sábado, 23 de julio de 2016

CUMPLIMOS AÑOS, GRACIAS POR EL AGUANTE!

Muchas gracias por estos años cargados de música...

Pero por sobre todo, gracias por el aguante que nos levantó varias veces.

Esta música del alma: Aguante!

La gente de Alma del Rock

miércoles, 24 de febrero de 2016

Mito: LED ZEPPELIN y sus cosas

Por demás interesante, nos encontramos con este artículo bajo el título "Led Zepellin, y sus supuestos vinculos satánicos" en el post taringuero "mitos del rock" publicado por Kaeto (http://s990.photobucket.com/albums/af22/kaeto2/)

El nombre de la banda se cree que surgió a partir de un comentario de Keith Moon, batería perteneciente a la banda The Who (en una sesión de grabación de un tema de Jeff Beck en el que participaban Jimmy Page, John Paul Jones y el propio Keith Moon), cuando dijo que la banda fracasaría y caería como un "Zeppelin de Plomo". 
Otra hipótesis es que Keith Moon comentó que si formasen un grupo entre él, Jimmy Page, Jeff Beck (miembro de la banda The Yardbirds, a la que también pertenecía Jimmy Page antes de formar Led Zeppelin) y John Entwistle (miembro también de The Who) "estarían por encima de todos como un zepelín". 

En un principio se llamaron Lead Zeppelin, pero a recomendación de Peter Grant, el mánager de la banda, se suprimió la a de Lead (plomo, en inglés) para evitar problemas de pronunciación por parte de los hablantes norteamericanos. 

Hay una serie de canciones archiconocidas que se podrían calificar de música maldita. Leyendas que cuentan de cosas frases ocultas si se reproducen del revés, compuestas en extraños lugares o letras excesivamente encriptadas que pueden dar lugar a un sin fin de interpretaciones. 
Sin duda el tema por antonomasia que cumple alguna o varias de las reglas para considerarse música maldita es Stairway to Heaven del grupo Led Zeppelin, y no faltan razones. 
Para empezar esta el hecho de que si se escucha hacia atrás se escucha un mensaje satánico. ¿Y qué es lo que supuestamente dice? 


Oh here’s to my sweet Satan. The one whose little path would make me sad, whose power is Satan. He’ll give you 666, there was a little toolshed where he made us suffer, sad satan 

Lo cual traducido al castellano dice algo así: 

Oh aquí está mi dulce Satán. El que poca trayectoria me haría triste, que poderoso es Satán. Él te dará 666, había un poco de vertiente donde él hizo que sufrieramos, triste Satán. 
¿Esto significa que es un tema satánico? No. Esto se debe a un fenómeno llamado "pareidolia". Según la Wikipedia, este es un fenómeno psicológico consistente en que un estímulo vago y aleatorio (habitualmente una imagen) es percibido erróneamente como una forma reconocible. Se puede manifestar de varias maneras, una de ellas es la "audición de mensajes reconocibles en grabaciones en idiomas desconocidos o reproducidas al revés". 


Sin duda esta teoría explicaría a la perfección el fenómeno. Principalmente por el hecho de que hay partes que son bastante faltas de sentido del supuesto mensaje satánico, con palabras que carecen de sentido en la frase en la que están escritas. Después tenemos las declaraciones del grupo y la discográfica, Swan Song Records, que comunicó: "Nuestros vinilos solo giran hacia adelante". 

Por su parte, Robert Plant, compositor de la letra y cantante del grupo expresó lo siguiente: "Quiero decir, ¿a quién se le hubiese ocurrido eso en primer lugar? Tienes que tener mucho tiempo libre para siquiera considerar que alguien pueda hacer eso. Y especialmente con Stairway to Heaven, estábamos tan orgullosos de ella, y sus intenciones son tan positivas. La sola idea me parece sucia, pero es muy americano, en ningún otro sitio del mundo nadie se lo ha planteado o se han preocupado por ello. Si los mensajes al revés funcionasen todos los discos llevarían compra este álbum. Y vamos finalmente a la crema que explica por qué se busca tanto significado oculto aún hoy en día en esta canción, hablamos de una canción publicada en 1971. Resulta que Jimmy Page era un declarado seguidor de Aleister Crowley. 

¿Quién es Aleister Crowley? Hijo de un millonario cervecero galés, nació en el año 1875 y murió en 1947. Después de la muerte de su padre se introdujo en un mundo de sectas y sociedades masonicas, sin duda con una alta curiosidad hacia los cultos oscuros. No satisfechas sus necesidades "espirituales" viaja junto con su esposa en el año 1904 a El Cairo, la capital de Egipto. En este viaje, parece ser, que compró a un anticuario un antiguo manuscrito para invocar a un antiguo dios maligno egipcio llamado Aiwass. Sin embargo, no está confirmado que comprará este manuscrito, ya que existe una gran controversia sobre si esto era solo una historia para dar crédito a la que, según los más escépticos, fue su gran estafa, que es nada más y nada menos que la religión o secta que crearía a partir de este suceso. 

El caso es que en el Cairo, y junto a su esposa, que al parecer era medium, invoca a esta entidad mediante un complejo rito, y esta le dicta durante varias noches lo que sería conocido como "El libro de la ley", que fundamentaría las bases de un culto fundado por el propio Crowley que sería llamado Iluminismo Científico. 

Pronto, este culto degeneró en orgías sexuales y experimentación con todo tipo de drogas. Aleister, bisexual y drogadicto, utilizaba su culto para manipular a todo tipo de personas para sus fines. Este nuevo culto, que sentó las bases del satanismo actual, pronto se vio metido en una lucha contra multitud de sociedades masónicas, esotéricas y mafiosas. 

¿Qué tiene que ver Crowley con Led Zeppelin? En el año 1970 Jimmy Page compra la mansión Boleskine, a la orilla del lago Ness. Esta mansión fue habitada por Aleister Crowley posteriormente a su viaje a El Cairo. Según declaraciones de Jimmy Page, entonces seguidor de Crowley, la casa fue construida en un lugar donde ardió una iglesia con sus feligreses y pastor dentro, los cuales están enterrados en el cementerio que esta contiguo a la casa. 


¿Qué pasaba en Boleskine House? John Symonds escribe sobre la invocación que hizo Crowley a los demonios de Abra-Melin en su casa junto al lago Ness, como una serie de estupideces con las que se engañaba a sí mismo, aunque en el mismo libro tiene un pasaje que genera bastantes dudas al respecto: 

"Conjurar a los demonios de Abra-Melin es un asunto delicado. Crowley logró hacerlos aparecer (el hall de entrada y la terraza pronto se llenaron de seres con formas indefinidas), pero fue incapaz de controlarlos, ya que Oriens, Paimón, Aritón, Amaimón y sus ciento once servidores se escaparon del hall, entraron en la casa y causaron los siguientes estragos: su cochero, hasta entonces abstemio, enfermó de delirium tremens; una vidente que había traído de Londres regresó a su ciudad y se hizo prostituta; su ama de llaves, incapaz de soportar lo horripilante del lugar, desapareció, y la locura se apoderó de uno de los trabajadores empleados en la finca, que trató de matar al noble lord Boleskine. Hasta el carnicero del pueblo obtuvo su cuota de mala suerte: por casualidad, Crowley garabateó en una de sus facturas los nombres de dos demonios, Elerión y Mabakiel, palabras que, respectiva y separadamente, significan risa y lamentación, pero que unidas quieren decir inesperada aflicción que repentinamente se desencadena sobre la felicidad. Por desgracia el caso del carnicero esto resultó cierto pues atendiendo a un cliente, se cortó accidentalmente la arteria femoral y murió." 


Cuando a Plant le preguntaban por su canción favorita citaba Kashmir, ya que estaba harto de que le preguntaran por el significado de la letra de Stairway to heaven. 

Fuentehttp://www.taringa.net/posts/info/7267591/Mitos-del-rock.html
Imágenes: buscadas en google

Ahora te toca averiguar que pasó con el incendio y buscar a Crowley en la tapa de "Sgt Pepper's lonely hearts club band"...

Que sea rock... y sus cosas... ;)

jueves, 14 de enero de 2016

De por qué escuchar 'esta' música...

"La música y en manera muy especial, el rock, estuvo en cada momento de mi vida, estuvo cuando las juntadas con los amigos en los años verdes, en las noches de la 'Flecha juventud' de Badía y en las mañanas con una publicidad de no se qué en radio con un 'Michelle, ma belle' aún mucho más pequeño, ese niño que fuí. Estuvo cuando mi primer amor y mi amor formal. Me acompañó cuando fuí inmensamente feliz y cuando fuí incomparablemente infeliz, cuando tuve abundancia y cuando no tenía, literalmente, qué comer. Testigo de esto mi amigo Firulay que por allá me espera. De hecho, tuve rock cuando no tenía mesa donde apoyar el aparatito para cst y cd... en las guitarras rotas, criolla y eléctrica, rotas de todo. Tengo que explicarte el cuento completo cuando me preguntás, por qué escuchas 'esa' música? Y porque es mi vida vieja, es mi vida entera..." 

