Mr. ESCARABAJO

Buscando info del grupo FOSCIUS de Paraná que, según creemos fueron los primeros que hicieron música de Los Beatles con mucha pegada, nos encontramos con lo que sigue. Queda pendiente lo de Foscius y agradeceremos toda la info que nos pudan pasar, sobre quienes jugaron un muy impotante papel en nuestra vida y en la de muchos amigos; les vamos a agradecer mucho que nos manden data sobre Foscius a almadelrock@yahoo.com.ar

"BEATLES EN LA PIEL"

Mr. ESCARABAJO, se formo en Julio del 2005, oriundos de Paraná¡, capital de la provincia de Entre Ríos.

Entre sus integrantes convinieron que su nombre debería estar relacionado con los BEATLES y ESCARABAJO traducido es BEETLE y Mr: (Les daría su personalidad para homenajear a la legendaria banda de Liverpool).

Su repertorio luego de varios encuentros y opiniones musicales entre sus integrantes, consolidaron un lineamiento en los temas más exitosos de Los Beatles.

Si bien Mr Escarabajo en sus show interpretan covers de los Beatles , hay que destacar que Mr Escarabajo le pone a cada interpretación su estilo propio como así también su propia adaptación de lo que cada músico le inspira su instrumento, claro también se puede apreciar que si bien están considerados como una de las únicas bandas de Entre Ríos que tributa a los Liverpoonienses, sus canciones en vivo reflejan su admiración a (Paúl Mc Cartney, John Lennon, George Harrison y Ringo Star como ex Beatles).

Un detalle para no dejar de mencionar de la banda Paranaense, es que tienen temas propios con letra y música de su inspiración, mostrando su trabajo y su adrenalina en cada actuación en vivo.

En los inicios de su formación, hubo que cambiar unas de sus guitarras y voz interpretada hasta entonces por Rolando Spoturno, (ex Foscius), este debió ser reemplazado por un nuevo cantante y guitarrista, finalmente la banda quedo integrada por:

Rolando Main: (Primera voz, bajo, coros, composición y arreglos)

Marcelo Giménez: (Segunda voz, guitarra rítmica, coros, composición)

Sergio Metz: (Primera guitarra, coros, arreglos)

Wally Reggi: (Batería, percusión, coros, arreglos)

Rolando Main y Wally Reggi: integraron FOSCIUS, primera banda paranaense que tributaba a los BEATLES, con destacada proyección y paso por el CAVERN CLUB en Capital Federal. Luego de integrar otras bandas locales como: Los Brujos Frutilla Fe ciega Madrigal Sésamo.- con varios estilos como Rock Country rock nacional Etc. Ambos músicos se juntaron por la amistad que los une y decidieron crear Mr Escarabajo como una nueva oportunidad para mostrar que la música la llevan en la sangre.

Marcelo Giménez: Uno de los integrantes mas jóvenes de Mr Escarabajo, viene de formar algunas bandas de Paraná con estilo propio, pero parecerá que cuando fue invitado a reemplazar a Rolando Spoturno, Mr Escarabajo sedujo su deseo de integrarse para aportar su talento y su apreciado estudio como profesor de ingles, colaborando en la esmerada fonética de los temas cantados por la banda. También es un gran amigo y hablamos de un Gran Amigo.

Sergio Metz: Es un músico de Paraná, que integro bandas con estilos de rock nacional, junto con Wally (el baterista) integraron Frutilla, una banda de Paraná que hacia música de los Rolling Stones y Credence Clear Water Revival. Sergio tiene su propio estilo como primera guitarra, aprecia la música Pop, Beatles, Queen, su identificación con Soda Stereo y Espineta lo perfilan en un estilo refinado de Blues y Rock Pop.

Juntos son: Mr Escarabajo, son de llevar su estilo por Entre Ríos, Santa Fe, Córdoba, Corrientes, en Paraná ciudad natal, son reconocidos porque llevan BEATLES EN LA PIEL Sus actuaciones son en pubs Mini recitales Fiestas Privadas.

En cada actuación estos CASCARUDOS dejan RONCHA EN LA PIEL, de cualquiera que tiene la sensibilidad de la música de Los Beatles, la que persiste y continúa por generaciones y aun en la juventud actual, ya que los jóvenes exigentes piden a Mr Escarabajo bises y otros Éxitos de colección.

Contacto:

E-mail: rolymain@hotmail.com

Telefono: 0343 - 4235397

Celular: 0343 - 154 728 087

Contacto en Buenos Aires:

HADA PRODUCCIONES

E-mail: hada_producciones@yahoo.com.ar

Celular: 011 - 15 6117 3011 (Martin Apaldetti)

Fuente: http://www.myspace.com/mrescarabajo

LAS PASTILLAS DEL ABUELO

Visitamos http://www.mundofanclub.com/biografia-de-las-pastillas-del-abuelo/

La banda se caracteriza principalmente por la fusión de Rock con estilos musicales como Reggae, Candombe, Chacarera, Jazz, Country y otros. Esta característica les permite disponer de un mosaico musical que, teniendo el rocanrol como base, les abre un amplio abanico de posibilidades de letras y armonías, y es en ese amplio universo donde buscan y encuentran el color y la temperatura de los sonidos que sienten como propios.

La banda ha encarado su emprendimiento en el mundo de las siete notas de una manera profesional, ya que todos sus integrantes cursaron carreras afines con el instrumento que ejecutan en escuelas de música de Buenos Aires, y además varios de ellos se desempeñan como profesores particulares.

El 31 de mayo de 2002 Las Pastillas del Abuelo dieron su primer recital importante y fue en su propio barrio. El show se llevó a cabo en “La Colorada”, a metros de la estación Primera Junta del subte A, y esa fecha la recuerdan los muchachos de “la 20″ como la de su bautismo como seguidores de la banda, ya que marcharon con trapos desde el colegio Mariano Acosta hasta la sala, ocupando parte de la Av. Rivadavia, con la algarabía acostumbrada.

En enero de 2003 el baterista Hernán Sileoni dejó la banda para formar su propio grupo, y tomó su lugar Juan Comas, uno de cuyos antecedentes es haber tocado en varias oportunidades con Los Iracundos, muy famosos en los ’60s con su tema Puerto Montt.

En setiembre de 2005 grabaron su primer disco, al que denominaron “Por colectora”. Tiene 12 temas, y es un botón de muestra de la variedad de estilos y riqueza de armonías y melodías que son capaces de crear y presentar sobre un escenario.

En “El bombardeo del demo” del programa “Day Tripper” de la FM Rock&Pop fueron elegidos, por el voto de los oyentes, para tocar en la sala “La Trastienda” con otras dos bandas, Capaudaz y Nagual, para que una de las tres tocara en el Pepsi Rock 2005 mediante el voto de un jurado. Al día siguiente se informó por la radio que “Las Pastillas del Abuelo” resultaron elegidas para actuar en Obras el día 12 de octubre de 2005, lo que hizo explotar de algarabía a los centenares de seguidores de la banda. Ese día se presentaron en el Escenario 2, y coincidió con el último recital de la banda española Ska-P antes de su disolución.

Otra movida grossa que tiene como protagonistas a Las Pastillas del Abuelo es la actuación en el “Gesell Rock 2006″, que les permitió ser escuchados por numerosos seguidores de otras bandas de relevancia nacional.

Otro hito para destacar lo fue por partida doble: el 31 de marzo de 2006 en “El Teatro” de Colegiales, en Buenos Aires, y debido a que se agotaron las entradas 15 días antes se agregó otra fecha para dos días después, el domingo 2 de abril, en el mismo lugar. Casi 3.000 personas se sumaron viernes y domingo para ver a Las Pastillas, que nunca antes habían tocado ante tal cantidad de público propio.

Y ese doblete se repitió al poco tiempo. El 16 y 18 de junio de 2006 la banda tocó en “El Teatro”, pero en la sala del barrio de Flores, con mayor capacidad. Y la historia fue la misma, una doble fiesta de la que participaron cerca de 4.000 personas.

Otro mojón destacado en la ruta pastillera es el show del 26 de setiembre en el marco del “Pepsi Music”. Fue la segunda vez que estuvieron en el escenario de Obras, pero esta vez ante un estadio repleto de público en gran parte pastillero.

Los días 10, 11 y 12 de noviembre de 2006 Las Pastillas presentaron su segundo disco en “El Teatro” de Colegiales, con entradas agotadas en las tres jornadas. La placa tuvo muy buena aceptación, y a partir de entonces el repertorio de los shows alterna temas de las dos placas y acústicos inéditos.

El 2007 comenzó con actuaciones en los festivales de Burzaco y Arrecifes, y luego de un show en Gualeguay se inició la Gira por la Costa, con shows en días consecutivos en Tandil, San Bernardo, San Clemente, Mar del Plata, Necochea y Villa Gesell. Fue la mejor gira de Las Pastillas hasta ese momento, ya que miles de personas presenciaron los recitales y pudieron conocer la fiesta pastillera que se genera cada vez que la banda toca en vivo.

Luego de unas breves y merecidas vacaciones, en Febrero estuvieron en el Cosquín Rock y en el Olavarría Rock, para luego continuar con shows en Mendoza, Paraná, Navarro, Chascomús y Zárate.

En Abril Las Pastillas volvieron a subir al bondi para hacer una Gira por el Sur, con presentaciones en Neuquén, Plaza Huincul, Junín de los Andes y Bariloche, lugares en los que se pudo comprobar que la música de Las Pastillas del Abuelo llega con buen suceso a lugares de la Argentina muy alejados de Buenos Aires.

En mayo de 2007 se presentó en Internet, en el sitio YouTube, el primer video de Las Pastillas, con el tema “Oportunistas”, que cuenta con casi 140.000 visitas. Después de varios shows en el Gran Buenos Aires, los músicos grabaron su tercer disco, Crisis, cuyo lanzamiento se llevó a cabo en el estadio Malvinas Argentinas del club Argentinos Juniors.

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Las Pastillas del Abuelo en el Luna Park

Fuente: http://midrockga.blogspot.com/2010/03/las-pastillas-del-abuelo-en-el-luna.html

El Luna Park desbordo tanto el 26 como el 27 de marzo de 2010 de la mano de Las Pastillas del Abuelo. Con una puesta en escena espectacular, pantallas a los costados, y un ambiente tranquilo, con gente de todas las edades.

Por momentos hubo acoples y un Pity desmemoriado, pero todo fue salvado por el público que sin importar seguía cantando como si nada.

La banda se mostró sólida y suelta arriba del escenario, hizo lo que bien sabe hacer, siendo 27 temas, casi tres horas de show, en los que no hay lugar a dudas subió la adrenalina.

Arrancó a puro volumen con "José", el tema 10 como no podía ser de otra forma fue "¿Qué es Dios?", visualizándose en las pantallas videos dedicados a Maradona. Pero el descontrol se desató en "Perdido" (una versión tan rápida como era posible), "¿Qué pretendo no saber?", "Oportunistas", "Enano" y el gran cierre con "Otra vuelta de tuerca". Siendo de gran sorpresa (en la segunda fecha) la ausencia de Skalipso.

