal ... mirando a través de sus ojos.

El dúo está formado por Zelina y Nick Skalkos de la banda "Spírits". Pero está unido por el tercer miembro secreto de la cinta, Marcone. "Es gracioso porque somos siempre un Dúo, en el estudio con Nick o sobre el camino con Miguel, pero realmente hay tres de nosotros. "

"Este no es un registro de blues tradicional lleno de guitarras limpias.... mis influencias son de tipos como Mississippi Fred Mcdowell, Junior Kimborogh, John Lee Hooker… los hombres de blues que usaron sus dedos para cavar en las cuerdas; quienes sostuvieron una nota no porque debía hacerse técnicamente sino porque se sintió bien... El blues para mí no es restrictivo es una fuerza espiritual, un sentimiento más que una estructura de acordes. Esta grabación es mi interpretación del blues. "

Con una voz que aúlla, con guitarras distorsionadas, tambores primitivos y lírica que está empapada en el alma, The Coppertone es un excitante y refrescante nueva cara del blues contemporáneo.

Influencias: Dan Achen. Howlin' Wolf. Elmore James. Mississippi Fred Mcdowell. Elizabeth Cotton. Son House. Etta James. ZZTop. BB King. Robert Johnson. Chuck Berry. Lightnin Hopkins. Ray Charles. Muddy Waters. Little Walter. Taj Mahal. Seasick Steve. Tom Waits. SRV. George Thorogood. The Black Keys. Dan Auerbach. Joe Cocker. Blind Willie Mc Tell. Skip James. Junior Kimbrough. R L Burnside. Jack White.

Nota de Alma del Rock: agradecemos a The Coppertone por habernos hecho llegar esta magnífica obra. Pueden escucharla en el siguiente link: http://www.myspace.com/thecoppertone

Zelina was once told while jamming with Blues Icon Billy Gibbons of the band ZZTOP at a local vintage guitar store in Hollywood California " ...You play that guitar mighty fine, you're going to make it...I'll see you again someday I'm sure of it." With a laugh, Amanda explains, "Whether or not he was being honest or simply trying to hit on me didn't matter. happenstance is something I don't believe in. trusting my gut is." and with that mentality "The Coppertone" was born.

The story is this....

Awaking the tenth morning from a haunting recurring dream Zelina knew an album was on the way... In it, she was face to face with a Bull; a creature that exudes strength, confidence, force, and perhaps danger. In the dream she was killed by the bull and than came-to as a reincarnation of the animal...seeing through it's eyes.

A duo comprised of Zelina and Nick Skalkos of the band " Spirits". Live she is joined by the secret third member of the band, Marcone on fuzzed out keyboard bass/ all-around-human-percussion-monster and a back track that triggers Skalkos's Boom Boom-ey analog recorded drums." It's funny because we are always a Duo, in the studio with Nick or on the road with Mike, but really there is three of us."

"This is not a traditional blues record filled with straight up 12 bars and clean guitars....my influences are from guys like Mississippi Fred Mcdowell, Junior Kimborogh, John Lee Hooker, Son house... blues men who used their fingers to dig into the strings; who held a note for eight bars more than they technically should because it felt right... The blues to me is non restrictive..its a spiritual force, a feeling more than a chord structure. This record is my interpretation of the blues."

With a voice that howls, unapologetic moody fuzzed out guitars, primal drums and lyrics that are soaked in soul The Coppertone is an exciting and refreshing new face to contemporary blues.

Influences: Dan Achen. Howlin' Wolf. Elmore James. Mississippi Fred Mcdowell. Elizabeth Cotton. Son House. Etta James. ZZTop. BB King. Robert Johnson. Chuck Berry. Lightnin Hopkins. Ray Charles. Muddy Waters. Little Walter. Taj Mahal. Seasick Steve. Tom Waits. SRV. George Thorogood. The Black Keys. Dan Auerbach. Joe Cocker. Blind Willie Mc Tell. Skip James. Junior Kimbrough. R L Burnside. Jack White.

Note from Alma del Rock: We wants to thanks The Coppertone for gave us this information. You can listen this record in the link:

http://www.myspace.com/thecoppertone