Pensamientos y creencias de uno de nosotros, del equipo de Alma del Rock. Buenas noches.

miércoles, 30 de diciembre de 2015

Hasta siempre Lemmy...

Lemmy Kilmister
24/12/1945 - 28/12/2015


Vocalista, bajista, compositor y un ícono del heavy metal

Ya es inmortal.

LA VIEJA BARRIOS

Hoy queremos compartir la entrevista a Anibal "la vieja" Barrios, para Tiempo Argentino y publicada por Majo Garcia Moreno en InfoNews el 8 de febrero de 2014.

"Todo lo que hicimos me dejó pleno"
Sábado 08 de Febrero de 2014 | 04:05



Majo García Moreno

Durante casi 40 años fue el plomo e inseparable compañero de ruta de Spinetta. Hoy termina las reformas del estudio La Diosa Salvaje y espera reinaugurarlo con los inéditos del Flaco. "Laburé para el mejor, y de lo que me gusta", afirma. 

Fue durante un recital, en Neuquén o en el sur del Gran Buenos Aires, da igual. Spinetta estaba en pleno show cuando Aníbal entró en escena a arreglarle la guitarra. Desde la platea se escucharon gritos, abucheos propios de un show donde lo que importa es que se siga adelante. Luis se acercó al micrófono y fue contundente: "Desenchufo la guitarra y te la parto en la cabeza. A mí decime cualquier cosa pero a él no le digas nada". La reacción, recuerda Aníbal y sonríe, tal vez fue algo desmedida pero ejemplificadora del vínculo que construyeron. "Para él era que no me toquen a mí porque se pudría", cuenta. Y la lealtad era mutua. Cuando alguien gritaba pidiendo algún tema, y se ponía pesado, el radar Barrios lo identificaba. En algún momento él se metía sigiloso entre la gente y con suavidad le tocaba el hombro al gritón de turno advirtiéndolo que el Flaco ese día iba a hacer lo que tuviera ganas. 
Bastaba un fugaz cruce de miradas desde el escenario, un gesto, una palabra, para que se entendieran. Uno era la cara visible, el artista, el artífice y creador de algunas de las poesías más bellas del rock en español. El otro su mano derecha, su ángel guardián, su plomo y compañero de ruta. Luis Alberto Spinetta, a quien hoy se lo extraña sólo un poco más al cumplirse dos años de su muerte, tuvo en Aníbal "La vieja" Barrios, o "Ani", como él lo llamaba, a un amigo tan eterno como sus canciones.

Creció en el barrio de San Fernando, entre pelotas, herramientas de construcción, canchas de fútbol y audiciones en el club social. Hijo de un maestro mayor de obras de descendencia española y de una ama de casa, Aníbal Barrios es el mayor de cinco hermanos. "Mi abuelo murió a los 101 años, tuvo 15 hijos. Lo subieron a un barco desde España cuando tenía 10 años, allí conoció a mi abuela y comenzaron su relación. El único recuerdo que tengo de él es que me sentaba en su pierna y me hacía "ico, ico, caballito", rememora hoy en un café de Villa Urquiza, en un atardecer lluvioso de verano "La vieja", como se lo conoce en el mundillo del rock a Aníbal, el plomo histórico de Spinetta.

En marzo cumplirá 59 años, de los cuales casi 40 los pasó al lado de Luis. Fue su sombra, su protector, su confidente, su aliado. Los recuerdos le invaden la memoria. Pide disculpas cuando abre un paréntesis en el relato, interrumpe para saludar a algún vecino, se preocupa por saber del otro, escucha atento y matiza su hablar. Pausado y reflexivo cuando rememora a Luis y algo rapidito cuando se entusiasma contando entretelones de su oficio.

En casa se escuchaba la música que había en ese momento, folklore, cumbia. En las sociedades de fomento juntaban plata e invitaban a artistas. Me acuerdo que lo llevaron a Aníbal Troilo. Ese es uno de mis primeros recuerdos de ver música en vivo. En ese entonces yo iba al colegio, hacía los deberes y las tareas que papá nos dejaba para hacer a la tarde. Había una organización familiar. Yo salí culo inquieto como mi viejo", confiesa Barrios. Deportista nato, cuenta que practicaba fútbol, vóley, que se probó en Argentinos Juniors y a los 15 abandonó. Por eso, recuerda con especial cariño los partidos con sus colegas y los largos desafíos de ping pong que jugaba con el Flaco en su estudio, La Diosa Salvaje.


Aníbal creía que iba a ser futbolista, después arquitecto ("mi viejo estaba chocho", revela); más tarde técnico electrónico. Su primer trabajo, cuando todavía estaba en la escuela, fue ayudando a su padre. “Le llevaba los planos a la Municipalidad, a los arquitectos, me gustaba mucho. Cuando un vecino se reformaba la casa él los ayudaba y hoy por hoy yo soy así. Aprendí un montón. Íbamos cuadras y cuadras a ver quién necesitaba algo. Mi viejo era de hablar poco pero cuando hablaba te dejaba bien en claro lo que te quería decir, te llegaba bien el mensaje. Yo intento ser así, trato de ayudar a quien lo necesita, tengo esta crianza de creer que hay que resolver de la mejor manera, no así nomás, que los arreglos que uno haga duren”.

– ¿Cuándo empezaste a trabajar como plomo?

– Tenía un amigo tres años más grande que yo que, como yo ya estaba medio cansado de jugar al futbol, me invitaba a su casa y escuchábamos Beatles, Deep Purple, Spinetta. Yo no entendía nada… estaba estudiando electrónica. Duré un mes y dije “maasí”. Después otro amigo que tenía una empresa de camiones y laburaba con un grupo del barrio me pidió que lo acompañe a un show en un club social. Yo tendría 17 años y ahí veía la batería, la guitarra, teclados. Fui dos, tres veces a acompañarlo y era el comodín. Un día me preguntó si quería trabajar. “Pero mirá que te van a pagar, eh”, me advirtió. Y así empecé a trabajar con ellos durante tres años. Se disolvieron, seguí con uno de los músicos en otro grupo que se llamaba Los Sátrapas y después el manager de ellos me llevó a trabajar con César “Banana” Pueyrredón.

–¿Qué recuerdos tenés de esa época?
– Fue a comienzos del ´74 y ahí ya era más profesional, ya laburaba con Emi Odeón, y era otra producción. Trabajé cinco años pero antes del primero ya participé de la grabación de un disco. Me acuerdo que un día me hicieron ir bien vestido y era para salir en la foto de un long play. ¡Fue el primer disco en el que aparecí!

Aníbal no recuerda exactamente cómo conoció a Luis, pero sí cuales fueron sus primeros trabajos a su lado. Estaba empleado en la empresa de sonido de Toro Martínez y Héctor Starc y participó en los conciertos que dio Almendra en su regreso, en diciembre de 1979. Inmediatamente se unió a la gira El Valle interior (1980), viajó con Spinetta Jade, otro Obras con Serú Girán y nunca más se separó del flaco. "Para ir a los festivales nos juntábamos en Cabildo y Juramento y llegaban a buscarnos esos micros antiguos, era terrible. ¿Sabés lo que era llegar a La Falda? Ese fue mi primer trabajo groso, de no volver durante meses a mi casa", recuerda Barrios. y agrega: "Después de los Obras del 80 tardamos nueve horas para cargar el camión. Ahí se paró la producción y dijo: 'si vamos a tardar esto en cada lugar de la República Argentina, no salgamos del país porque no llegamos a ir a todo el país". Faltaba experiencia y eran muchas cosas. Íbamos en auto, combi, vans, parecíamos hormigas. Edelmiro (Molinari), Luis y todo el resto abrieron el camino. Yo creo que si te bancabas eso, te bancabas todo, después iba mejorando. Me acuerdo que fuimos directo a La Rioja y cuando llegamos al hotel prendimos la radio y escuchamos que habían matado a Lennon. Nos pegó muy fuerte. Los músicos sabían que al otro día tenían que tocar y era una cagada. Era alguien que hizo bien a la música mundial”.

– ¿En esas giras sentiste que eso era lo que te gustaba hacer?
– Sí, y eso que había muchísimo laburo, éramos todos muy responsables, puntuales. Yo no lo quiero decir, pero laburar con el mejor… sólo con su presencia hacía que vos laburaras bien. Entonces nunca nos peleábamos ni con productores ni iluminadores. Si Luis los llamaba, nadie llegaba tarde.