Se logró que haya una gran diferencia entre ambos shows, pues las listas de temas fueron totalmente distintas, así que los afortunados de poder asistir a ambas fechas seguramente las disfrutaron.

El día 27 Pity les cedió la palabra, durante dos momentos distintos del recital, primero a un chico que intento hacer conciencia sobre las necesidades que padecen muchos de los niños hoy en día. Pues pertenece a una organización llamada “Hacer Haciendo” y dio un e- mail para que aquellos que estén interesados puedan contactarse:

hacer.haciendo@hotmail.com

La segunda en hablar fue una mujer que comento los problemas ambientales que aquejan al país, sobre la explotación de minas por parte de empresas internacionales, que no hacen más que contaminar nuestro suelo. Ambos fueron escuchados, y aplaudidos, lo cual demostró que el público pastillero sabe demostrar respeto. Asimismo Pity aprovecho la oportunidad para dedicar este recital, y los venideros a Melisa.

Como siempre Las Pastillas del Abuelo demostraron que sus recitales son una verdadera fiesta, con los infaltables globos de colores, llenando de la alegría que los caracteriza el Luna Park...

Fuentes: http://www.mundofanclub.com/biografia-de-las-pastillas-del-abuelo/

http://midrockga.blogspot.com/2010/03/las-pastillas-del-abuelo-en-el-luna.html

Foto:

http://www.taringa.net/posts/musica/3611005/Las-Pastillas-del-Abuelo---Biografia.html

KURT COBAIN

Les dejamos una muy buena bio de Kurt publicada en http://www.biografiasyvidas.com/biografia/c/cobain.htm Les recomendamos fuertemente visitar biografiasyvidas.com, excelente sitio.

Kurt Cobain (Nombre artístico de Kurt Poupon; EEUU, 1967 - 1994) Compositor y cantante de rock duro estadounidense, creador y principal miembro del grupo Nirvana.

El 20 de febrero de 1967 nace Kurt Poupon en la localidad de Aberdeen, en Washington. Ese niño, que con los años sería conocido como Kurt Cobain, arrastró a lo largo de toda su vida los problemas de su familia que culminaron con la separación de sus padres cuando había cumplido los siete años. Kurt Cobain murió siendo todavía un hombre joven, pero pese a muchos de sus problemas (o quizás gracias a ellos) llegó a convertirse en un ídolo musical mundial.

Kurt Cobain tuvo por primera vez en sus manos una guitarra a los 14 años, cuando se la regaló su tío. A partir de ese momento la música se convirtió en una constante en su vida y fue una herramienta que le resultó especialmente útil para expresar en parte su complicada personalidad. Con el tiempo decide, junto a su amigo Krist Novoselic, formar su primera banda, a la que llaman Fecal Matter. Son sus primeros pasos en el mundo profesional de la música.

Pronto Fecal Matter queda corta para las ansias artísticas de Kurt Cobain. Sigue unido a Novoselic para crear un nuevo grupo al que se incorpora el batería Dale Crover. Corren los años 1985 y 86 y Seattle ve nacer los primeros conciertos del mítico Nirvana. Pocos pueden sospechar que alrededor de esta formación y de la misma ciudad se originará una corriente musical que hará historia: el grunge. Ritmos de rock primitivo y desencantado se convierten rápidamente en un himno para la juventud de los años 80. Tanto la música como la estética de Cobain y su grupo influyen decisivamente en la sociedad de entonces.

En el año 1988 Dale Crover ha sido sustituido por Chad Channing en Nirvana. Con el nuevo integrante del grupo se graba su primer trabajo discográfico, Nirvana. Sus dos canciones, Love Buzz y Big Cheese, consiguen ser rotundos éxitos y dan un gran prestigio a la formación de Cobain. Con la fuerza que les otorga su buena aceptación empiezan a trabajar en su primer álbum de estudio, Bleach. Los circuitos alternativos de los Estados Unidos empiezan a albergar los conciertos de Kurt Cobain y sus compañeros con temas como About a girl.

En el año 1990 se publica el segundo disco de Nirvana, Nevermind, bajo el sello de la compañía discográfica Geffen. Cobain vuelve a cambiar el batería y es ahora Dave Grohl quien toca en el grupo. Este álbum se convierte en uno de los más importantes de la historia de la música actual al vender más de quince millones de copias. Su single Smells like teen spirit es un verdadero mito para jóvenes de todo el mundo. El éxito rotundo llega a la carrera musical de Kurt Cobain aunque él no deja de lado sus problemas de adicción a la heroína y su personalidad depresiva.

El 24 de febrero de 1992 Kurt Cobain se casa con otra cantante norteamericana, Courtney Love. Es la líder de Hole (un grupo formado por solo mujeres) y se la conoce por su carácter problemático. El suyo será un matrimonio conflictivo en el que abundan las drogas y la violencia y del cual nacerá su única hija, Frances Bean. En el mismo 1992 ve la luz otro de los discos de Nirvana: Incesticide. Es una recopilación de temas inéditos que solo se oyen en los conciertos en directo del grupo, como por ejemplo Sliver o Son of a gun y el preludio de su último disco llamado In utero.

Los problemas personales de Kurt Cobain son cada vez más importantes y el cantante intenta suicidarse en dos ocasiones, además de ser internado por una sobredosis en el año 1993. El 5 de abril de 1994 muere de un disparo en la cabeza aunque su cadáver no se encuentra hasta tres días después. Sólo tiene 27 años y la versión oficial es que se ha suicidado, aunque las especulaciones sobre un posible asesinato nunca han dejado de oírse.

Tras la muerte de Cobain aparecen en el mercado MTV Unplugged, un álbum realizado en 1993, y una recopilación póstuma hecha por los demás miembros del grupo, From the Mudy Banks of the Wishkah.

Y de yapa... visiten http://eljardnsecreto.blogspot.com/2008/11/homer-el-kurt-cobain.html donde aparece Homero Simpson fundando el grunge y otras perlitas.

Gracias a http://www.biografiasyvidas.com excelente! La foto de Kurt también es de allí.

PAJARITO ZAGURI

Para una exhaustiva recorrida por la historia de Pajarito y la era fundacional de nuestro rock nacional, recomendamos fuertemente visitar:

http://elblogdeltopo.blogspot.com/search/label/Pajarito%20Zaguri donde vamos a encontrar un trabajo completísimo sobre aquellos años.

Alberto Ramón García, más conocido como "Pajarito Zaguri", es un cantante que integró los primeros grupos que cantaban en castellano en La Cueva. Ya 1956 se junta con Moris para formar Los Shabaduba. Una década después, ellos encabezan Los Beatniks, la banda que grabó el primer tema de rock argentino: "Rebelde" (1966).

Su mayor éxito fue, probablemente, el disco que grabó junto a Los Náufragos, en 1969. Ese mismo año ganó el Festival de la Música Beat, organizado en el Teatro El Nacional. Pajarito se presentó con La Barra del Chocolate, su grupo soporte, e interpretó "Alza la voz".

Junto a La Murga grabó su disco debut en 1975, en el cual participó Pappo. Esta placa casi ni tuvo apoyo de la compañía discográfica, por lo que pasó desapercibida. Formó una nueva banda de apoyo, La Blues Banda, integrada por León Vanella (guitarra), Néstor Vetere (bajo), Gabriel Jolivet (guitarra), Marcelo Pucci (batería) y Ciro Fogliatta (teclados).

Su segundo LP, "El rey criollo del rock and roll", también pasó desapercibido. «Pajarito Zaguri es una especie de personaje legendario que nunca tuvo éxito, pero que jamás se dio por vencido» (O.Marzullo / P.Muñoz, pág 188).

En el '94 editó "En el 2000... (también)", «un disco del futuro, en el cual me di el gusto de llamar a todos mis amigos con los que quería tocar», con el Conejo Jolivet como guitarrista.

Ya en 2009 presentó "Sexogenario", un disco que recrea doce canciones clásicas de su carrera, en todas sus etapas: con Los Jóvenes Viejos, con La Pesada, con Los Perros Alfa, con Los Flotantes y, por supuesto, con Los Beatniks.

Fuente: http://www.rock.com.ar/bios/0/144.shtml

Fotos:

http://2.bp.blogspot.com/_bXiAT6MOo8E/Ry3dLFCi9qI/AAAAAAAAANo/j9h70YfKeI/s320/beatniks_camion.JPG

Revista Pelo

ROBERT CRAY

Robert Cray nace el 1 de Agosto de 1953 en Columbia, Georgia. Considerado uno de los más expresivos vocalistas y guitarristas de blues, Robert Cray toca R&B, rock, pop, jazz con la misma calidad y autoridad.

The Robert Cray Band nació 1974 y con ella ha logrado nada menos que seis nominaciones y tres premios Grammy, junto con la admiración y el respeto de los músicos y el público. Su pasión por la música le hace tomar la decisión de abandonar los estudios de arquitectura que había comenzado.

Algunas críticas le han tachado de ser el yuppie del blues, que quiere crear un blues cerebral, gélido y de perfección geométrica. Con arreglos excesivamente sesudos, maniático y detallista hasta la médula, distanciándose del blues de la vieja escuela.

Pero ha decir verdad, Clay nos parece un instrumentista y vocalista impresionante, de incuestionable preparación, y que desea demostrarlo en todos sus temas. Realmente Robert Cray es una de las nuevas joyas del blues. Un artista con un talento y una visión del blues que sobrepasara la barrera del siglo XXI, sin ayudarse de la imitación a otros artistas o tocando rock como si fuera blues. Lo único que se le puede alegar en su contra es que las increíbles ventas de sus trabajos le han ayudado de manera evidente a saltar al estrellato del blues contemporáneo.

Tocado por la mano de Dios al concederle una voz inolvidable, que roza el sonido de los 60´ y con una pericia a la guitarra que le diferencian de otros bluesman, Cray se ha ganado la fama internacional. En 1980 debuta con el álbum, Who's Been Talkin', y su ascensión es sorprendente. En 1986 con el álbum Strong Persuader que graba para Mercury, y que contenía la canción “Smoking Gun”, gana su primer Grammy.

Haciendo un poco de memoria, y remontándonos a su infancia, Cray escuchaba más soul y rock que blues, pero la Telecaster de Albert Collins le enamoró y decidió comenzar a hacer blues. Forma su primera banda con el bajista Richard Cousins en 1974. Rápidamente enganchan a Collins.

El grupo Tomato ascendió rápidamente antes de que Clay decidiera tomar su rumbo en solitario para demostrar cual era su potencial y su talento real. De esta carrera en solitario Cray se llevó a casa varios Grammys. Robert sigue experimentando hoy en día con sus estilos favoritos, el blues y el soul, innovando, regenerando y cultivando el genero y la guitarra.

Fuente: http://musica.hispavista.com/biografia/robert-cray-b10000000000000000385

http://www.lastfm.es/music/Robert+Cray/+wiki

Foto: http://userserve-ak.last.fm/serve/500/29966465/Robert+Cray++2004.jpg

DESKONTENTO SOCIAL

La siguiente data fué publicada por la banda en los sitios detallados más abajo.