– ¿Se extrañan las giras? 
– Mucho, y más con la gente con la que fuimos trabajando a lo largo de los años. Yo me quedaba con los choferes, como Crónica “junto al pueblo”. Les decía a uno de los choferes “andá a dormir” y me quedaba con el otro. Tomábamos mate. A mí con dormir una hora profundamente me alcanza y tengo mucha energía. Íbamos contando chistes, escuchábamos a Tarufetti, era una pequeña masa de gente responsable y lo pasábamos bien. Si había que parar porque algo le pasaba al micro nadie se quejaba. Y eso no pasa muy seguido.


Para Aníbal cada salida además de mucho trabajo era otra aventura y nuevas responsabilidades. Unos días antes de subir al micro se iba a la carnicería del barrio y compraba un matambre. “Entero ¿eh? Porque ahora de uno te hacen dos”, aclara. Con cuidado y mucho amor lo preparaba, lo condimentaba (“picantito pero no tanto porque a muchos no les gusta”), compraba pancitos de manteca, hacía un tupper grande de ensalada rusa (aunque a Luis no le gustaba) y cargaba calladito su mochila, hasta que en plena ruta se develaba el secreto: “Cuando el chofer tipo 11 de la noche me decía de parar yo le contestaba que siguiéramos de largo. Me iba al fondo, pedía un ayudante para cortar la carne y armar los sandwichitos y Luis me miraba y no la podía creer. ´Noooo, ¿no ves que sos un genio? Mirá esto`, me decía. Y así seguíamos de largo para descansar más en el hotel. Nos divertíamos, era como una familia”.

– ¿Cómo pasaste de ser su plomo, su compañero, a su gran amigo?
– Él acuariano, yo pisciano, yo no entiendo mucho pero algo tendrá que ver. Siempre nos llevamos bien, fue natural. Él me cuidaba más a mí que yo a él. Arriba del escenario yo estaba pendiente todo el tiempo pero abajo él estaba pendiente de mí. Estar tantos años con él, hacer todo lo que hicimos me dejó pleno en mi vida. Yo puedo trabajar con Jairo, Los Tipitos, Javier Malosetti, a quienes quiero mucho y ellos creo que a mí también, pero Luis llenó mi vida. Conoció a mis hijos, a mi nieta, a quien bautizó Björk porque la veía parecida, la tuvo en brazos, estuvo cuando murieron mis padres… Yo no puedo pedir más, ni nunca hubiera pedido más. Son esas cosas que para otros serán una pavada pero a mí me hizo participar de su familia. Yo adoro a sus hijos, a sus sobrinos. Me va a costar mucho, pero todo a su tiempo. A veces pongo un disco un ratito, me agarra algo, un ataque, no sé cómo llamarlo. El otro día vi el micro nuestro y sabés lo duro que fue… Extraño nuestros códigos. Cuando Luis se iba al fondo del micro y me abrazaba y me decía "¿Podemos parar, Ani?". Le gustaban mis tortas fritas, mi guiso de mostacholes…

– Tus famosos mates… 
– Sí, pero los dos cebábamos. Luis también. Él me cebaba a mí y yo le cebaba a él. Fuimos grandes amigos. Llevo una alegría enorme de tantas giras, muchos años al lado de él, de estar en las Bandas Eternas con todos esos musicazos. El otro día fui a ver la película sobre Pescado Rabioso y aproveché la oscuridad y se me caían las lágrimas. Aparezco con él, son momentos… pero tiempo al tiempo.

La panadería está en el mismo sitio, según dicen, haciendo las mejores facturas del barrio, la parrillita abre todos los días en la esquina de siempre, el puesto de diarios, las casas, los semáforos, los vecinos siguen allí. El barrio cambió poco, sólo algunas construcciones edilicias más allá de la plaza y pocos carteles de venta/alquiler. Pero hay un mural pintado con una imagen de Almendra, una escultura, emplazada en Roosevelt y Triunvirato que materializa la ausencia y miles de firmas de vecinos de Villa Urquiza que piden que se cambie el nombre de un tramo de la calle Iberá al de Luis Alberto Spinetta. El barrio lo extraña.
"Luis estaba chocho acá. Estábamos en la vereda después de un ensayo y toda la gente saludaba y me decía: 'qué simple que es el Flaco, qué respetuoso'. Y lo miraban de otra manera. Yo les decía 'es de carne y hueso'. Un gran vecino. Todos o casi todos firmaron para que cambien el nombre de la calle. Se lo extraña mucho en el barrio, nunca había quilombo, nunca salió en la tele por ningún lío, era muy familiero, cocinero. No era un loco como algunos se imaginaban porque era famoso. Cocinaba como los dioses", recuerda Barrios.


El amor y la generosidad del Flaco a lo largo de su carrera tuvieron su gran recompensa en uno de los días más felices de su existencia: el inolvidable concierto de Spinetta y Las Bandas Eternas, el 4 de diciembre de 2009 en el estadio Vélez. Aníbal lo recuerda con especial cariño y emoción. "Fue también una recompensa para los que no somos músicos, para mí, para los técnicos. Fue volver atrás, reencontrarme con Emilio (Del Guercio), Rodolfo (García), Edelmiro. Estar otra vez en un escenario con ellos. Algo que no sabía que iba a volver a suceder. Fue mucho trabajo y fue muy movilizante para mí poder hacerlo, llegar bien con la edad. Fue muy lindo, yo me la pasé llorando. Bocón Frascino, (Carlos) Cutaia, David (Lebón)… volverlos a tener a todos arriba de un escenario fue increíble".

– Y Luis estaba muy emocionado y feliz...
– Sí, fue el único músico en el mundo que tocó cinco horas y 20 minutos seguidas. Vos me podés decir Amnesty o lo que sea pero ahí eran muchas bandas… Él fue el único artista que nunca bajó. Yo estaba ahí y pensaba: "Ya está ¿Qué más? Laburar para el mejor, y de lo que me gusta". Después quedaron los DVD, los libros de fotos, pero no los vi todavía. El otro día, el del cumple de Luis (23 de enero) lo iba a abrir pero no pude. Me vino a la cabeza que yo en sus cumples iba al estudio, le silbaba, le tocaba el timbre, le daba el regalo… y es jodido.

Aníbal sonríe otra vez, revolea los ojos y rápidamente vuelve a sostener la mirada. Cuenta que odia viajar en barco, que adora los aviones, que se está por ir de vacaciones y que no puede estar mucho tiempo sin trabajar. Que prefiere los mates amargos pero que con su mujer toma dulces, que su nieta está más grande y que él tuvo que bajar de peso por prescripción médica.
Sacude su mano despidiéndose, cruza la avenida y se lleva con él su historia, sus recuerdos de amistad, de trabajo y de amor perpetuo.

Estudio con historia

Por estos días Aníbal finaliza junto a Valentino Spinetta (uno de los hijos del Flaco) las reformas del estudio La Diosa Salvaje. Mientras trata con albañiles, carpinteros y técnicos cuenta que la premisa definitiva es que todo sea con energía positiva. "Es un lugar con tanta historia, tanta música, ensayos de gente tan grosa. El Mono Fontana, Malosetti, Jota Jota Morelli, Kuryaki, Geo Rama y ni hablar de Luis. Hay que ponerle buena onda y cuando empiece a funcionar va a ser con los temas de Luis a todo volumen y a disfrutar lo que se hizo", anticipa Barrios.

–¿Hay siete temas inéditos del Flaco, no?
–Sí, los grabó con Rodolfo (García) y Daniel Ferrón. Hay que mezclarlos e inaugurar el estudio con la mejor. Se nos caerá una lágrima pero también es ponerlo en movimiento, que es lo que hablamos siempre con Valen. La buena onda, la buena música.

– Va a ser un estudio con la huella de laburo y profesionialismo que dejó Luis
–Exactamente, para laburar y hacer buena música. Que sea impecable, que lo cuiden y lo aprovechen para grabar.


Documental

Barrios participa de la película El blues de los plomos, creada y dirigida por Gabriel Patrono y Paulo Soria y que, de la mano de Aníbal Forcada, narra la historia de estos héroes del rock. Más información en http://bluesdelosplomos.blogspot.com.ar/

Una ayudita desde la pre cordillera

Aníbal siempre tuvo un perfil muy bajo pero todos los que conocieron a Spinetta lo conocen. En los recitales siempre se lo veía yendo y viniendo. “A los artistas por lo general si les pasa algo con la viola, la dejan y reclaman. Yo cuando salía a escena no era porque quería, él me hacía una seña para que fuera, le dé un cigarrillo o le cambiara la guitarra. Por ahí me llamaba y me decía: ´Tengo una palma, jajaja`”.

–Luis no imaginaría un escenario sin vos.

–Bueno, le pasó cuando Cerati lo invitó a su recital gratis (el 10 de marzo de 2007 en Figueroa Alcorta y La Pampa). Yo me iba de vacaciones y Luis me cuenta que Gustavo lo había invitado a tocar. Dije: "Me quedo." Y me contestó: "No, vos te vas de vacaciones." Entonces yo llamé a un compañero para que vaya con Luis. Me quería quedar pero me sacó cagando. Le pregunté que viola iba a usar, me dijo una acústica, otra más y un cable largo y le dejé todo preparado. Cuando faltaban tres o cuatro días para el show, yo estaba en la precordillera y sonó el celular de mi mujer. "Hola, hola si ¿quién habla?" Era Luis y se cortó. Paramos en un lugar para ver si había señal y llamó. "Hola, te pido mil disculpas pero le quiero regalar un pedal a Gustavo y no quería revisar nada porque me vas a matar." Me explicó cuál era y le dije donde lo encontraba y que me llamara por sí o por no. A los 15 minutos llamó. "Hola quédate tranquilo que lo encontré. Sos un dios, un genio, te pido mil disculpas por haber interrumpido tus vacaciones." Le dije: "No me rompas los huevos, beso grande, chau chau." A mil y pico de altura y mil y pico de kilómetros.

Fuente: http://todoshow.infonews.com/nota/123564/todo-lo-que-hicimos-me-dejo-pleno

Fotos:
'Regalo Spinetta Los Amigo' Alma del Rock
Imágenes google
http://rockbien.blogspot.com.ar/2012_03_01_archive.html

Más datos: 
http://revistaelviaje.com.ar/a-la-vieja-dale-gracias/
http://www.pagina12.com.ar/especiales/19aniversario/20.htm

Video imperdible: Gustavo Gauvry
https://www.youtube.com/watch?v=wzMDZmSwbgM
video


Saludos, buen año! Abrazo 
A:H. para Alma del Rock


jueves, 23 de julio de 2015

ALMA DEL ROCK CUMPLE AÑOS!

Nuestras primeras palabras, hace 7 años: 

"Led Zeppelin, hay más que una guitarra en llamas y más que una bata arrolladora. Es el sonido que lo envuelve todo y que no tiene edad, es más que la suma de las partes: Es el todo del Zep que vibra en mi corazón." (23 de julio de 2008)




Feliz cumple gente del palo!
Esta música del alma: Aguante!

lunes, 13 de julio de 2015

DIA INTERNACIONAL DEL ROCK

Feliz día gente del palo! Nos han criticado, nos critican y nos criticarán... pero quienes se movilizaron y recaudaron una montaña de dinero para, al menos, paliar el hambre? Feliz día gente del palo!


El día de hoy se celebra el Día Mundial del Rock, el cual viene celebrándose desde el año 1985, a raíz del primer festival Live AID, una iniciativa del actor y músico Bob Geldof,  junto con otros artistas, por la situación que se vivía en Etiopía  por la falta de agua potable y alimentos.

13_Julio_1El evento, considerado uno de los festivales de ayuda humanitaria más exitosos de todos los tiempos, contó con la presencia de leyendas del rock como The Who, Led Zeppelin, Queen, Sting, Duran Duran, Judas Priest, Black Sabbath, Scopions, Status Quo, U2, Paul McCartney, Phil Collins y Eric Clapton.

El Live AD  se realizó de forma simultánea en Londres, Inglaterra y Filadelfia, Estados Unidos, mientras se transmitían imágenes de la severa hambruna que atravesaba el país africano por la cadena de televisión BBC.

El rock es una de las corrientes musicales más populares en el mundo y ha jugado un papel fundamental en acontecimientos sociales y culturales desde la segunda mitad del siglo XX.

Debido a su importancia ligada a la congregación de grandes bandas de rock por una causa noble, fue que se nombró el 13 de julio  como Día Mundial del Rock.



Fuente: http://www.theboxfm.net/2013/07/dia-mundial-del-rock-por-que-se-celebra-el-13-de-julio/


viernes, 15 de mayo de 2015

B.B. KING ha emprendido vuelo.




Mr. B.B. King, nos despedimos de Ud. por un tiempo. 

Ud. va a seguir sonando siempre.

Gracias por los que nos dejó.

Gracias por su música del Alma.

Lleve nuestros saludos al querido "Mr. Cheese"...






THE THRILL IS GONE

   Mr. King passed peacefully in his sleep at 9:40 pm Pacific time May 14 2015

The Official Website: http://www.bbking.com/




lunes, 4 de mayo de 2015

Bienvenidos amigos nuestros de regreso al show que nunca termina...

"¡¡¡VOLVEMOS!!!
Tenemos el placer de anunciarles el inicio de una nueva temporada de El Garage del Rock. Luego de algunos ajustes en la emisora, agregando más potencia a sus equipos y logrando así un mayor alcance y también cambiado de dial, ya que ahora Pop se emite en 106.1, ¡estamos listos para arrancar!. Nos vas a poder escuchar desde el sábado 9 de Mayo en nuestro horario habitual, de 17 a 20 en Pop 106.1, online en www.elgaragedelrock.com.ar y en simultáneo por Es lo que hay Radio - FM 106.5 de San Justo y su web www.esloquehayradio.com"


It's been so long, your welcome back my friends
To the show that never ends

sábado, 25 de abril de 2015

Rock Progresivo

Te gustaría saber de donde vienen y qué significan muchos de los nombres de los grupos de la llamada Música Progresiva o Rock Progresivo?
En breve te contamos sobre algo que descubrimos por ahi...
Que sea rock!

Arte: encontrado en http://www.progarchives.com

miércoles, 19 de noviembre de 2014

THE SOFT MACHINE

Hoy rescatamos de entre aquellas joyas que solo necesitan un rayo de luz para brillar a The Soft Machine en la hermosa biografía de http://www.alohacriticon.com/ 
Por nuestra parte recomendamos fuertemente a Alohacriticon.

The Soft Machine fue uno de los conjuntos más destacados dentro del sonido Canterbury del Reino Unido, en donde confluyeron bandas bastante ambiciosas como Gong, Caravan o este conjunto compuesto en sus inicios, finales de los años 60, por el batería y vocalista Robert Wyatt, el bajista y cantante Kevin Ayers, los guitarristas Daevid Allen y Larry Nolan, y el teclista Mike Ratledge. Varios de sus componentes habían estado en el seminal comboThe Wilde Flowers.
El grupo de psicodelia/art-rock, con músicos enraizados en el jazz, se bautizó con el nombre de una novela de William Burroughs, el afamado autor de la Generación Beat.
Kim Fowley fue quien les sacó del anonimato y profesionalizó sus experimentos sónicos.
Su primer single, editado en 1967 en el sello Polydor, fue “Love makes sweet music”.
En 1968 ya no estaban dándole al instrumento ni Larry Nolan ni Daevid Allen, quien después de impedírsele la entrada en Inglaterra tras pasar por Francia (era australiano y le había caducado el visado) pronto creó Gong.
El que pasó brevemente por esta etapa fue el guitarrista Andy Summers, quien muchos años después alcanzó la fama mundial formando parte del trío The Police.

Pero bueno, la carrera de Summers en Soft Machine fue más que corta, efímera.

Ayers, Wyatt y Ratledge fueron los protagonistas de su LP debút, "The Soft Machine Volume One" (1968), un álbum psicoprogresivo y jazz-rock producido por Chas Chandler y Tom Wilson y editado en Probe Records, compañía en la que grabaron también, con co-producción entre la banda y Mike Jeffrey, su "The Soft Machine Volume Two" (1969), dos de los discos grandes más importantes de su carrera y que en reediciones posteriores aparecieron ambos en un único CD.

En este último álbum ya no tocaba Kevin Ayers, quien decidió dejar el grupo porque estaba harto de tanta gira (una de ellas de teloneros del mismísimoJimi Hendrix) y porque deseaba lanzar su carrera como solista.
Su reemplazo en el bajo fue Hugh Hopper, otro ex miembro de los Wilde Flowers.
Su tercer trabajo fue “Third” (1970), doble álbum prog-rock autoproducido y editado en CBS que se convirtió en el más vendido de su carrera en Gran Bretaña, llegando al puesto número 18.

Su música fue enriquecida por los saxos de Lyn Dobson, también flautista, y Elton Dean, quien, al contrario que Dobson, continuó en el seno del grupo para grabar "Fourth" (1971). La verdad es que con lo creativa que era su música llama la atención la "originalidad" de los títulos de los LPs. 

Después de este álbum los Soft Machine perdieron a uno de sus principales miembros, Robert Wyatt, quien abandonó el proyecto para crear Matching Mole y, más tarde, iniciar una carrera en solitario.

Wyatt fue sustituido en principio por Phil Howard, pero pronto este dejó las baquetas en manos de John Marshall, el encargado de aporrear la batería en “Fifth” (1972), disco que dio inicio al declive del grupo, cada vez más inclinado a tendencias jazz-rock.