Deskontento social se conformo en diciembre de 2004, en Hernández, Entre Ríos, Argentina tras la disolución de la banda Nelsiano, que venía tocando desde mayo de 2000 con tres de los integrantes de Deskontento.

La nueva banda quedo conformada por Renzo (bajo, coros y voces), Emi (voz y guitarra), Taco (Batería), quienes ya venían tocando juntos, más la inclusión de Sergio (guitarra, coros y voces).

El estilo musical de la banda tiene sus bases en las influencias del punk rock clásico, melódico, hardcore punk, entre otras.

Como ellos mismos declaran: “Nuestras letras son en su mayoría de contenido social, críticas, reflexivas, reflejan las contradicciones de un sistema que consideramos injusto y que explota y somete a la mayoría; desde ellas abogamos por la toma de conciencia... toma de conciencia que implica de hecho la existencia del "deskontento social" que siente una sociedad crítica y consciente. También hay letras que expresan experiencias, sentimientos e ideas personales.”

Se han presentado en varios lugares de Entre Ríos, entre ellos Paraná, Ramírez, Oro Verde, Hernández, Rosario del Tala, Crespo, Nogoyá y Villaguay.

Entre febrero y abril de 2005 grabaron el primer demo llamado Deskontento social con 12 temas (10 propios y 2 covers). También en 2005 grabaron el e.p. Melodias reflexivas, editado en abril de 2007 por "Lo que soniamos" discos, y del que se puede escuchar el tema "por qu?" en http://www.purevolume.com/deskontentosocial

Desde Alma del Rock, saludamos a nuestros coterráneos, y agradecemos que mantengan sonando la música en “el pago”, esta gente que supo prestar los instrumentos para que por un rato y de sorpresa volviera a tocar Fases en su tierra.

Fotolog: http://www.fotolog.com/deskontentosocia

Página: http://www.deskontentos.host.sk

Escúchalos también en: http://www.myspace.com/deskontentosocialpunk

Contacto: deskontentosocialpunk@gmail.com

Fuente y foto: http://www.deskontentos.host.sk y http://www.purevolume.com/deskontentosocial

ADRIAN BARILARI (Abuso de poder)

La siguiente entrada ha sito tomada de http://www.dontpaymusic.com/barilari/ donde, además de poder ver y escuchar el video, vas a poder bajarte en forma totalmente gratuita todo el material. Recomendamos fuertemente tu visita a http://www.dontpaymusic.com que según propias palabras del lugar "Somos una productora joven con una mentalidad nueva y una actitud diferente."

Adrián Barilari es, desde luego, conocido por ser el cantante emblemático de Rata Blanca, pero su carrera solista ha cobrado vigor en los últimos años y ahora llega a su pico de intensidad con este tercer disco que no sólo puede descargarse gratuitamente sino que además lo muestra en su faceta más poderosa y agresiva como vocalista y compositor.

Acompañado en lo instrumental por un power trío de excepcional eficacia integrado por Julián Barrett (guitarra), Piter Barrett (bajo) y Nicolás Polo (batería), Barilari se aventura en un concepto sensiblemente más moderno y oscuro, con sonido demoledor, letras más comprometidas y su voz al tope de las posibilidades, a punto tal que promete sorprender a fanáticos y despistados por igual.

En efecto, quienes se encontraban familiarizados con "Barilari" (2003), "Canciones Doradas" (2007) o incluso el proyecto Alianza que llevó adelante en los '90s junto con Hugo Bistolfi, no darán crédito a sus oídos cuando escuchen este nuevo material producido en los reconocidos estudios de La Nave De Oseberg y disponible a través de www.dontpaymusic.com junto al video promocional y el arte gráfico completo para que cada usuario arme su propio CD con la mejor calidad de audio.

Si de poder se trata, algunos dirán que este disco es un abuso.

Los entendidos saben que es un privilegio.

Fuente: http://www.dontpaymusic.com/barilari/

SOCIOS DE LA MADRE

El buen sonido y la fuerza de una excelente banda de Paraná, Entre Ríos; ya nos hemos referido a ellos, ahora pasamos algunos datos. Recomendados por Alma del Rock: Socios de la Madre se formo en 2007 con Ignacio Valente (Voz), Luciano Barreda (Guitarra y coros), German Vicentin (bajo), Joaquin Gomez (bateria y coros) y Juan Eandi (guitarra lider). Con esta formacion tocan por primera vez en vivo en El Garage del Rock, programa conducido por Manuel Mina y Rafael Sosa en Radio Cualquiera 94.3. Una semana después, el grupo hace su debut oficial en el Centro Cultural La Hendija, en un show compartido con Don Andres (ahora Tales).

Luego de algunas presentaciones Juan Eandi y Joaquin Gomez abandonan la banda dejando vacante el puesto de guitarrista y baterista respectivamente, que fueron reemplazados por Rolo Maradey (ex Acólitos Anónimos) en guitarra y Sebastian Daneri en Batería. Debido al reciente alejamiento de Luciano Barreda, la formación de la banda quedó como detallamos abajo.

Al final les dejamos algunos links como para conocer más y sobre todo, escuchar uno de los mejores grupos actuales; y como siempre lo hacemos, les deseamos toda la fuerza, el sentimiento y el éxito que se merecen.

INTEGRANTES:

Ignacio Valente: Voz

Rolando Maradey: Guitarra y coros

German Vicentin: Bajo

Sebastian Daneri: Bateria

CONTACTOS:

Banda: sociosdelamadre@hotmail.com

Prensa y Management: Manuel Mina Cel: (343) 155036902

Mail: manuelmina@hotmail.com

SITIOS:

http://www.myspace.com/sociosdelamadre

http://www.fotolog.com/sociosdelamadre

http://sociosdelamadre.hostei.com/

Algunos videos:

http://www.youtube.com/watch?v=XItxnYrlYyY

http://www.youtube.com/watch?v=lbraCgcOJ00

http://www.youtube.com/watch?v=fR31PGfLzqY&feature=related

FELIZ NAVIDAD, la guerra ha terminado!

Nuestro saludo desde el Alma para estas fiestas:

A finales de 1969 John Lennon y su esposa Yoko pusieron carteles publicitarios en Nueva York, Londres, Roma, Atenas y Tokio, con la frase "War Is Over (If You Want It)". De ese lema nació la canción como propaganda en contra de la guerra de Vietnam, campaña que iniciaron por octubre de ese año (la guerra terminaría recién 4 años más tarde). Finalmente el tema fue grabado junto a un coro de niños en 1971 en Nueva York.

"Feliz Navidad, la guerra ha terminado". Con la letra de esa canción y su video, desde Alma del Rock saludamos a todos nuestros amigos y familiares, a quienes nos visitan en la página y sintonizan nuestra radio web, a los músicos, a los amantes de la música del alma, a los perfectos desconocidos y a todos los que quieran vivir en paz, amor e igualdad; sin hambre, sin injusticia ni violencia; y con respeto por la unidad bio-psico-socio-espiritual que es cada ser humano que ha pisado el planeta.

So this is Christmas And what have you done

Another year over And a new one just begun

And so this is Christmas I hope you have fun

The near and the dear ones The old and the young

A very merry Christmas And a happy New Year

Let's hope it's a good one Without any fear

And so this is Christmas War is over

For weak and for strong If you want it

For rich and the poor ones War is over

The world is so wrong

Now And so Happy Christmas War is over

For black and for white If you want it

For yellow and red ones War is over

Let's stop all the fight Now

And so this is Christmas War is over

And what have we done If you want it

Another year over War is over

And a new one just begun Now

And so Happy Christmas War is over

I hope you have fun If you want it

The near and the dear one War is over

The old and the young Now

War is over if you want it War is over now

http://www.lyrics007.com/John%20Lennon%20Lyrics/Merry%20Christmas%20(War%20Is%20Over)%20Lyrics.html20Is%20Over)%20Lyrics.html

Ya es Navidad, Y ¿qué has hecho?

Otro año se acaba Y uno nuevo va a empezar.

Y ya es Navidad, Espero que te diviertas,

El que está cerca y el querido, El viejo y el joven.

Y una muy feliz Navidad Y un feliz año nuevo,

Dar esperanza es bueno, Sin ningún miedo.

Y ya es Navidad, Para los débiles y los fuertes,

Para los ricos y los pobres, El mundo está tan mal.

Y una feliz Navidad, Al negro y al blanco,

Al amarillo y a los rojos,

Que se paren las luchas. La guerra ha terminado,

Si tu lo quieres La guerra ha terminado...

VIDEO:

http://www.youtube.com/watch?v=Z1zm4E9d1oo

Luis Alberto Spinetta y sus bandas eternas

Al maestro Luis Alberto Spinetta cuyo arte solo puede ser igualado por su humildad: Gracias flaco por este regalo que nos hiciste el 4 de diciembre de 2009, gracias por mantener tan viva la llama de nuestro Alma del Rock. Lo siguiente fué publicado en ambito.com El creador de "Muchacha ojos de papel" hizo delirar a tres generaciones. Luego de 5 horas y 40 minutos de puras emociones, donde pasó por el escenario gran parte de la historia del rock vernáculo, el Flaco Luís Alberto Spinetta se despidió de las 40.000 personas que colmaron el estadio de Vélez para celebrar por sus 40 años con la música. Fue una noche especial casi rayana con la apoteosis, si hasta una estrella fugaz cruzó el firmamento como un destello de magia poética cuando el Flaco, con su acústica al hombro, le dedicó especialmente, como se lo había prometido, "Muchacha ojos de papel" a su madre que estoica resistía en la platea. Fue una versión monumental con los brillantes coros de la formación original de Almendra: Rodolfo García, Emilio Del Guercio y un patriarcal Edelmiro Molinari. Hasta allí habían desfilado Fito Páez, Charly García, Gustavo Ceratti y las bandas eternas de Spinetta que lo acompañaron en toda su carrera. Desde Pescado Rabioso con Carlos Cutaia, Black Amaya y David Lebón hasta Invisible con Machi en el bajo y Pomo Lorenzo en la batería; pasando por las distintas formaciones de Spinetta, Jade con los tecladistas Leo Sujatovich, Juan Del Barrio, Juan Carlos "Mono" Fontana. Además estuvieron presentes en el escenario, Javier Malosetti (en guitarra y luego en Batería), Bocón Francino, Guillermo Vadalá, Lito Epumer, Beto Satragni, Diego Rappoport, Nico Cotta, Daniel Rausi, su hermano Gustavo, sus sobrinos y sus hijos Dante y Valentino, su formación actual con Nerina Nicotra, Sergio Verdinelli, y Claudio Cardone. Con el músico Marcelo Torres recordo al desaparecido compañero de escenario Daniel Wirtz y también hubo sentidos y festejados homenajes a otras leyendas de nuestra música nacional como Miguel Abuelo ("Mariposas de madera"), Javier Martínez ("Necesito" versión rap con sus hijos), Lito Nebbia ("El rey lloró") , Tanguito ("Amor de Primavera") y Pappo Napolitano ("Adonde esta la Libertad"), este ultimo en compañía de Juanse (Ratones Paranoicos). La noche se extendía envuelta en nostalgia y sensaciones disímiles había momentos de euforia manifiesta (esplendida versión de "Bajan" con Ceratti y "Despiértate nena", "Me gusta ese tajo" y "Post-crucifixión" con Pescado) mezclados con climas más intimistas ("Alma de diamante", "No te busques ya en el umbral", "Ella también" y "Maribel") producto de una prosa superlativa que perforó la línea del tiempo ya que pudo verse entre un público extasiado a tres generaciones distintas de argentinos. Estaban los que peinan canas cargando en sus rostros las cicatrices del tiempo que abrazaban a sus hijos jóvenes y adolescentes que a pesar de la máquina de picar cerebros demostraron que no pudieron alienarlos y estaban los trentañeros, a mitad de una y otra orilla del río pero igual de seducidos por un arte que no admite reparos. Hubo tiempo para la entrada de Ricardo Mollo, agradecido por la noche vivida, y una mención a León Gieco quién no pudo estar presente ya que se encuentra en Cuba presentando su película "Mundo Alas".Con el lider de Divididos y la Banda formada por los padres y estudiantes del colegio Ecos toco el tema compuesto con Leon "8 de octubre" para recordar la tragedia del accidente en la ruta y que la lucha por mejores leyes para evitar accidentes no quede en vano. La luna seguía brillando impertérrita cubierta de unas nubes soñolientas que se resistían a retirarse como las personas que, henchidas de placer, se fueron pensando que un mundo mejor puede ser posible y más si es de la mano de la poesía de Luis Alberto Spinetta. Fuente: http://www.ambito.com/ Foto: http://www.ambito.com/noticia.asp?id=496908 y http://elrefugiodelosmusicos.blogspot.com/ Aquí tenés otros links: http://www.zonanortediario.com.ar/despachos.asp?cod_des=8777&ID_Seccion=97 http://www.eldia.com.ar/edis/20091207/espectaculos39.htm http://elrefugiodelosmusicos.blogspot.com/2009/12/spinetta-y-las-bandas-eternas-todos-los.html VIDEOS: Fuente: (Flavio Pigazzi para www.zonanortediario.com.ar) http://www.youtube.com/watch?v=DZgunVnEkFM http://www.youtube.com/watch?v=aPqT3gmbjD4 http://www.youtube.com/watch?v=fMwZNwIvrO8 http://videos.lanacion.com.ar/video12245-luis-alberto-spinetta-y-las-bandas-eternas ... y gracias a Jean Luc de http://aestoshombrestristes.blogspot.com/ por tu generosidad al compartir la magia con todos! Abrazo!

EMERSON, LAKE & PALMER

(La nota fue escrita por Juani Castiglione para rocksinfonico.com; es nuestra intención divulgar esta excelente bio.) Cuando hacemos referencia al rock clásico, o hablamos del tipo de música que con instrumentos de rock hace música clásica, nos referimos a Emerson, Lake and Palmer. Esta banda toma forma a fines de la década del 60s cuando tras varias apariciones y encuentros de las bandas “The Nice” y “King Crimson” ambas partes de los primeros grupos progresivos, el líder de la primera, el tecladista Keith Emerson y la voz líder y bajista Greg Lake se encontraron en San Francisco, en una prueba de sonidos antes del show. Greg Lake nos recuerda:”Fue en el estadio Filmore West, King Crimson tenía problemas internos. Por otro lado, Keith me confesó que sentía que con su banda había llegado tan lejos como podía. Ambas situaciones quedaron al descubierto cuando él empezó a tocar una pieza de jazz y yo me uní. Fue un encuentro mágico” confesiones del hombre que oficialmente se unió en 1970 a Emerson para su proyecto grupal. Pero algo faltaba al proyecto Emerson-Lake, en abril de 1970 Keith y Greg inician una búsqueda por el bloque de la pieza restante del rompecabezas, en un estudio londinense una serie de bateristas pasan por los ensayos y pruebas, ninguno llega al potencial pedido por Keith y Greg piensan en el joven baterista Mitch Mitchell, ex “Jimmy Hendrix Experience”, pero terminan escuchando al baterista de “Atomic Roosters”, Carl Palmer, que con una joven carrera, mucho menor a la de sus compañeros da vitalidad y la potencia faltante al grupo. El Trío da uno de sus primeros y más conocidos conciertos en “The Isle of Wight festival” en agosto del 70, donde en su mayoría son los temas de su primer disco y repertorio de Emerson. Y con rapidez en noviembre de ese año sacan a la venta su primer placa bautizada simplemente “Emerson, Lake and Palmer”, en este disco predomina el folk ingles, mayormente dado por Lake, la música clásica en el aporte de Emerson, y el blues de la mano de Palmer. En sencillo, uno se podrá dar cuenta que es un disco muy grupal, nadie es excluido, cada uno tiene su espacio en el disco y en una calificación del 1 al 10, podemos otorgarle un puntaje de 8,50 muy merecido. Temas folk como “Take a Pebble” y “Lucky Man”, más clásicos “Los hados” y “El Bárbaro” y más blues “Tank” y “Knife Edge”. El disco consigue rápidamente el puesto numero 5 del Top Ingles y el puesto número 20 en el Americano. Tras exitosas giras por el continente europeo, ELP comienza a necesitar un nuevo disco, uno que los pudiera acercar a la gloria y ser recordados por el publico por siempre, o uno que los hiciera hundir. Este disco seria “Tarkus”, su prueba de fuego. Las historia de este disco comienza cuando Keith escribe una introducción con el sintetizador Moog, por el cual en gran parte se hizo famoso gracias a él, y esa introducción fue llevada a Palmer, quien lo recibió con gran entusiasmo y decidió agregarle una inusual y potente base de batería. El conflicto se inicio cuando esas ideas fueron llevadas a Lake, él pensó que Tarkus seria entendido por el publico ya que es una opera muy larga y con muy poca comercialización, aunque cuando finalmente el trío se propuso grabar el tema Tarkus, el mismo resultó ser un gran éxito, la gente lo amó, y lo supo comprender tal Emerson lo quiso, el resto del trabajo fue llenar el otro lado del disco, por ello “Tarkus” es uno de sus discos mas desiguales, ya que su suite maestra ocupa la mitad del disco y el resto es relleno. La banda no toma descanso alguno, sigue dando giras mundiales, mayormente por Europa y Norteamérica. Es cuando en 1972 sacan su tercer disco “Pictures at an Exhibition” partiendo de la opera del compositor ruso Mussordsky y con muchos arreglos, la versión del disco es uno de sus conciertos, uno de sus temas más destacados es “Nutrocker”, el viejo cascanueces tubo un éxito inimaginable, mas sabiendo que ese tema era el único que no pertenecía a la opera y era perteneciente a Tchaikovski. En este disco se ve el potencial que luego influiría en el próximo disco de la banda. Tras varias giras ellos entienden que deben sacar un nuevo disco, en Julio del 72 “Trilogy” acude a la banda, algo que los hiciera quedar en la historia, algo que busca toda banda después de la fama, y Trilogy cumplía con estos requisitos, ya que con una gran riqueza musical y exaltando su música ELP consigue los primeros puestos en los ranking mundiales. En este disco consiguen un punto de tranquilidad y libertad nunca antes visto, Emerson logra usar al máximo sus sintetizadores y logra conseguir grandes piezas clásicas como en los temas “Trilogy”, “The endless enigma”y“Hoedown”, Lake alcanza aquí un nivel de libertad con su guitarra y su voz, además de una suavidad que se aprecia en el tema “From the Beginning”, y Palmer con aperturas como la “The Sheriff” y cierres como el de “Trilogy” donde consigue un ritmo constante y potente. El disco “Trilogy” es recomendado para cualquier colección de rock progresivo y sinfónico, es único en su género. A fines de ese mismo año ELP, saca una serie de singles que se venden en muy poco tiempo, la idea del próximo disco empezaba a traer la sensación de algo nuevo y diferente. Para ello la banda llama a “Pete Sinfild” viejo amigo de Greg para ayudar en lo que aparentemente constituía el punto débil de la banda y que por ello no lograban atraer nuevo publico, este punto eran sus letras, hasta ese momento quien aportaba la letras era Lake, pero para alcanzar letras mas acordes al estilo de música y a su poder musical. Deciden incorporar un nuevo letrista, lo que abrió nuevas expectativas, por ello lanzan en 1973 “Brain Salad Sulgery”, nueva placa con lo justo, para mantener su gloria pero no lo suficiente como para sobrepasarla, el disco tenia mejores letras, buenos ritmos y pegadizos, en el mismo Emerson pasa a tener una tarea de menor calibre que en los anteriores, ya no es el cerebro ni el que más resalta, se ve muy opacado por los demás y se destaca haciendo mucho de lo mismo. Lake en cambio deja su tarea de letrista y pasa a tener una mejoría en sus ritmos, su voz es menos dulce y es más madura, y tiene una tarea mayor con la guitarra. Por la parte de Palmer, se destaca solo en el largo tema “Karn Evil 9” y “Toccata”. Gracias a la fama de “Brain Salad Sulgery” la banda toma un éxito masivo en el continente Americano, y el éxito masivo de ELP se une con el de otras grandes bandas Inglesas como Yes, Genesis, Led Zeppelín y Deep Purple, así la banda comienza con una de las giras más importantes de la historia del Rock, “El Woodstock del oeste”, o también llamado “La segunda invasión inglesa”, “California Jam”, de este concierto formaron parte otras bandas como, Deep Purple y Black Sabbath. El 6 de Abril de 1974 Emerson, Lake And Palmer muestran al nuevo mundo todo su potencial musical, 350.000 en concierto y millones por la ABC presenciaron entre el repertorio temas, como“Tocata”, y de su primer disco y “Karn Evil 9” en su versión completa, Esta gran supremacía musical más el tour 97/98 se encuentran reflejadas en el disco “Then and Now”. Greg Lake comenta que con esa serie de giras la banda completa el vació interior, ese vació pronto será decisivo y determinante para la vida de los tres músicos. De ahí en más la banda gana mucha fama, fans, poder, y levantan Manticore Estudios. Pero pierden lo más preciado, su creatividad y coordinación, sus integrantes no tenían la misma magia para lograr grandes temas en conjunto. Por ello deciden tomarse un descanso. Recién en 1974 editan un disco triple en vivo al que llamaron “Welcome Back My Friends To The Show That Never Ends”. En poco tiempo más, comenzaron las peleas internas por que cada uno quería desarrollar sus propias ideas. Por ello deciden como medio de salida que cada uno grabara por su parte, pero al poco tiempo se dieron cuenta que nunca venderían lo mismo que si grabaran los tres juntos. Resuelven el problema haciendo el disco “Works”, en un formato doble que contiene un lado con lo mejor de cada integrante y uno con el grupo en conjunto. El disco no consigue el éxito necesario, el rock progresivo en ellos se había extinguido al igual que el éxito de ELP. Emerson, Lake and Palmer se disolvió en el año 1979. Lake siguió una carrera solista con un éxito moderado, Emerson compuso bandas sonoras y grabó algunos discos también solistas, y Palmer, después de estar en PM, se unió a Asia. Emerson y Lake se reunieron junto a Cozy Powell como un Emerson, Lake & Powell que duró muy poco, con un álbum en 1985. En 1991 ELP vuelve a reunirse para un nuevo álbum titulado “Black Moon”, el cual tuvo un ligero éxito y solo logró que la banda diera una nueva serie de giras. En 1993 sacaron “Live at Royal Albert Hall”. Sus intentos con otro álbum nuevo, In the Hot Seat, estaban condenados al fracaso, ya que Emerson requería una cirugía en su mano, lo cual impedía que el grupo grabara o tocara en vivo. Hoy en día cada uno de los miembros de lo que una vez fue ELP se dedican a sus proyectos personales solistas, cada vez son más los rumores que la banda podría dar una última gira mundial de despedida. La gente todavía sueña con el adiós de uno de los grandes de los 70s, del rock progresivo y del corazón de nuestra gran música. JuaniCastiglione P/rocksinfonico.com Fuente: http://www.rocksinfonico.com/ELPbiografia.html Foto: http://blogmusic.files.wordpress.com/2008/02/emerson-lake-and-palmer.jpg Visita también (completísima) http://www.sinfomusic.net/joomla/index.php?option=com_content&task=view&id=22&Itemid=1 Video: http://www.youtube.com/watch?v=_Y1x04hAUT4 Video: http://www.youtube.com/watch?v=L9Ippzdh0Qg