Después del quinto y antes del sexto Elton Dean dejó el grupo, incorporándose el saxofonista y pianista Karl Jenkins.

“Six” (1973) y “Seven” (1973), sin el respaldo del público, fueron los últimos LPs de la banda en CBS. Hugh Hopper ya se había largado después del sexto, entrando en el grupo Roy Babbington.
En Harvest, cuando la banda ya se parecía poco a la de los inicios y con la adición del guitarrista Allan Holdsworth, apareció “Bundles” (1975). Holdsworth abandono tras este álbum el grupo, siendo reemplazado por John Etheridge, quien toca la guitarra en “Softs” (1976).

El flojo “Rubber riff” (1976) casi puso el epitafio a los Soft Machine que grabaron de nuevo en los años 80 con “The land of Cockayne” (1981), en una época dominada por Karl Jenkins y que estaba a años luz de la de Wyatt o Ayers.

Con posterioridad se editaron un sinfín de LPs con material de archivo en estudio y directo.

Hugh Hooper falleció el 7 de junio del año 2009 a la edad de 64 años. Había sufrido leucemia.



Fotos: Alohacriticon, Imágenes google.
Video subido a youtube por G Funk: 
video






domingo, 2 de noviembre de 2014

RUSO VEREA y "La Heavy"

Muchos, pero muchos crecieron escuchando este programa, muchos pero muchos conocieron el Metal por la voz y por la música que mandaba Norberto "Ruso" Verea y todos sus colaboradores en Heavy Rock & Pop". Tomamos el recuerdo publicado por MORCI_PUNK14 (http://www.fotolog.com/morci_punk14/48234576/#profile_start)

DIAS DE RADIO: RECORDANDO A LA "HEAVY ROCK & POP" 

"Sigo con ganas de escribir. Aviso de entrada nomás, asi evitan el largo relato y dejan su simpatica firma típica del "pasé/pasate"...

La vuelta a mi casa despues de una laaaarga y agotadora jornada me recibió con mi vieja cagándome a pedos por el desorden que es mi casa, y tiene razón. Yo le aduje que no es su casa (yo vivo al lado), pero las madres siempre tienen razón. Tuve que ordenar, corrí cosas, tiré otras boludeces, y me topé con un cajón lleno de polvillo y de casetes, los viejos y queridos casetes que tenía algo (bastante) abandonados. Ahí estaba resumida gran parte de mi adolescencia, porque la música siempre fue algo que me gustó, desde chiquito fui a ver bandas rock, consumí revistas, conocí gente del ambiente...en definitiva, todos tenemos un músico frustrado adentro.

Revisando entre el polvillo y casetes de Maiden, Metallica, Ramones y bandas de heavy y de punk multiplicadas por miles, encontré unas viejas grabaciones de un programa de radio que hace ya 12 años no está más en el aire: "Heavy Rock And Pop", o simplemente "La Heavy". Quizá para el 99% de los que leen esto puede resultar estúpido recordar a un programa de radio, pero el valor que tuvo "La Heavy" para mi es incalculable. El que lo escuchó y creció como oyente, seguramente lo entenderá.
Fue casi sin querer en realidad que lo descubrí. Un compañero del colegio me dijo: "poné esta noche la Rock and Pop que repiten un recital, creo que era la primera vez que vino Metallica a Velez. Mayo del '93. A las 0 hras en punto sintonicé la "106.3". Apareció el "Ruso" Verea totalmente emocionado por 2 noches donde "habiamos ganado una batalla", repetía una y otra vez. Hablaba de triunfos, y yo realmente no entendía. En realidad no comprendía tampoco las letras en inglés, ni tampoco le daba bola al costado más ideológico que tenía el rock. Me gustaba la música y punto. Pero habló el "Ruso", despues apareció Alejandro Nagy, Cesar Fuentes Rodriguez...y asi de a poquito me fue interesando y enganchándome cada vez más.

Desde ese momento, mi vida dio un giro de 180 grados. Nunca más volví a vivir la música de la misma manera. Nunca más volví a vivir la vida de la misma manera. Y no exagero. Más allá del "entretenimiento" de la radio, el rock, y demás cuestiones, "La Heavy" era un espacio donde nos encontrábamos representados los "marginados", los "trasnochados", los locos que soñabamos con cambiar el mundo, algo por lo que todo joven rebelde y adolescente pasó en su vida.

El horario de madrugada, la falta de obligaciones comerciales, hacían que las voces de "La Heavy" hablaran e hicieran lo que se les cantaba las pelotas. Pudieron hacer cualquier cosa pasatista y frívola. Pero no, le dieron sentido a miles de trasnoches. Las historias de vida con las que arrancaban muchos programas, las anecdotas, las entrevistas a miles de músicos de acá y de afuera, las secciones que se fueron agregando... Ahi escuche por primera vez palabras como luchar, actitud, no rendirse, pelear por los sueños, dignidad, mantener la esencia ...no me importaba estar como un zombie al otro dia en el colegio, en esas 4 o 5 horas que duraba "La Heavy", de alguna manera ME SENTÍA LIBRE. O mejor dicho, sentía que la libertad era posible. Y mi mente volaba por esa imaginación tan hermosa que transmite la radio.


Diez (SIC) años despues de estar en el aire, el "Ruso" y su gente dieron el portazo, por una cuestión de dignidad. Todos los empresarios "comieron" durante el veranito menemista. Buenos Aires fue la capital del rock, todos los días había un recital distinto. Pero "La Heavy" seguía siendo un espacio marginal, y como no había que bajarse los pantalones y pasar lo que las discográficas querían que sonara, el "Ruso" pateó el tablero y se terminó lo que se daba.

Quedó un vacío enorme en las noches, que todavia me cuesta llenar. Pero me dejó una gran enseñanza: la dignidad es algo que no se negocia por nada del mundo. Y el "Ruso" hizo lo que tantas veces pregonó: luchar por lo que sentía justo. Se plantó ante la falta de respeto. Ese fue el motivo por el que muchos escuchamos ese programa. Y damos gracias que haya terminado como terminó.

"Mantengamos la actitud hasta el final", decía el Ruso allá a finales del '95. Fueron una de sus últimas frases al aire de la Rock & Pop.

Y creo que esa es toda una filosofía de vida."
MORCI_PUNK14

Fuene: http://www.fotolog.com/morci_punk14/48234576/#profile_start
Fotos: Imágenes de Google.


miércoles, 23 de julio de 2014

ALMA DEL ROCK - CUMPLIMOS AÑITOS!!!

Feliz cumple para nosotros!!! 
El miércoles 23 de julio de 2008 publicábamos nuestra primera y breve nota, si van varias páginas para atrás la encontrarán, solo unas lineas para Led Zeppelin...

http://www.almadelrock.com.ar/2008/07/dazed-and-confused.html



Gracias por el aguante, gracias por leernos, vernos, gracias por escuchar nuestra radio, gracias por compartirnos y enseñarnos.
por eso... para nosotros (todos) Feliz cumple!!!

Tenemos 6, ya vamos a la escuela!

Esta música del alma: Aguante!


domingo, 29 de junio de 2014

LA TRAGEDIA DE LO NUEVO

Es obligación actualizar con “actualidad” un sitio de Internet? Cuánto dura lo “actual”? Es aquello “actual” lo que en un momento dado debe primar sobre el conocer?
Qué te respondería un profesor de Historia si le dijeras, eh profe, de qué me sirve aprender cosas que pasaron hace siglos, un siglo, 50 años, hace tanto? Si yo no quiero ser profesor de Historia! O si voy a ser ingeniero, abogado, médico, administrador, jugador de fútbol, mil etcéteras…. Es la única faceta de la vida que te importa? Querés demostrar a todo ser que se aproxime lo ignorante que sos de… todo, menos de tu profesión, oficio, empleo?
No hay respuestas tontas, ni preguntas tontas, a menos que se padezca alguna alteración del estado temporario y difuso de lo que llamamos “salud”, cada inquietud que se formule como pregunta lleva en sí la esperanza de su satisfacción, hasta cuando se formula de manera retórica, hay un movimiento que quiere, en algún punto, ser cumplido, por eso ni preguntas ni respuestas tontas, suerte que, al menos, se logró formularla.
En este sitio hay unos cuantos links y recomendados a lugares que no se han movido hace hoy más de tres años, los motivos para haberlos incluido han sido los más variados, desde una pequeña muestra de agradecimiento por haberles “tomado” sus publicaciones hasta altas valoraciones al trabajo que se tomaron por mostrar al que llegue que la vida no es lo chata que se creía, antes de visitar el sitio.
Eso no es actualidad, lo fue en su momento, pero hoy no. Pero son lugares valiosos! Por eso están aquí y hay miles, hay millones que ni conocemos, hay valor, hay virtud en Internet, en la vida. Cada creación del hombre que tienda a trascender espiritualmente lleva el valor de la vida floreciendo! Y si nos dijeras que palabras como espíritu no tienen el menor viso de representar algo existente te preguntaríamos, y con qué disfrutas una música hermosa?
La tragedia de lo nuevo es interna, personal y tristemente compartida gracias a la “opinión general” que, por si no lo sabías, es manejada por el interés de turno, sin llegar a catalogarse de ingeniería social (busca el término) se estudia, se practica, da fama y poder, va matando ese niñito que fuiste y que sobrevivía a duras penas por allá adentro.
No hay preguntas tontas y no hay respuestas tontas, no preguntas por lo que ya dijimos ni respuestas porque lo creas o no, toda conducta comunica. Que nos sigamos comunicando, eso sí que es actual y es importante.
Chau. Esta música del alma, aguante! (Ariel H.)