Garage, aguante!

Hay veces en que debemos parar la “moto” bajar los tacos al piso y sacudirnos los pelos (ja! Me imaginé a un Pappo en moto), como para ver de alguna forma en perspectiva. Yo no te quiero hablar ahora de causas, efectos y orígenes nublados. Solo quiero en estas pocas líneas agradecer a un flaco que está haciendo “el” bien. Cada uno, desde su lugar, desde la porción de mundo en que le ha tocado estar hace las cosas a diario, a veces bien, la mayor parte del tiempo mal, pero bueno… las hace. Este flaco que te nombraba, está en mi casa y en miles cada sábado para dejarnos lo que sabe hacer desde su corazón. Este flaco es alguien que todavía no conozco en persona (pese a una foto en que estamos a un metro de distancia, bailando jajaj! Increíble). De qué hablo! Hablo de la mano que les da a las bandas locales un tipo por la radio. Que no cobra un mango por difundirlas, que puso su corazón desde hace como 10 años en nuestra música del alma: El rocanrol. En mi nombre y en nombre de esta movida que es Alma del Rock, pequeña, humilde pero profundamente sincera movida, te saludo estimado Manuel Mina de El Garage del Rock. Seguí flaco, seguí porque les diste difusión a los que quieren hacer esta música. Leí en tu página que el pasado 4 de noviembre se cumplió un año más del Garage. Desde el otro lado de la radio, profundamente te agradecemos. Abrazos! Esta música del alma: Aguante!!! http://www.elgaragedelrock.com.ar/ Los sábados de 17 a 20 en Radio Cualquiera 94.3 y en la web http://www.radiocualquiera.com.ar  PD: eeh amiiigo! No hay que ponerse sentimental jajaj! Simplemente: las cosas como son! Y de paso… viva Hendrix y Tanguito loco! Jajaj!

FATA MORGANA (Noticias de ayer)

Noticias de ayer... extra! extra! "Mutaciones densas. Continúa la embestida de los grupos del interior. Esta vez son de Santa Fe, y se llaman Fata Morgana. Como algunos de sus colegas provincianos, realizaron la producción artesanal de un (*) de edición limitada. Es muy probable que el público porteño piense que el rock en el interior existe sólo cuando un grupo de Buenos Aires realiza una gira por distintas provincias para mostrar su música. También es probable que otros piensen que de existir grupos en el interior, éstos se dedican a hacer una música de raíces folklóricas con actitud contemporánea. Sin embargo, ni una ni otra cosa son totalmente exactas. Si bien las grandes bandas porteñas (Seru Giran, Porchetto, Vox Dei) son cálidamente acogidas por la gente cuando están de gira, existen en muchos puntos del país grupos que son muy conocidos en su zona de residencia, pero que por una cuestión de distancia, pasan inadvertidas para el publico porteño. Y estos grupos a los que hacemos referencia no necesariamente hacen música con raíces folklóricas. Bajando a Baires. Hace un tiempo, publicamos una nota del grupo Virgem, de Santa Fe, que en ese momento pensaba bajar a Buenos Aires para realizar una serie de presentaciones. Esa "bajada" no se produjo aún debido a un cambio de integrantes, pero ahora otra banda de esa misma provincia da señales de vida. Se trata de Fata Morgana, agrupación integrada por Luis Müller en guitarra, Tito Bruschini en flauta, Guillermo Gervasoni en percusión, Roberto Jaume en teclados, y Jorge Malachevsky en bajo. El grupo se formó hace ya dos años con la idea de hacer una música original, que fuera rica en matices y climas. La primera actuación de la banda se produjo en una sala de Santa Fe en diciembre de 1978. Al poco tiempo se presentaron en el anfiteatro Juan de Garay de la misma ciudad, mostrando al público el material elaborado luego de casi un año de ensayo. A partir de ese momento, Fata Morgana se mantuvo en silencio otro año, durante el que prepararon el nuevo repertorio del grupo. La reaparición en público se produjo en junio y agosto de este año, en Santa Fe y Rafaela, respectivamente. En la actualidad, la banda está preparando una serie de conciertos que ofrecerán en su ciudad y alrededores, como paso previo a su lanzamiento en Buenos Aires. Paralelamente a esta actividad, Fata Morgana lanzó un (*)cassette de edición limitada grabado en vivo en uno de sus conciertos. La producción del cassette se realizó en forma independiente, como lo han hecho en otras oportunidades otras bandas del interior. "En Vivo" "Fata Morgana en vivo" comiemza con "Reunión" un extenso tema (dura 18 minutos), caracterizado por los constantes cambios de ritmos, muy bien llevado por la habilidosa guitarra de Luis Müller. El estilo del grupo está con el jazz-rock, y la búsqueda de climas es una constante dentro de su música. El segundo tema es "Mutaciones densas", tema en el que se hace más evidente aún la riqueza armónica y melódica de las composiciones, y los constantes cambios de ritmo y clima, que pasan de una melodía arrolladora a una calma. El último tema del lado uno es "El planeador", donde los teclados tiene (SIC) una importancia capital. El otro lado, se abre con "Bajo el volcán", un tema inspirado en el último día de vida de un alcohólico. Sigue la melodía movediza de "Anacondo, no te copes mal", un largo tema instrumental dedicado al ex saxofonista del grupo. El cassette termina con el cambiante "Triste y final", cuya melodía final es sumamente pegadiza. Los seis temas que integran "Fata Morgana en vivo" pertenecen a todo el grupo. En todos ellos se nota que la improvisación juega un papel fundamental dentro de la música jazz-rockera del grupo. Sólo resta esperar ahora que la banda se decida a visitar Buenos Aires. Entonces se sabrá si el público porteño tiene sus oídos listos para escuchar rock del interior o si prefiere seguir pensando que "tierra adentro" el rock no existe." Esta nota fué publicada en el número 136 de la revista PELO, octubre de 1980. Fuente: Pelo, año XI, número 136, 1980. Foto: idem Agregamos a los integrantes Ricardo Rojas Molina en batería y Munchi Mussin. Fata Morgana fué un grupo precursor del rock nacional en Santa Fe. A quienes deseen aportar más datos desde ya les estamos muy agradecidos. (Ariel)

RADIO ALMA DEL ROCK

Amigos, ya saben que por nuestra radio Alma del Rock diariamente emitimos, además de nuestra música del alma, la programación de Rock.com.ar. También, ahora los miércoles a las 10 de la noche (hora de Argentina y repitiendo a lo largo de la semana) ponemos en el aire Tramas (Memorias del presente) y los jueves a las 8 p.m. repetimos El Garage del Rock con la conducción de nuestro amigo Manuel Mina. Ya saben, va desde el alma por

http://almadelrock.listen2myradio.com/ y http://www.almadelrock.com.ar/ Nota: Los programas nombrados cuentan con las autorizaciones correspondientes por parte de sus autores.

Ref: http://www.rock.com.ar/ http://www.elgaragedelrock.com.ar/ http://www.tramasradio.blogspot.com/

CREAM

Año de formación: 1966, Inglaterra Años activos: desde 1966 a 1968 Integrantes: Eric Clapton, Jack Bruce, Ginger Baker.

***** Realmente es difícil creer que los Cream estuvieron juntos solo por poco más de dos años. Fueron el primer power-trio y en su corta historia vendieron millones de discos y llenaron en sus conciertos donde fuera que se presentaran. Se formaron como una banda de blues y rock a fines de 1966 con Eric Clapton en guitarra y ocasionalmente en primera voz, Jack Bruce como escritor de canciones, voz líder solista y bajo, y el baterista Ginger Baker. Clapton ya era muy bien conocido como héroe de la guitarra en Gran Bretaña y con Cream se convirtió en guitarrista super estrella. El había estado en bandas como los Yardbirds y la John Mayall’s Bluesbreakers antes de Cream. Bruce había sido miembro de los Bluesbreakers con Clapton por poco tiempo y había dejado la Manfred Mann. Baker fue el baterista de la Graham Bond Organisation, banda de la cual también Bruce había sido miembro. Los tres integrantes de Cream buscaron expandir sus experiencias musicales y tocar otro tipo de sonido, distinto al que era común en aquel tiempo. No cabe duda que eso fue lo que terminaron haciendo, tocando largas sesiones de blues y extendidos solos en vivo incluyendo todo desde el blues, la psicodelia, hasta el rock pesado. Su primer álbum, Fresh Cream fue lanzado en diciembre del ’66. Fue mayormente un álbum de blues y hit en el top ten británico de principios de 1967. Un año después del primer trabajo vino Disraeli Gears. Fue también un hit y en Estados Unidos se posicionó en el número cinco del chart. El hard rock “Sunshine of your love”, fue el mayor hit del album con su extraordinaria guitarra y voces desgarradas. “Strange Brew” fue otro hit y canciones como “Dance the Night away”, “Tales of Brave Ulysses” y “S.W.L.A.B.R.” fueron todas éxitos en las radios. En junio del ’68 el álbum doble Wheels of Fire alcanzó el número 1 de los charts en Estados Unidos y fueron considerados una de las más grandes bandas de rock. Uno de los discos de este álbum doble fue grabado en estudio y el segundo grabado en vivo en San Francisco. En este disco en vivo, los fans de Clapton pudieron oír por primera vez el cover “Crossroads” de Robert Johnson. El disco en estudio contenía el sencillo top ten de Bruce “White Room” (que fue número 6 en los charts) y también el gran cover de Albert King, “Born under a Bad Sign”. Parece increíble que una banda tan caliente fuera a separarse estando en la cima, pero esto fue justamente lo que pasó con Cream. Una vez más los tres miembros quisieron separarse y hacer algo nuevo. Cream tocó su último concierto el 26 de noviembre de 1968 en el Royal Albert Hall de Londres. Habría un último álbum antes de la separación que fue lanzado a principios de 1969, Goodbye. Este disco comprendía tres pistas grabadas en estudio y tres en vivo. Una de esos temas en estudio sería la composición de Eric Clapton y George Harrison “Badge” que es el mejor tema del álbum. Godbye no tuvo las mejores críticas pero alcanzó el número dos en los charts. La vida luego de Cream tuvo más recompensas para la carrera solista de Clapton. Perteneció por poco tiempo a dos supergrupos, formó parte en 1969, nuevamente con Baker, de Blind Faith y en 1970 formó Derek & the Dominos. Bruce formó varias diferentes bandas con varios grandes nombres de músicos , haciendo blues, rock, folk y jazz. Luego de Blind Faith, Baker formó un par de bandas incluyendo la Ginger Baker’s Air Force que grabó dos álbumes. Más tarde estuvo en unas pocas bandas para volver con Bruce en BBM, en 1994. Se retiró de los negocios a fines del ’97 y compró una granja de caballos en Colorado que funcionó hasta fines del ’99, cuando fue obligado a salir del país.