Fotos: Imágenes de Google.


jueves, 5 de junio de 2014

CREEDENCE CLEARWATER REVIVAL

Como sabemos que este lugar no trata de modas, no trata de actualidad, no trata de lo que suena hoy en todos los medios sino que se trata (o al menos eso quisiéramos que sea) de un lugar para sacarnos las dudas, para conocer la historia de grandes bandas, de intérpretes del rock, de difusión de bandas nuevas, esta vez pensamos en hablar de Creedence pero desde tres fuentes distintas que se complementan unas a otras y así ahorrar, a los amigos que nos visitan, algunas búsquedas y tratar de abarcar algo más completo e integral. 

*

 Al margen de los movimientos musicales que se producían a su alrededor, la Creedence Clearwater Revival profundizaba en las clásicas raíces rock del pueblo americano, en los sonidos pantanosos de su entorno que tan bien reflejaban las composiciones de su líder John Fogerty. 

Pero esto no significaba que esta mirada rockera perdiera esencias blues, country e incluso pop, logrando una atractiva mezcla musical que tan característico hacía el sonido de la Creedence.
La banda estaba formada por el cantante y guitarrista John Fogerty (nacido el 28 de mayo de 1945 en Berkeley, California), su hermano mayor Tom Fogerty (nacido el 9 de noviembre de 1941 en Berkeley, California) que se ocupaba de la guitarra rítmica, el bajista Stu Cook (nacido el 25 de abril de 1945 en Oakland, California) y el batería Doug Clifford (nacido el 24 de abril de 1945 en Palo Alto, California).
La andadura del cuarteto comenzó a finales de los 50 cuando crearon en la localidad de El Cerrito, un barrio de San Francisco, el conjunto llamado The Blue Velvets, que por esos momentos estaba liderado por Tom Fogerty. 
The Blue Velvets comenzaron pronto a dominar los instrumentos, pues tras salir del instituto se pasaban horas y horas practicando en el garaje de la familia Fogerty. 
Ese dominio les sirvió para ir actuando por toda California en fiestas locales, generalmente rurales. 
Su gran oportunidad les llegó cuando firmaron con el sello Fantasy Records en 1964, año en el que adoptaron el nombre de The Golliwogs.
Por fin iban a grabar un disco con aspiraciones profesionales. Las composiciones irían firmadas por los dos hermanos Fogerty y en su mayoría estaban cantabas por Tom, que poseía una voz mucho más pop y suave que la fiera y vibrante de su hermano John, claves del éxito posterior de la Creedence. Su primer sencillo como Golliwogs sería "Don't Tell Me No Lies", al que siguieron otros como "Where You Been", "You Can't Be True", "Brown-Eyed Girl", "Fight Fire", "Walking On The Water" o "Porterville". Estos temas, la mayoría de ellos alejados del típico sonido Creedence, resultaban muy influenciados por la Invasión Británica (especialmente los cantados por Tom Fogerty) pero mostraban grandes destellos de clase musical y preciosas melodías con influencias beat y en ocasiones sonidos garajeros.
Las magníficas "Fight Fire" o "Walking On The Water" ya llevaban incluídas el sello de John Fogerty y la última al igual que "Porterville" serían incluídas en su primer LP que grabaron con un extraño título, "Creedence Clearwater Revival" (1968), nombre también que la banda había adoptado para lanzar su disco grande. 
El disco era un notable trabajo dominado ya por John y que contenía famosas versiones de "I put a spell on you" y "Susie Q", la mejor ejecución del popular tema que jamás se haya hecho que subió hasta el puesto 11 en las listas estadounidenses.
El año 1969 resultaría espectacular para la banda californiana con un genial John Fogerty desplegando toda su capacidad como compositor para convertir a su grupo en uno de los puntales del rock mundial.
"Bayou Country" (1969) contiene su primer gran éxito, el single "Proud Mary" que entraría en los primeros lugares de las listas estadounidenses y británicas convirtiéndose en una de las canciones más importantes del año. Para Bob Dylan, "Proud Mary" fue la mejor canción de 1969. Los sonidos sureños empaparían el album con temas como "Born on the Bayou", "Bootleg" o "Keep on Chooglin'". 
El segundo disco de la Creedence en el año 69 fue "Green River" (1969), un extraordinario álbum de corta duración (menos de media hora) que incluía otros sencillos de gran éxito como "Bad Moon Rising" o el título homónimo del disco. 
Excelentes canciones como la balada "Wrote song for everyone" o "Lodi" mostraban la madurez de John Fogerty como compositor y vocalista. Además de todo ello, era un consumado productor y arreglista y sus tres acompañantes unos excelentes músicos con un gran sentido del ritmo. 
"Willy & The Poor Boys" (1969) fue su último disco en el año de su consagración y una obra maestra. Es un disco imprescindible sin desperdicio con ataques a la guerra del Vietnam y diversos comentarios sociales en grandes temas como "Fortunate Son", "Down on the corner", It came out of the sky", "Cotton fields", "Poorboy Shuffle", "Don't Look now" o "Effigy". 
Lo mejor para la banda fue que sus discos eran recibidos con júbilo por parte del público que casi siempre elevaba sus sencillos entre los diez más vendidos.
El año siguiente, el infatigable John Fogerty y su banda regresaron con otros dos trabajos de envergadura. El magistral "Cosmos Factory" (1970) es un ecléctico album que incluía varios homenajes al rock de los 50. La versión del clásico de la Motown "I heard it through the grapevine" se convierte en una de las cimas musicales del álbum junto a canciones como "Who'll stop the rain", "Travelin' Band", "Looking out my back door", "Run through the jungle" o "Up aroung the bend".
En abril del año de la edición de este disco tocaron en el Royal Albert Hall de Londres.
"Pendulum" (1970) no alcanzó la categoría artística de sus discos anteriores a pesar de ser un estupendo trabajo. 
Canciones como "Have you seen the rain?", "Pagan Baby", "Chameleon", "It's just a thought" o "Hey Tonight" así lo confirman. John Fogerty, un poco harto de que algunos críticos tacharan al grupo de cavernícola e inmovilista decidió esmerarse en tareas de producción incorporando secciones de viento y teclados lo que provocó la creación de nuevas texturas que no fueron aceptadas por muchos de sus antiguos seguidores, quienes buscaban más la espontaneidad de su sonido.
Las tensiones entre la banda, que se fueron acumulando a lo largo de los años por la preeminencia de John, se acentuaron tras este disco. Tom Fogerty, que había sido el fundador del grupo (recordemos que al comienzo se llamaban Tommy Fogerty & The Blue Velvets) y principal compositor en sus años iniciales se mostraba reacio a continuar si el predominio de su hermano proseguía.
John intentó democratizar la Creedence concediendo mayor participación a los otros componentes pero Tom no aceptó la propuesta y se marchó del grupo para comenzar una carrera en solitario que inició con el disco "Tom Fogerty" (1972) pero que no obtuvo demasiada repercusión. 
Los tres restantes miembros de la Creedence grabaron "Mardi Grass" (1972), su disco más flojo en el que Clifford y Cook compartieron créditos en la composición y en la producción junto a John. Fue un fracaso y demostró que sin la figura de John Fogerty, la significación de la Creedence Clearwater Revival nunca hubiese existido. 
Las giras continuaban con éxito y así publicaron el directo "Live in Europe" (1974), que recogía actuaciones realizadas en el año 1971 (ya sin Tom) por el viejo continente. El disco lo editó Fantasy Records cuando la banda ya estaba disuelta, pues la Creedence había roto en el verano de 1972.
John comenzó una exitosa pero poco fructífera (debido a problemas legales) carrera en solitario y Stu Cook (que también estuvo con la banda Southern Pacific) y Doug Clifford formaron la Creedence Clearwater Revisited para girar cantando los antiguos temas de la Creedence. 
Lamentablemente, Tom Fogerty falleció el 6 de diciembre de 1990 a causa de una tuberculosis frustrando una posible reunión de los cuatro miembros de una de las mejores formaciones de la historia del rock estadounidense.
John Fogerty, que rechazó varias propuestas de sus antiguos compañeros para reunirse y girar con el nombre de la Creedence Clearwater Revival (Doug y Stu actúan como Creedence Clearwater Revisited), ha grabado últimamente el disco "Revival" (2007).

*

Creedence Clearwater Revival empezó su historia en 1959 en California con distintos nombres, como The Blue Velvets o The Golliwogs. Vinculados al movimiento hippie de esos años, siempre tuvieron una postura entre el mundo y la música.
Su nombre es uno de los más complejos en la historia del rock. La palabra credence, que significa fe o crédito, la usaron para ratificar su idea de justicia, y le agregaron una e para hacerse distintos y para subrayar que no iban a tocar acid rock. Clearwater es agua clara, que la sacaron de un anuncio de cerveza y Revival era por renacimiento "para indicar una resurreción de nuestro propio ser, ya no íbamos a seguir los dictados de ningún manager, íbamos a tomar las riendas", explicó el baterista Doug Clifford en el libro "Rock Names".
Con posturas políticas bastante progresistas y el custionamiento a la guerra de Vietnam como bandera de lucha, fueron una de las bandas más vendidas de los 60. También se distinguieron por su opción musical, que descartaba la psicodelia hippie como recurso y que supo mezclar de una singular forma las raíces del rock norteamericano con los sonidos casi folclóricos del sur de Estados Unidos.
Desde 1967 a 1972 se extiende la historia de este cuarteto. Luego vino la ácida disolución y las eternas riñas con el sello Fantasy que se quedó con los derechos de Creedence y que editó varios compilados posteriormente. Una larga historia que ayudó al entierro de la banda, pero que no fue capaz de borrar a ninguno de los miles de seguidores que tuvo y sigue teniendo en el mundo.
El Resurgimiento de Creedence Clearwater en 1969 y 1970, los años cuando ellos eran sin duda la banda más exitosa en América. Creedence golpeó con acordes verdaderos, con los registros que eran limpios, exigentes, vívidos, y rápidos (...)
Bayou Country fue el álbum más explosivo de los CCR y el más rockero, en el más puro sentido de la palabra. Ellos pudieron coger el camino fácil de la psicodelia, pero prefirieron abanderarse del sonido fresco de las canciones sureñas y de sus melodías simples, pero maravillosas (por el mismo motivo). John Fogerty, el guitarra líder-compositor-vocalista-productor y vendedor ... de este grupo deja en Bayou Country dos temas fundamentales para la música occidental: Proud Mary, que narra las desventuras de un vagabundo que toma un ferryboat por el Mississipi, y Born On The Bayou, una fuerte canción de protesta –aunque no lo parezca- contra la discriminación racial del Sur. My papa said "son, don´t let the man get cha and do what he´s done to me" es la frase de advertencia de la nueva generación de aquella época contra los más grandes males que han acechado al mundo: la intolerancia y su hija, la violencia. Graveyard Train es acojonudante (SIC) y uno no puede dejar de moverse ante su bamboleante ritmo. Good Golly Miss Molly ("La Plaga", en español) es el mejor cover que alguien haya podido hacer del clásico de Little Richard, el cual les estará eternamente agradecidos. Keep On Chooglin´ cierra el disco con una fuerte dosis de rock duro y monocorde: muy, muy bueno. Fogerty chilla y se divierte con su guitarra eléctrica sin ninguna distorsión ni efectos de psicodelia que unicamente aturdirían al oyente que en ese momento, al igual que ahora, busca sinceridad. En fin, Creedence Clearwater Revival, con este álbum, pudo haber tomado la posta del éxito que los Beatles dejaron en 1966: el éxito del público, de los conciertos, de las canciones sencillas y fáciles de escuchar; pero no por eso malas.
¡Al contrario! John Fogerty puede estar entre los diez mejores compositores de música popular de occidente y los que lo duden al inicio cambiarán de opinión al escuchar la más conocida antología del grupo: Chronicle. Cuesta mucho describir en letras la fuerte emoción que transmiten poemas como Who´ll Stop The Rain, Long As I Can See The Light o Have You Ever Seen The Rain. Solo cada uno de nosotros sabe lo que es llevar la melancolía dentro, pero por alguna razón, Creedence logra hacernos expresarla y no sentir vergüenza de ello. Nos hace mover el esqueleto con irónicos y a la vez contundentes mensajes como Bad Moon Rising y Fortunate Song. Esta última canción merece un comentario aparte, al ser en mi modesta opinión la mejor canción que alguien pudo haber escrito sobre la guerra de Viet—Nam. Fogerty no tomaba el plano político ni económico ni militar del problema. Sencillamente llamaba la atención a la sociedad norteamericana en dos minutos y medio con una lírica que podría resumirse así: "Hagan la guerra que hagan, con cualquiera, siempre tendrán que ir a pelear jóvenes pobres americanos, nadie más. Asi que ¿por qué protestan por algo que no les va a pasar?" Para hacer una canción así hay que tener muchísimo sentido común. Aunque John Fogerty tuvo problemas con la disquera Fantasy y con su propietario Saúl Zantz —un mecenas que lo traicionó al adquirir los derechos de todas las canciones de Fogerty en CCR y que con ese dinero se hizo productor "serio e independiente" en Holywood—, su talento se sigue reinvindicando en grupos que reconocen en Creedence Clearwater Revival a su mayor influencia y uno de los más bellos ejemplos de música norteamericana.
Chronicle y su secuela Chronicle II les darán dos horas y media de excelente música y, además, de dudas al poner por unos instantes a los Beatles y a los Stones fuera de sus pedestales de los más grandes grupos de rock. No lo podrán creer.
Hubo un tiempo que fue hermoso, en el que los hermanos John y Tom Fogerty lideraron una banda de rock bien norteamericano, bien rutero y bien crudo. No era un dechado de virtuosismo ni sutileza, pero impactaba como pocas. Se llamaba Creedence Clearwater Revival, duró apenas cinco años –entre 1968 y 1972–, pero en ese lapso sacó siete álbumes que están entre los más clásicos de la historia del rocanrol. CCR vendió 120 millones de placas y llenó de hits los charts del mundo, incluyendo los argentinos. Pero Tom se fue del grupo en 1971 y los miembros restantes apenas publicaron un disco más. Después se disolvieron y nadie supo de sus vidas sino ocasionalmente, cuando alguno de ellos decidía grabar algo. En Creedence siempre se miró a los Fogerty, pero había una base monolítica conformada por el bajista Stu Cook y el baterista Doug Clifford. A fines de los ‘90, la base decidió que era buen momento para armar su propia versión de CCR. Los buenos de Stu y Doug Cliffords reclutaron tres músicos y cambiaron por “Revisited” el “Revival” del nombre original. Con la nueva formación ya han venido a la Argentina en tres oportunidades, siempre con éxito.
¿Por qué estaba lleno el Gran Rex un martes a la noche? Hay dos formas de ver el fenómeno de Creedence Clearwater Revisited. Una es pensar en que Cook y Clifford son dos caraduras que lucran con los temas que compuso John Fogerty y que la nueva versión es sólo una banda de covers agravada por el hecho de tener miembros originales del grupo. Los detractores pueden agregar que hacen canciones de hace treinta años, que no evolucionaron en su sonido y montones de otros argumentos. Para ellos, la calificación que figura más arriba es, sin dudas, una exageración y una injusticia. Pero ellos no fueron a ver a los Revisited.
Quienes llenaron el Gran Rex, además de algunos jovencitos con remeras de La Renga (CCR es una de las principales influencias de Chizzo y compañía), eran nostálgicos de ese tiempo que fue hermoso, algunos con las chapas voladas hace años, otros empeñándose en mantener el pelo largo a pesar de las canas, de traje o con apretados atuendos de motoqueros. Para ellos, tener a Cook y Cosmo Clifford enfrente es como un sueño hecho realidad. Además, la garganta del cantante John Tristao parece haber recibido el mismo tratamiento de aguarrás y papel de lija que la de Fogerty, al punto que obliga a preguntarse si los científicos que clonaron a Dolly anduvieron metiendo mano en las cuerdas vocales de este gordo reemplazante del antiguo líder.
Todos los músicos la pasan bárbaro durante el concierto de los Revisited. El baterista y el bajista, porque nunca antes obtuvieron semejante atención de parte del público; el guitarrista Elliot Easton (ex The Cars), porque puede hacer solos punzantes a placer; el cantante, porque ocupa el lugar con el que debe haber soñado más de una noche; y el tecladista Steve Gunner, porque lo dejan hacer unas introducciones más bien innecesarias.
Y el público también disfruta, porque los Revisited pueden estar viejos, pero continúan con la tradición del rocanrol a pura polenta que caracterizó a los Revival en su época. La lista de temas comprime veintitrés hits que uno ya escuchó hasta el hartazgo, pero que hacen mover hasta al más amargo: “Born on the Bayou”, “Green River”, “Suzie Q”, “Who’ll stop the rain”, “Midnight special”, “Proud Mary”, “I put a spell on you”, “Fortunate son”, “Have you ever seen the rain”, “Travelin band” y”Up around the bend”, entre otros. Todo suena igualito que en los discos en los que cantaba John Fogerty y, en caliente, la ilusión del viaje hacia el pasado funciona a la perfección. Eso es todo, aunque no es poco.