** Fuente: http://www.keno.org/classic_rock/cream_bio.htm Publicado por Keno, 2001. Traducción: Ariel Herrera **************************************

Formed: 1966 in England Years Active: 1966 through 1968 Group's Main Members: Eric Clapton, Jack Bruce, Ginger Baker-

*** It is really hard to believe that Cream was only together for a little more than two years. They were rock's first power-trio and in their short history would sell millions of records and sell out concert halls everywhere. The band was formed as a blues-rock outfit in late 1966 with Eric Clapton on guitar and occasional lead vocals, Jack Bruce as its main songwriter, lead singer and bassist, and drummer Ginger Baker. Clapton was already pretty well know as a guitar hero in the UK and with Cream would soon be an international guitar playing superstar. He had been in bands like the Yardbirds and John Mayall's Bluesbreakers before Cream. Bruce also had been a member of the Bluesbreakers along with Clapton for a short time and had just left Manfred Mann when he joined up. Baker was the drummer for the Graham Bond Organisation , yet another band that Bruce had also been a member of. All three Cream members were looking to expand their music experiences and play music other than what was standard for the time period. No question that was what they ended up doing, playing long blues jams and extended solos live including everything from blues, to psychedelic, to hard rock. Their first album, Fresh Cream was released in December of '66. Mainly a blues album, it was a hit reaching the British Top Ten in early 1967. Almost a year after their first release came the album Disraeli Gears. It was loaded with hits and made them big in the US, reaching number five. The hard rock song "Sunshine of Your Love," was the album's biggest hit with its great guitar and haunting vocals. "Strange Brew" was another hit and songs like "Dance the Night Away," "Tales of Brave Ulysses" and "S.W.L.A.B.R." all got substantial radio play. In June of '68 the double album Wheels of Fire topped the American charts and they were now considered one of rock biggest bands. One disc of this double album was recorded in the studio, the second recorded on stage in San Francisco. On this live disc Clapton fans would get to hear the Robert Johnson cover "Crossroads" for the first time. The studio disc contained the top ten single, Bruce's "White Room" (number 6 on the charts) as well as a grand cover of Albert King's "Born Under a Bad Sign." It seem unreal that a band so hot would break up while at their peak, yet that is just what happened to Cream. Once again the three members wanted to break out and do something new. Cream played their last concert on November 26, 1968, at London’s Royal Albert Hall. There would be one last album after the breakup to be released in early 1969 , Goodbye, it consisted of three studio tracks and three live tracks. One of those studio tunes would be the Eric Clapton-George Harrison composition "Badge" which is the album's best track. Goodbye may not have gotten the greatest reviews but it did hit number two on the charts. Life after Cream was most rewarding for Clapton with a huge solo career. He did briefly belong to two supergroups, teaming up again in '69 with Baker in Blind Faith and then in 1970 he formed Derek & the Dominos. Bruce went on to form several different bands with several big name musicians and covered everything from blues, rock, folk and jazz. After Blind Faith, Baker formed a couple of bands including Ginger Baker's Air Force which put out a couple of albums. He was later in a few other bands and then got back with Bruce in BBM in 1994. He retired from the business in late '97 and bought a horse farm in Colorado which he ran until late '99 when he was being force out of the country.

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Publicado por Keno, 2001 Fuente: http://www.keno.org/classic_rock/cream_bio.htm Foto Cream de los 60s http://www.lastfm.es/music/Cream/+images by suikodee Foto Cream nueva http://www.lastfm.es/music/Cream/+images by EmperorNortonII

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Video: http://www.youtube.com/watch?v=R0DhVYuoMM4&feature=player_embedded

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Video: http://www.youtube.com/watch?v=uKyGn_uxkPU&feature=related

SOCIOS DE LA MADRE en La Rockería del Juanele

SOCIOS DE LA MADRE en La Rockería del Juanele junto a Fonoceronte (Sta. Fé) El Viernes 25 de Septiembre a la hora 21, en el marco de La Rockería del Juanele,compartirán escenario la banda paranaense Socios de la Madre y la santafesina Fonoceronte. Ambos grupos participarán por primera vez del ciclo que se lleva a cabo todos los viernes en el Centro Cultural Juan L. Ortíz, cito en Racedo y Belgrano (ex-ferrocarril) de la capital entrerriana. Las entradas anticipadas de pueden adquirir, en Paraná, en Breyer a un valor de $10 (pesos diez), y la noche del recital en puerta a $15 (pesos 15) -------------------------------------------------------------------------------- Acerca de Socios de la Madre Socios de la Madre se formó en 2007 con Ignacio Valente (Voz), Luciano Barreda (Guitarra y coros), German Vicentín (bajo), Joaquín Gómez (batería y coros) y Juan Eandi (guitarra líder). Con esta formación tocaron por primera vez en vivo en El Garage del Rock, programa conducido por Manuel Mina y Rafael Sosa en Radio Cualquiera 94.3. Una semana después, el grupo hizo su debut oficial en el Centro Cultural La Hendija, en un show compartido con Don Andrés (ahora Tales). Luego de algunas presentaciones Juan Eandi y Joaquín Gómez abandonaron la banda dejando vacante el puesto de guitarrista y batersita respectivamente, y fueron reemplazados por Rolo Maradey (ex Acolitos Anonimos) en guitarra y Sebastián Daneri en batería. dándole forma definitiva a la banda. En su corta vida Socios de la Madre se ha presentado en renombrados lugares de nuestra ciudad como el Centro Cultural La Hendija, La Esquina, Anderson Rock, Puesto 41, Casa de la Cultura, y el Teatro Municipal 3 de Febrero. Integrantes: Ignacio Valente: Voz Rolando Maradey: Guitarra y coros Luciano Barreira: Guitarra y coros Germán Vicentín: Bajo Sebastián Daneri: Batería Contactos: Banda: sociosdelamadre@hotmail.com Prensa y Management: Manuel Mina Cel: (343) 155036902 Mail: manuelmina@hotmail.com Sitios web: Pure Volume: http://www.purevolume.com/sociosdelamadre Fotolog: http://www.fotolog.com/sociosdelamadre My Space: http://www.myspace.com/sociosdelamadre -------------------------------------------------------------------------------- Acerca de Fonoceronte Fonoceronte se forma a principios de 2006, en la ciudad de Santa Fé, Argentina, con la idea de hacer una banda de rock duro, contundente. Es ese mismo año dan inicios a sus shows en el ambiente local debutando en la Bienal de Arte Joven de la UNL con su propuesta de rock intenso y visceral. La influencia de las bandas de sonido moderno fue uno de los principales hilos conductores de su estilo, tocar rock, pero no sonar retro. Con el paso del tiempo el grupo se presento en vivo en el circuito roquero local y continua haciéndolo de manera constante. Además actualmente se están tendiendo contactos para salir a mostrar su música en otras localidades. La conjunción de riffs potentes con bases sólidas de batería y bajo están acompañadas por voces que deambulan desde las melodías armónicas hasta las voces guturales y quebradas. El 2008 los encuentra presentado su primer DEMO, grabado en Sonic Wave que consta de tres temas (Santa Fuck – Rehén – Sol Neumático) que pasean por el variado repertorio de la banda. Este trabajo tuvo como Ing. De Grabación a Marcelo Cornut, como Productor Gral. a Gonzalo Torres y como Productor de Voces a Mauri Oromez (Doña Mara). En noviembre se presento el primer Video Clip de la banda, correspondiente al tema Rehén incluido en el CD, que consta con 21 zombies en escena, una intensa producción, un equipo de trabajo conformado por una directora de guión, cámaras y edición, director de fotografía y escenas, directora de vestuario, directores de maquillaje y una amplia lista de gente que ayudó a llevar esto a la pantalla. Esta producción audiovisual fue realizada por la cineasta local Rocío Torres. Integrantes: Gabito: Guitarra. Hermes: Bajo y coros. Pablito: Batería. Gonza-T: Voz. Contactos y prensa: Pablo - 0342-156129097 fonoceronte@gmail.com www.myspace.com/fonoceronte www.fotolog.com/fonoceronte GRACIAS a nuestro amigo MANUEL MINA de EL GARAGE DEL ROCK!!!