*

"En 1968, acostumbraba a decir que quería grabar discos que se siguieran poniendo en la radio 10 años después de grabados", dijo en algún momento John Fogerty antes de entrar al Salón de la Fama del Rock and Roll. En retrospectiva Fogerty logró lo que quería. 30 años después canciones como "Proud Mary," "Born on the Bayou," "Bad Moon Rising," y "Green River", siguen siendo clásicos del rock. Se puede decir que Creedence Clearwater Revival definió el espíritu del rock and roll norteamericano en su esencia.

En 1958 el rock ya estaba en marcha y, prácticamente, en cada secundaria había una banda tocando una música sin buena reputación. Uno de esos casos era la Secundaria Potola Jr, del suburbio El Cerrito de San Francisco, California.

El grupo arranca como los Blue Velvets en 1959. La formación original estaba formada por Fogerty en la guitarra, Stu Cook en el bajo y Doug Clifford en la batería. Se unieron por la pasión de Fogerty y Clifford por el blues y el rock and roll. John Fogerty compró una guitarra Sears Silverstone y su amplificador en US$80,00 con un préstamo firmado por su madre y que debió pagar repartiendo periódicos. Sin embargo, Fogerty no sabía tocar y aprendió por si mismo en el sótano de su casa durante largas horas de práctica. Por su parte, Doug consiguió un redoblante usado que tocaba con unos palillos hechos a partir de unos tacos de billar viejos.

El grupo solamente tocaba versiones instrumentales de temas populares de la época. Tocaban en ferias y fiestas. Lo hacían mientras iban a la secundaria en El Cerrito, San Francisco. A pesar de ser una de las pocas bandas adolescentes del área, nunca les faltó donde tocar. Ansiosos como estaban por tocar cada día mejor, empezaron a ir a los estudios de grabación y lograron tocar como grupo de soporte para otros artistas locales. En 1959 participaron en la primera grabación para Christy Records, fueron los músicos para un cantante negro llamado James Powell. En ese entonces los miembros de la banda estaban en tercer año de secundaria.

La entra de Tom Fogerty a la banda se dio cuando su grupo, "Spider Webb and The Insects", se separó en ese año. Consciente de que tenía fuuro como cantante, le pidió a su hermano menor y su amigos de que le apoyaran grabando un demo para Pat Boone. Aunque todos los del círuclo íntimo coincidieron en que el tema era bueno, Boone lo rechazó y lo devolvió con muchas observaciones. Fue entonces cuando Tom convenció a los chicos que lo necesitaban para que cantara y dado que John aún no lo hacía y solamente tocaban temas musicales, la decisión se tomó rápido. Así, Tom Fogerty y los Blue Velvets, como se llamaban ahora, empezaron a tocar en cualquier lugar que se los permitiera. Inclusive en 1961 grabaron tres discos sencillos para ORchestra Recors sin mayor éxito.

Cuando se agregó el hermano mayor de Fogerty, Tom, en 1960, en la guitarra rítmica y las voces el grupo pudo empezar a tocar en bailes y en 1964 lograrían un contrato con Fantasy Records. Sin que la banda lo supiera, la disquera los rebautizó con el nombre de los Golliwogs para que sonaran más ingleses en medio de la invasión británica. Bajo ese nombre grabaron 7 canciones que no tuvieron mayor exposición ante la audiencia. Finalmente, en 1968, la disquera relanzó el último de los sencillos del grupo, "Porterville", bajo un nombre que había escogido la misma banda: Creedence Clearwater Revival.

El nombre fue en honor de un amigo de John de nombre Creedence. El cambio de nombre le sentó bien a la banda porque de hecho era el primero que realmente les daba una identidad. La disquera había cambiado de dueños justo cuando la banda estaba empezando a hacer ruido tocando en todo lugar que se pusiera al frente y cuando bandas como Grateful Dead marcaban el ritmo de la música en la bahía.

Lo de Fantasy fue una casualidad interesante. Los hermanos Fogerty estaban viendo un especial de televisión llamado "Anatomía de un hit" y se dieron cuenta que la disquera del programa era Fantasy, que quedaba del otro lado de la bahía de San Francisco. Llegaron como un tornado y cargados de material a mostrar su trabajo. En la disquera quedaron tan impresionados por el entusiasmo de los muchachos que los contrataron casi de inmediato.

Siguieron tocando por todas partes, agregando las bases militares en su agenda, y en un momento en que no había mucho trabajo John aceptó un trabajo corto en otra banda en la que pudo cantar. Así, ganó confianza en su talento como cantante. Tenía que gritar para compensar los problemas técnicos de los equipos, eso fue lo que definió su estilo tipo bluesero. Otro cambio fue el de Stu, que pasó del piano, instrumento que originalmente lo trajo al grupo, al bajo.

Sin embargo, la música no pagaba. Los hermanos Fogerty trabajaban para mantenerse, Tom en la empresa de electricidad y John como oficinista de Fantasy. Tom tenía que mantener a su esposa e hijo recién nacido. Mientras que los otros dos consiguieron trabajos para poder costearse sus estudios en una universidad local.

Estando John Fogerty consolidado como guitarrista, cantante, compositor y productor, Creedence despegó con la versión neopsicodélica del tema de Dale Hawkins "Suzie Q". La canción empezó a sonar antes de que el Álbum que la contenía apareciera. Los DJ de KMPX la programaron sin parar como una retribución a una de las pocas bandas que apoyó un concierto para reivindicar una huelga de programadores de radio. Bill Drake un asesor de programación de California escuchó la canción y la recomendó a todas las estaciones a las que atendía. 
De ahí en adelante los éxitos se sucedieron uno tras otro mientras se formaron 6 álbumes del rock más puro entre 1968 y 1970: "Creedence Clearwater Revival" que fuera número 52, "Bayou Country" que fue número 7 empujado por "Proud Mary" (luego interpretado por Tina Turner), "Green River" también fue 7 con apoyado por el número dos de "Green River. Luego siguieron "Willie and the Poorboys" (#3), "Cosmo's Factory", su único número uno en los álbumes, y "Péndulo". 10 de sus canciones llegaron al Top 10, aunque ninguna fue número uno. A pesar de que el grupo no tenía un perfil político, algunas de sus canciones representaron el pensamiento de la época y la percepción sobre la guerra de Vietnam, por ejemplo "Fortunate Son" y "Who'll Stop the Rain", que aún hoy siguen representando esos ideales.

Su participación en Woodstock en 1969 vino empujada por sus primeros tres discos. La presentación no fue memorable porque tocaron después de Grateful Death a las 3 de la mañana, cuando todo el mundo dormía. Se sintieron tan incómodos con su actuación que pidieron no aparecer en la película.

Pero fue ese rol protagónico de John Fogerty el que sembró la semilla de la separación. Su hermano mayor se marchó porque no lograba congeniar con el estilo de música y porque sentía que no estaba dando todo lo que podía. Siguieron como trío pero funcionando como una democracia. Sin embargo, ese término es bastante ambiguo cuando hay tres concepciones. El resultado fue "Mardi Gras", probablemente, el peor disco grabado por una banda de la importancia de Creedence.

Creedence Clearwater Revival se separó el 16 de octubre de 1972, fue una banda progresiva y anacrónica al mismo tiempo. Como un monumento a la era dorada del rock and roll, rompieron las filas del movimiento progresivo y psicodélico de San Francisco. Su perspectiva era muy básica y sin compromisos, aferrada únicamente a los orígenes de clase trabajadora de las familias de sus integrantes. El término "Rock de Raíz" aún no había sido denotado cuando entraron en escena, pero en términos generales ellos lo definieron de la misma manera que Little Richard, Hank Williams, Elvis Presley, Chuck Berry.

Video con la historia de Creedence (en ingles)

Video Bad Moon Rising - Subido por DRIVERATOMIC a youtube

video

Fuentes: 
Fotos: Galería de google imágenes
Video de la historia tomado del canal de samuel sabenty
Video Bad Moon Rising tomado del canal de DRIVERATOMIC