LA ROCKA en Puesto 41

Anticipando la presentación oficial de ABREOJOS. LA ROCKA en Puesto 41 El "power trío paranaense" integrado por Turco Neme, Seba Gómez y Palo Ibarrola, se presentará el sábado 19 de septiembre a las 23 horas en Puesto 41, anticipando la presentación oficial de Abreojos, su nuevo disco. Próximas fechas Sábado 17 de Octubre en Buenos Aires junto a Silicon Fly Domingo 18 de Octubre en Buenos Aires junto a Silicon Fly Viernes 30 de Octubre show sorpresa en Paraná Viernes 13 de Noviembre en Maria Grande Sábado 21 de Noviembre Presentación Oficial de ABREOJOS LA ROCKA editó ABREOJOS, su nuevo y esperado disco de estudio que ya está a la venta en distintos puntos del país. El nuevo trabajo discográfico está compuesto por 14 canciones que reflejan, con el poder y la fuerza característicos de LA ROCKA, el nuevo sonido de la banda. Según lo describe Seba Gómez, “ABREOJOS es un resumen de nueve años de trayectoria de la banda. Es un disco crudo, pero que no deja de lado la versatilidad. Es un disco que busca despertar todas tus emociones, hacerte reaccionar en algún punto”. Grabado por Gustavo Segal en los estudios de Lito Vitale (La Casita de mis viejos) y masterizado por Eduardo Bergallo en Puro Mastering, ABREOJOS nos propone un enérgico viaje que va desde temas de tinte bien rockero (“Desvelo”, “Instinto”, “Palo y pala”), pasando por canciones más introspectivas (“Recuerdos”, “Hojas en blanco”) y hasta una versión del hit de Stevie Wonder Superstition. ABREOJOS Tracklist 1. Llévame 2. Desvelo 3. Instinto 4. Recuerdos 5. De vuelta 6. 30 mil 7. Abreojos 8. Palo y pala 9. Oro en polvo 10. Adonde 11. Hojas en blanco 12. Fuego y silencio 13. Superstition 14. Destino blues Llévame – primer corte difusión de “Abreojos”: LLÉVAME suena crudo, a power trío, y prepara los oídos para lo que va a venir en el resto del disco. Es una primera impresión que revela las principales características musicales de la banda. “Es una canción que, desde la letra, te propone dejarte llevar por eso que siempre quisiste. Tiene que ver con el nacimiento, la evolución, la posibilidad de abrirse a un nuevo abanico de territorios sin descubrir. LLÉVAME es un tema que refleja el espíritu de la banda. Es un tema neto, pero a la vez potente y concreto. Es una canción que no tiene rodeos ni preámbulos, que va directo al grano, pero que sin embargo tiene una línea melódica ligada al funk que se lleva toda la atención”. MySpace: www.myspace.com/larockaparana Sitio Oficial: www.larocka.com.ar Gracias a nuestra querida amiga Belu Barzola Tillar por la data!!!

The Beatles Official Widget

The Beatles Official Widget

El 9 de septiembre de 2009 quedará inmortalizado como el día Beatle por excelencia, con el lanzamiento de todo su catálogo discográfico resmasterizado (por primera vez en la historia) y del Rock Band dedicado a los Fab Four. Por eso, un especial dedicado a la trayectoria de la banda. http://www.rollingstone.com.ar/nota.asp?nota_id=1172263&pid=7274076&toi=5905

NAREA ROCK

Nombre de la banda: Narea Genero: Rock Nombre del Demo: 3.21 Corte difusion: Golpes Verdugos Origen: Santa Fe - Santa Fe Integrantes: Voz: Exequiel Pérez - "Exe" Primer Guitarra: Leandro Bravi - "Cuervo" Segunda Guitarra: Leandro Pineda - "Gordo" Bajo y coros: Rodrigo Fontanta - "Rodri" Bateria: Nahuel Granau - "Rata" El proyecto Narea Rock tiene sus comienzos a mediados del año 2008, aunque su formación estable y el comienzo de los ensayos se ve reflajado a comienzos del mes de febrero de 2009. Si bien el estilo musical es bastante particular, se lo podria colocar dentro del género Rock, teniendo una influencia muy grande por parte de la banda santafesina Carneviva. Actualmente cuentan con un repertorio de 5 temas propios y un cover de "Aun no vine" (Carneviva), y se encuentran formando temas propios nuevos y una serie de covers de Carneviva. A principios de agosto de 2009 sacan su primer CD/Demo, el cual fue logrado con mucho esfuerzo por parte de Narea Rock. El mismo fue grabado en la casa particular de Leandro "Cuervo" Bravi, con produccion y diseño propio de la banda. Particularmente cada integrante ha tenido proyectos y presentaciones anteriores. Con la formación Narea Rock cuentan con una puesta en escena en una exposicion musical en la Casa del Maestro, y presentarán su primer fecha en un Recital "Under" el 12 de setiembre de 2009 en Club 25 (Santa Fe), junto a Buenayunta y Viejo Nogal. Información de contacto: Cruz Escobar, Alan Denis F. e-mail: narearock.santafe@gmail.com TE: (0-342)-15-5318051

Muchas gracias a Alan, mannager de Narea por la data y el disco! lo estaremos pasando por la radio.

VOX DEI (otro...)

La leyenda dice que cuando el flaco Luis Alberto Spinetta escuchó a Mach 4, les planteó que como si teniendo todo el idioma a su disposición, ellos podían cantar en inglés; y que esta sentencia resultó decisiva para esta banda de Quilmes. De regreso a casa en tren, uno de sus integrantes comenzó a hacer las traducciones de los temas, para no volver nunca más, a cantar sino en castellano. El grupo pasaría a llamarse Vox Dei, y estaría conformado por Ricardo Soulé en primera guitarra y voz, Willy Quiroga en bajo y voz, Yody Godoy en guitarra rítmica y Rubén Basoalto en batería. Ellos grabarían en el 69 sus primeros discos simples para el sello Mandioca, entre ellos Azúcar Amarga y Presente, para grabar en 1970 su primer larga duración para el mismo sello discográfico, y que llevaría por título “Caliente”. El estilo de esta banda del sur del Gran Buenos Aires, consistía principalmente en un rock simple con gran componente rítmico, entrelazado a algunos temas como Presente o Canción para una mujer que no está. El disco Caliente nos mostraba un muy buen trabajo de guitarras, y donde la rítmica tendría un valor preponderante. También en algunos temas aparecen elementos de percusión, como en No es por falta de suerte, que a su vez contenía bastante de candombe. Completan el disco: Cuero, Reflejos, Total que y Compulsión además de las dos canciones ya nombradas. Por esta primera producción Vox Dei se convertía para ese entonces en la banda con más pureza de rock n´roll, y por esta misma razón no coincido con eso de que ellos crearan un rock melódico, como leí por ahí. Sería similar a catalogar a los Stones o a Zeppelín de la misma forma, por cantar temas como Angie o Stairway to heaven, por nombrar sólo algunos. Hablar del disco de Mandioca creo que es importante ya que el sonido que lograron en aquella producción no se volvería a repetir, y a pesar que de las bandas originales, es la única que de alguna forma perduró en el tiempo. Además, la reedición del mismo como Cuero Caliente en 1974 para el sello Disc Jockey, a mi entender no lo equiparía. En 1971 vendría La Biblia, que fue la primera obra conceptual del rock argentino, y para la presentación de la misma ya no estaría Yody Godoy que sería reemplazado por Nacho Smilari, ex guitarrista de La Barra de Chocolate. Luego vendrían una sucesión de discos, alejamientos y reencuentros. Vox Dei se convertiría en pieza fundamental del mito originario del rock nacional. Publicado por Osvaldo Drozd en 15:19 Fuente: http://berissoblues.blogspot.com/ Foto: http://berissoblues.blogspot.com/ Berissoblues que-buen-blog!!!

WOODSTOCK

En otras notas hemos hablado de Woodstock 1969, este es un acercamiento con el fin de recordar el mayor festival de la historia del Rock. En la red vas a encontrar miles de datos y fotos. Compartimos lo siguiente con vos: Woodstock ha sido el mayor festival de música y arte de la historia, se celebró en el poblado de Bethel, New York, entre el 15 y el 18 de agosto de 1969, congregó a unos 400.000 espectadores, 340.000 más de los que esperaba la organización, y se estima que 250.000 no pudieron llegar. La magnitud del festival es impresionante para la época, basta decir que el mayor festival nacional en la actualidad, el FIB Heineken, congrega cada año a unos 50.000 espectadores en Benicassim. Woodstock es el icono de una generación, los miles de jóvenes que asistieron hicieron realidad sus ideales de paz y amor libre, mostrando su rechazo al sistema. Los chicos llevaban melena y amuletos, las chicas faldas de colores. Durante el festival se vivieron intensas noches de sexo, drogas y rock and roll. Los asistentes fueron la confirmación de un movimiento que cambió una sociedad norteamericana hastiada de las guerras, que pregonaba la paz y el amor como forma de vida, un movimiento llamado de forma despectiva Hippie (que es una variante de hipster, "el que siempre quiere estar al paso de las últimas tendencias") Los asistentes fueron los verdaderos exponentes del "Flower Power". Una tendencia que aún hoy es vivida por muchos jóvenes y adultos. El Festival congregó grandes artistas de la época y confirmó a algunos desconocidos que en poco tiempo se convirtieron en verdaderas estrellas como es el caso de Joe Cocker y Santana. Los grandes conciertos del festival estuvieron protagonizados por The Who, Jimi Hendrix, Janis Joplin, Bob Dylan y Blood, entre muchos más grupos y artistas. Un año más tarde morían de sobredosis de heroína los mitos Hendrix y Joplin, por lo que el Woodstock fue el último gran concierto de estos artistas. http://funversion.universia.es/musica/reportaje/woodstock69.jsp

Woodstock ha sido el mayor festival de música y arte de la historia. Congregó a unos 400.000 espectadores, 340.000 más de los que esperaba la organización, y se estima que 250.000 no pudieron llegar. Woodstock se convirtió en el icono de una generación de norteamericanos hastiada de las guerras y que pregonaba la paz y el amor como forma de vida y mostraban su rechazo al sistema. Los chicos llevaban melena y amuletos, las chicas faldas de colores. Durante el festival se vivieron intensas noches de sexo, drogas y rock and roll. Un movimiento llamado de forma despectiva Hippie (que es una variante de hipster, "el que siempre quiere estar al paso de las últimas tendencias"). Aunque inicialmente el concierto se organizó pensando que conllevaría pérdidas para la organización, el éxito del documental sobre el concierto dirigido por Michael Wadleigh y montado por Martin Scorsese hizo que finalmente resultara un acto rentable. El documental fue estrenado en 1970 y ganó el Oscar ese año, al mejor documental. La película ha recibido el título de "culturalmente significativa" por la Biblioteca del Congreso de los Estados Unidos y seleccionada para su conservación en el National Film Registry. El Festival congregó grandes artistas de la época confirmando a algunos desconocidos que en poco tiempo se convirtieron en verdaderas estrellas como es el caso de Joe Cocker y Santana. Los grandes conciertos del festival estuvieron protagonizados por The Who, Jimi Hendrix, Janis Joplin, y BLOOD, entre muchos más grupos y artistas. La gran ausencia estelar de este macroconcierto fue la del cantante norteamericano Bob Dylan, esperado por la multitud hasta el último instante. Los principales artistas que protagonizaron los conciertos de Woodstock fueron: Joan Baez, The Band, Blood, Sweat & Tears, Paul Butterfield, Blues Band, Canned Heat, Joe Cocker, Country Joe and the Fish, Creedence Clearwater Revival, Crosby, Stills, Nash & Young, Grateful Dead, Arlo Guthrie, Tim Hardin, Keef Hartley, Richie Havens, Jimi Hendrix, Incredible String Band, Janis Joplin, Jefferson Airplane, Melanie, Mountain, Quill, Santana, John Sebastian, Sha-Na-Na, Ravi Shankar, Sly and the Family Stone, Bert Sommer, Sweetwater, Ten Years After, The Who o Johnny Winter. http://enlacarretera.espacioblog.com/post/2007/01/18/woodstock-1969

Fue un verano tan caluroso como cualquier otro, pero diferente, aunque entonces no supiese explicar porqué; quizás me faltaba la perspectiva de los años. Han tenido que pasar cuarenta para recordar lo que sucedió y ser consciente de que aquel mítico festival de rock & roll y folk surgido en pleno apogeo hippy, marcó una neta diferencia con la música de los sesenta e influyó en nuestros gustos musicales sin que fuésemos conscientes del cambio. Al menos, eso fue lo que me sucedió a mí. No hay nada como la buena música para evocar tiempos en los que, con veinte años, teníamos las estrellas al alcance de las manos y eso es lo que me fascina de ella, o mejor dicho, de mi música. La de los cincuenta, cuando era niño, la conservo en colecciones Juke-box (máquina de discos), la de los sesenta en singles de 45 rpm y en reliquias discoflex, de las que ya nadie se acuerda, y la de los setenta en long-play de 33 rpm. Mis vinilos son joyas para mí y desde entonces los escucho muchos viernes hasta bien entrada la noche. Sólo los compromisos con los amigos me hacen faltar a mi cita semanal con «los auténticos medallas de oro en la música de los jóvenes», como decía con su cálida voz Ángel Álvarez, el legendario locutor de Caravana musical y de Vuelo 605, comprometido con la buena música de esas tres décadas. Pero para que esa evocación surja y se enrede con la magia de la música en el silencio de la noche, es imprescindible que encuentre una motivación, que suele ser conmemorativa y a veces etérea. Este viernes he elegido Woodstock en el agosto que el hombre conquistó la luna. Es media noche y gira el primer long-play que compré; contiene All my trials, un canto triste, y We shall overcome, otro lleno de fe y esperanza en tiempos duros, interpretados por Joan Báez, que actuó el primer día del festival. Recuerdo que aquel verano atravesaba a diario la rambla del Sordo en bicicleta y ascendía por la calle del Tejo para ir desde el Verdolay a Santo Ángel a fin de reunirme con una peña de amigos y amigas entorno a la piscina de la familia Abadía Sánchez, tan numerosa, generosa y entrañable como querida por todos nosotros. Nadábamos, saltábamos en el trampolín y tomábamos el sol de medio día en una piscina rodeada por un frondoso huerto de limoneros. Sonaba con fuerza la música de los últimos sesenta y mentiría si escribiese que aquel verano hablamos de Woodstock, porque los terrenos de la granja de Bethel (Nueva York) donde se celebró del 15 al 18 de agosto de 1969, estaban demasiado lejos. Así que ni la estridente voz de Janis Joplin ni las agresivas vibraciones de la guitarra de Jimi Hendrix, que cerró el festival, llegaron a la Murcia provinciana de entonces. Carlos Santana se dio a conocer Woodstock y actuó el segundo día. Es la una de la madrugada cuando escucho Jingo, Mujer de magia negra y Samba para ti. Su guitarra tenía lamentos afrocubanos y latinos y nosotros pocas preocupaciones. Nos inquietaba perder un año en el servicio militar, que era obligatorio, o en las milicias universitarias, y las asignaturas pendientes para septiembre. La huella del convulso 1968 era reciente y conversábamos sobre lo que sucedía al otro lado del Atlántico, que era un puro contraste con nuestro veraneo. Muchos jóvenes de nuestra edad eran reclutados en EE UU para ir a la guerra de Vietnam y regresaban heridos, mutilados o con graves trastornos sicológicos; otros no regresaron. La sociedad norteamericana estaba orgullosa de la conquista de la Luna y hastiada de aquella maldita guerra. Las protestas no cesaban y los organizadores de Woodstock supieron lanzar un mensaje pacifista y crear la atmósfera propicia para que acudiesen varios cientos de miles de espectadores, más de los 500.000, que esperaban. Muchos no pudieron acceder al recinto. La gran mayoría eran hippys y viajaron ligeros de equipaje, con sus melenas, amuletos y camisas floreadas de colores desteñidos. Entre nubes de incienso liberaron sus esencias de tolerancia y unos hábitos que a la larga, les dieron mala fama, porque en sus tiendas de campaña y furgonetas pintadas con vivos colores, vivieron inacabables noches de sexo y consumieron marihuana, LSD y otros alucinógenos hasta el éxtasis. Hubo tres muertes; por sobredosis de heroína, apendicitis aguda y por accidente con el tractor de la limpieza. Llovió y todo se colapsó. Escaseaba el agua y la comida pero la frase make love not war solventó las dificultades de la convivencia. La música de Jefferson, Melany, Creedence Clearwater Revival, Blood, Sweat & Tears, Crosby, Stills & Nash (and Young), The Who, los ya citados y otros, les hizo vibrar y bailar porque sus actuaciones fueron memorables e hicieron de Woodstock un festival inolvidable y unos de los mejores de la historia del rock y del folk. Han pasado cuarenta años y hace casi otros tantos que no monto en bicicleta. La guerra de Vietnam acabó, pero surgieron otras y hubo más protestas. Nosotros superamos septiembre y cumplimos con las milicias. Son casi las dos de la madrugada y escucho la versión de Joe Cocker de With a little help from my friends de Lennon y McCartney, que es una transición entre dos décadas, como lo fue Woodstock. Con mis vinilos he vuelto a tener las estrellas al alcance de mis manos, aunque ya están demasiado lejos. Me encanta su música, que es la mía, y sus inigualables registros. Por eso los mimo y les consiento su fritura y la impertinencia de que, de vez en cuando, hagan saltar a la aguja con estruendo en la magia evocadora del silencio de la noche. http://www.laverdad.es/murcia/20090810/opinion/woodstock-agosto-1969-20090810.html

Foto de guitarrista de espaldas: www.allposters.es/-sp/Woodstock-1969-Posters_... Foto de los patinadores de barro y panorámica: Alexy Associates, Inc. http://www.peacefence.com/woodstock.htm TOMATE TU TIEMPO... MIRA ESTO: http://www.video.google.com/videoplay?docid=-3981364972665945187

STEVIE RAY VAUGHAN

Fuente: http://pianomundo.com.ar/guitarras/vaughan.html

Vaughan nació y se crió en el vecindario Oak Cliff en Dallas, Texas. Ninguno de sus padres tenía ningún importante ni destacado talento musical, pero eran ávidos fanáticos y melómanos de la música en sus distintos géneros. Usualmente llevaban al pequeño Stevie Ray Vughan y a su hijo mayor, Jimmie, a conciertos de Fats Domino, Jimmy Reed y Bob Wills. Aunque Stevie inicialmente quería tocar la batería como primer instrumento, a los ocho años de edad le regalaron una guitarra. Su primer banda se llamó Paul Ray y las Cobras. Ellos tocaban en los clubes y bares de Austin durante mediados de los 1970. Junto a esta banda, Stevie grabó su primer simple. Luego grabó otros dos bajo el nombre de la banda "Las Cobras". En Noviembre de 1982, Vaughan grabó en el estudio de Jacklson Browne ubicado en el centro de Los Ángeles. Las grabaciones llamaron la atención de un hombre llamado John Hammond, y fue así como apareció su segundo álbum "Texas Flood". Posteriormente, David Bowie incluyó al guitarrista en su álbum Bailemos de 1983. Se le ofreció también ir de gira junto a Bowie, pero Vaughan rechazó dicha invitación con el fin de concentrar sus esfuerzos en su nueva formación "Double Trouble". El siguiente álbum de la banda, "No puedo detener al clima", fue grabado en Enero de 1984. Durante el verano de ese mismo año, Vaughan y Double Trouble aparecieron en numerosos shows televisivos, incluyendo Rockpalast, Much Music y Solid Gold. Hacia fines de Septiembre, la banda ensayó en el Caravan of Dreams en Fort Worth, Texas para su show en el Carnegie Hall que se llevaría a cabo el 4 de Octubre de 1984. Ellos tenían trajes al estilo mariachi, todos de terciopelo, que habían sido hechos especialmente para esa ocasión. Entre los invitados especiales se encontraban Jimmie Vaughan, Roomful de Blues horns, Dr. John, Ángela Strehli y George Rains. Hacia mediados de 1986, la adicción a las drogas y al alcohol afectaros considerablemente al guitarrista. La cocaína y el whisky estaban entre sus preferidos. Luego de caer sumamente enfermo en Alemania, en una de sus giras, el músico consiguió tocar en tres shows más, y finalmente lo internaron en un hospital de Londres. Posteriormente voló hacia Atlanta, Georgia, para instalarse en un centro de rehabilitación. Finalmente se recuperó por completo de sus adicciones y se convirtió en abstemio. Desde su regreso de la rehabilitación, Vaughan realizó un gran número de trabajos con otros artistas incluidos Dick Dale, Jennifer Warnes y Stevie Wonder. En 1988, continuó viajando junto a Double Trouble alrededor de Escandinavia. En Febrero de 1989 grabaron "In Step", el cual fue su cuarto álbum desde 1985 y es calificado, por algunos como el mejor trabajo de la banda desde "Texas Flood". "In Step" ganó un premio Grammy como Mejor Álbum de Blues Contemporáneo. Vaughan compartió una gira con el guitarrista Jeff Beck en el otoño de 1989. En Marzo de 1990, Vaughan se tomó un tiempo libre para grabar "Estilo familiar" junto a su hermano Jimmie Vaughan. Mientras tanto los negocios de Double Trouble mejoraban increíblemente. Ellos continuaron una gira durante el verano de ese mismo año. El 25 y 26 de Agosto de 1990, Vaughan y Double Trouble tocaron en el Teatro de Música Alpine Valley de Wisconsin. Al final del show, Eric Clapton invitó a Buddy Guy, Robert Cray, a Jimmie y Stevie Ray Vaughan. Todos estos músicos interpretaron unos 15 minutos de “Sweet Home Chicago”. Cuando finalizó la canción, todos los guitarristas se abrazaron y salieron del escenario. El baterista de Double Trouble, Chris Layton, recuerda su última conversación con Vaughan tras el escenario. Luego recuerda cuando Stevie dijo que tenía que llamar a su novia, Janna Lapidus, cuando regresara a Chicago. Entonces salió por la puerta y se dirigió hacia el helicóptero para abordarlo. El helicóptero se estrelló a los cinco minutos de partir pereciendo en el acto todos los miembros de la banda. Los medios de comunicación reportaron, sin embargo, inicialmente que Vaughan y su banda habían muerto en un choque. Chris Layton, que no estaba a bordo del helicóptero, vio esto en las noticias y se fue corriendo hasta la habitación del hotel en que se hospedaba Stevie. Layton vio que la cama estaba hecha y que el radio-reloj estaba tocando la canción de las Aguilas (Eagles), “Paceful, easy feeling”, la cual incluye la frase “I may never see you again” (Puede que nunca te vuelva a ver). Luego Layton y Shannon llamaron a sus familias para hacerles saber que se encontraban bien. Stevie Ray Vaughan se encuentra enterrado en el Laurel Land Memorial Park, de Dallas, Texas.

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Foto: http://www.picsearch.es/imagenes

Video: http://www.youtube.com/watch?v=tWLw7nozO_U